Содержание
Моне и его кувшинки — Language Heroes Library
Изучение языков — процесс весьма интересный, насыщенный и увлекательный. Для меня он связан не только с книгами, но и с чувствами, личными переживаниями и впечатлениями.
Знакомство с импрессионизмом
Французский язык всегда был для меня очень красивым, мелодичным, и, конечно же, романтичным. Но я немного побаивалась его. Желание изучать французский возникло, когда я участвовала несколько месяцев в проекте Жени Кашаевой «Человек эпохи возрождения». И именно тогда я открыла для себя импрессионизм, который возник во Франции.
А дальше была поездка в Париж, посещение Лувра, знакомство с творчеством великого импрессиониста Клода Моне. Я просто не могла оторвать взгляд от его работ. Затем еще одна поездка и музей Орсе в Париже, где представлено много работ импрессионистов, в том числе Моне. Находясь под огромным впечатлением от увиденного, я поняла, что не зря это направление получило название «импрессионизм».
Импрессионизм с французского переводится как «впечатление» («impression»), через творчество художники передавали свои чувства, видение и настроение.
Название новому течению в искусстве невольно дала картина Клода Моне «Впечатление. Восход солнца», представленная на выставке в 1874 году.
Интересен тот факт, что импрессионизм не сразу получил признание в мире, публика не оценила по достоинству новое веяние, но со временем импрессионисты сумели достучаться до сердец людей.
«Кувшинки»
Примерно в 1890 году Моне удалился в свой собственный маленький рай, в сад с кувшинками в поместье Живерни (Франция). Там он с особой любовью подошел к оформлению своего пруда, высадил кувшинки (или водяные лилии), оформил мостик. И принялся творить.
В последние годы своей жизни он рисовал в основном только кувшинки в своем пруду. В 1919 году Моне впервые представил миру 12 картин с кувшинками, которые он создавал в период с 1914 по 1918 год.
По стечению обстоятельств картины оказались в музее Оранжери сада Тюильри.
Моне сам контролировал процесс оформления комнат, в которых были размещены монументальные картины с изображением сада на воде в Живерни. И результат был ошеломляющий: картины полностью покрывают стены в овальных залах Оранжери.
Клод Моне, «Художник невозможного» – именно так часто называли великого импрессиониста, достиг в этих картинах вершины мастерства, передав на холстах игру света, отражения и преломлении. По задумке художника зритель полностью погружается в таинственную, волшебную атмосферу пруда с кувшинками, которые Моне запечатлел в самых разных оттенках и состояниях.
«Кувшинки. Заходящее солнце» Музей Оранжери
В цикл картин «Кувшинки» с изображениями сада на воде вошли около 250 картин. Художник работал над ними вплоть до конца своей жизни, несмотря на серьезные проблемы со зрением: ему диагностировали катаракту.
Любовь на всю жизнь
В музей Оранжери я попала случайно, когда гуляла в саду Тюильри неподалеку от Лувра. Оказалось, что именно там постоянно проходит выставка картин с «Кувшинками» Моне.
Масштабы впечатляют: картины занимают целую стену, а осмотреть на них нужно из середины зала, сидя на скамейке. Крыша в музее стеклянная, и в зависимости от падающего света меняется и восприятие картины. Картины написаны в разное время суток, меня просто потрясло насколько они разные.
По моему мнению, Моне выделяется среди художников-импрессионистов своей магией. Возле его картин охватывает потрясающее чувство спокойствия и внутренней тишины, кажется, что мы видим природу в одинаковом свете. Особенно он раскрылся для меня именно после посещения музея Оранжери. Его нежность в картинах, оттенки, чувства поразили меня. Тогда я поняла, что это – любовь на всю жизнь. И «Кувшинки» для меня — апогей его творчества.
Я почувствовала, как много удовольствия художник получал от процесса, насколько он был для него неспешным, вне ритма бешеного города. И как же сейчас не хватает этой осознанности, момента внутренней тишины и спокойствия. А рядом с картинами Моне можно получить немного этого состояния наполненности и тишины.
В такие моменты останавливается внутренний диалог, весь мир исчезает, а вместе с ним беспокойство и проблемы, остается только бесконечная красота кувшинок, воды, оттенков цветов и света.
«Кувшинки» музей Оранжери
Места для любителей импрессионизма
А для того, что в полной мере насладиться творчеством Моне, конечно, нужно будет отправиться в Париж, посетить музей Orsay, музей Marmottam-Monet, поместье Giverny. Про поместье можно подробнее узнать, посмотрев этот ролик на французском.
В этом захватывающем путешествии поможет знание французского языка. Для этого я очень рекомендую пройти марафон в Language Heroes, он мне помог серьезно продвинуться в изучении языков, дал тот самый толчок, который помог перебороть страх общения с носителями. А еще вам может помочь статья Галины Ляпун, прочитать ее можно здесь.
Сейчас, пройдя определенный путь, связанный с языками и искусством, я отчетливо понимаю, что искусство —это не только мир прекрасного, но и наш помощник в изучение языков.
Фото автора
Фрида Кало
5,000 ₽
Купить
Tous au parc couverture
3,500 ₽
Купить
Теги по теме:Блоги французский Языки и искусство
Караваджо, Климт и Моне: «Афиша Daily» смотрит фильмы о гениях и золотых эпохах
Искусство
Караваджо, Климт и Моне: «Афиша Daily» смотрит фильмы о гениях и золотых эпохах
Николай Удинцев,Николай Овчинников,Артём Колганов
18 сентября 2020 14:11
С конца июля онлайн-кинотеатр Okko каждый понедельник бесплатно показывает фильмы о великих художниках и ведущих мировых музеях. Сейчас на сервисе собралась коллекция из 13 фильмов о Ван Гоге, Климте, Моне, Эрмитаже и Музее Прадо. Редакторы «Афиши Daily» посмотрели 9 фильмов и рассказывают, почему они достойны вашего внимания.
Николай Удинцев
Редактор разделов «Мозг» и «Инфопорно»
«Боттичелли. Инферно» (2016)
В конце XV века невероятно могущественная флорентийская семья Медичи заказала иллюстрации к поэме «Божественная комедия» Данте Алигьери.
Несмотря на то, что книга про описание девяти кругов ада вышла почти два столетия назад, стихи, в которых описывались муки грешников, все еще производили сильное впечатление на современников. Работу отдали Сандро Боттичелли, успешному местному художнику, который, впрочем, еще не нарисовал своего главного произведения. Он проиллюстрировал все сто песен, но работа оказалась настолько сложной, что значительную часть иллюстраций он не успел доделать.
Самая известная часть цикла — карта ада, масштабное полотно с воронкой и всем путешествием Данте и Вергилия по подземному царству. В фильме его называют презентацией для заказчика и титульной страницей всего иллюстративного цикла. Но это только начало, ведь сравнения с современностью занимают в «Боттичелли. Инферно» довольно весомую часть.
Для людей нашего времени Боттичелли — это очевидный классик и гений, но док пытается показать его как нашего современника, буквально фрилансера, который получил объемный заказ. Если продолжить эту ассоциацию, то его иллюстративный цикл можно назвать авторской визуальной новеллой, которая сильно отличалась от других «комиксов» того времени, а отношения с богатейшим кланом — перепиской с заказчиком.
В конце концов, Боттичелли, как и любой современный фрилансер, столкнулся с веяниями моды.
Документальный фильм про инферно Боттичелли в итоге оказывается даже более захватывающим, чем «Инферно» по конспирологическому роману Дэна Брауна. В последнем Том Хэнкс хоть вскрывает тайные ходы Флоренции и Венеции, но про саму картину ничего интересного не рассказывает.
Подробнее на Афише
«Климт и Шиле: Эрос и Психея» (2018)
Из названия можно сделать вывод, что фильм посвящен только австрийскому художнику Густаву Климту, автора знаменитого «Поцелуя», и Эгону Шиле, известному по экспрессивным обнаженным портретам. На самом деле это не так, а Климт и Шиле оказываются всего лишь одними из многих героев золотой эпохи Вены, которую город переживал на границе XIX и XX веков.
Док изображает Вену главной мировой столицей, самым прогрессивным городом, который хочет скинуть консервативные традиции, и центром притяжения смелых идей. Хотя на самом деле культурные события в Вене несколько уступали таким же в Париже и Санкт-Петербурге.
Кроме Климта и Шиле в то время в городе жили и работали архитектор модерна Отто Вагнер, композитор Густав Малер, писатель Стефан Цвейг. Зигмунд Фрейд, который хоть и не занимался искусством, сильно влиял на их творчество. Что неудивительно: Климт и Шиле изучали эротизм и сексуальность не меньше, чем известный психоаналитик. «Климт и Шиле», скорее всего, откроет для вас много новых имен, заложит интерес к эпохе, но целостного представления о ней не даст.
Золотой век Вены стал местным культом. Несмотря на то, что прошло более ста лет, эпоха остается гордостью австрийцев и важным элементом национального самоопределения. Впрочем, она продлилась недолго: на Европу и Вену надвигалась Первая мировая война и пандемия испанского гриппа, которые положили концу и Климту, и расцвету нового искусства, и Австро-Венгрии.
Подробнее на Афише
«Караваджо: Душа и кровь» (2018)
По биографии итальянского художника Караваджо можно снять приключенческий фильм или как минимум драматический сериал.
Буквально на каждом отрезке его жизни найдутся события, достойные экранизации: никому не известный провинциал покоряет столицу искусства Рим, или его история как хулигана, по сути, преступника, который постепенно становится главным церковным художником своего времени, или последние годы жизни, которые Караваджо, будучи уже знаменитостью, провел в бегах и изгнании.
К сожалению, все эти истории придется додумывать, потому что создателей итальянского дока 2018 года они интересуют не слишком сильно. В фильме Караваджо существует вне контекста. Его соприкосновения с внешним миром заканчиваются на именах многочисленных меценатов и храмов, для которых он делал картины. Но сделать вывод о том, что происходило в Италии конца XVI века, как, собственно, жил Караваджо, не получается.
Караваджо, который славился и точно переданными эмоциями и правдоподобными позами, сильно повлиял на формирование реализма в живописи. Вероятно, поэтому все полтора часа посвящены только картинам. Какие символы он использовал, как работал со светом, почему на его картинах нет фона, как живопись Караваджо менялась с его взрослением — примерно так выглядит список вопросов, которыми задаются в фильме.
И если после имени Караваджо вы вспоминаете картину «Юноша с лютней», то после просмотра ваше мнение о нем сильно изменится.
Подробнее на Афише
Артем Колганов
Редактор раздела «Города»
«Эрмитаж. Сила искусства»
В период пандемии особую популярность получили виртуальные экскурсии: пока выставочные залы были закрыты на карантин, музеи изобрели множество альтернативных форматов посещения. Итальянский режиссер Микеле Малли предсказал эту тенденцию годом ранее: документальная картина о крупнейшем музее Санкт-Петербурга — это полуторачасовой фильм-экскурсия со всеми необходимыми элементами, от гида до исторической справки.
Работая в жанре документального кино, Малли умышленно жертвует формой в пользу содержания — в «Силе искусства» сложно найти оригинальные операторские ходы или экстраординарные планы камеры, однако визуальный аспект фильма в точности соответствует его повествованию. В роли гида по Эрмитажу выступает Тони Сервилло, звезда фильмов Паоло Соррентино, — его рассказ охватывает хронологический период длиной в триста лет, а любое упоминание произведений из экспозиции сопровождается детальными иллюстрациями.
«В Петербурге более четырехсот мостов, и Эрмитаж — один из них. Мосты связывают между собой острова, а Эрмитаж — Россию и Европу», — эта вступительная фраза фильма полноценно описывает режиссерский замысел: фильмография Микеле Малли действительно посвящена поиску связей. В дебютном фильме режиссер искал параллели между работами Климта и Шиле, но в гиде по Эрмитажу он расширяет область поиска: в повествовании пересекаются русская литература, история мирового искусства и соответствующий им социально-политический контекст. Российского зрителя сложно удивить рассказом про Эрмитаж, но Малли предлагает посмотреть на историю музея в комплексной перспективе, пройтись по всем его залам без исключения — и этот взгляд оказывается оригинальнее выборочного посещения.
Подробнее на Афише
«Тинторетто: Бунтарь в Венеции»
Одним из главных источников вдохновения для искусства Нового времени становится город: сложно представить рождение импрессионизма вне культурного состояния Парижа начала XX века, а художественный метод Энди Уорхола немыслим без контекста Нью-Йорка поздних 1960-х.
Эта взаимосвязь сегодня кажется очевидной: развитие городов за последние сто пятьдесят лет происходило стремительными темпами. Однако в классическом искусстве также были примеры тесной связи городов с художественным контекстом — один из таких примеров иллюстрирует фильм о венецианце Якопо Робусти, более известном под псевдонимом Тинторетто.
«Тинторетто» переводится с итальянского как «Маленький красильщик»: это отсылка к популярному в Венеции начала XVI века роду деятельности, а сам город в те времена был крупным торговым центром. В 1575 году город пережил крупнейшую в истории эпидемию чумы, а последующие двадцать лет ознаменовали упадок города. Тинторетто родился в 1517 году и провел в Венеции все 73 года жизни, поэтому его картины могут рассказать почти вековую историю города лучше исторических исследований — ведь пики творчества художника пришлись именно на переломные для итальянского города моменты.
Режиссер Джузеппе Доминго Романо получил известность как апологет экспериментальной документалистики, а фильм о Тинторетто стал его дебютом в жанре биографии.
По структуре фильм напоминает видеоэссе: под комментарии экспертов о художественном методе и живописной технике Тинторетто камера подолгу останавливается на деталях его картин, демонстрируя неприметные с первого взгляда инновационные ходы живописца.
Итальянский Ренессанс обычно ассоциируется с предельной точностью к пропорциям и реалистичной перспективой, но Тинторетто удалось не только возвести эти приемы в абсолют, но и добавить к формализму драматизм и буйство красок. Венецианский художник совместил монументализм Микеланджело и экспрессию Тициана, но в уникальной манере — лучше всего ее характеризует звучащее в фильме замечание о том, что в качестве музыкального сопровождения картинам Тинторетто подошел бы импровизационный джаз.
Подробнее на Афише
«Клод Моне: Магия воды и света»
Как жизненный путь художника отражается на его творчестве? Фильм итальянского режиссера Джованни Тройло посвящен попытке ответа на этот вопрос на примере биографии Клода Моне.
Метод Тройло совпадает с тем, что в теории искусства называют герменевтикой: режиссер интерпретирует произведения живописца внутри их собственного контекста. Это первая работа режиссера в жанре биографии (годом позже он снимет фильм о Фриде Кало, в свое время также переопределившей горизонты изобразительных искусств), но уже в ней он закладывает четкую повествовательную структуру — от жизнеописания художника к содержанию его работ.
В оригинале первая часть названия фильма звучит как «Кувшинки Клода Моне» — и действительно, лейтмотив французского живописца становится основным ключом к разгадке смысла его произведений. «Кувшинки» — самый объемный цикл произведений Моне, написанный преимущественно в поздние годы жизни художника и потому наиболее полно отражающий источники его вдохновения. Основой импрессионизма как жанра традиционно считается игра света: нежные пастельные тона стали визитной карточкой целой плеяды живописцев начала XX века, но для Моне свет ничего не значит без воды — именно она наделяет цвет дополнительными оттенками, позволяет передать его наиболее естественным образом (искаженно, но реалистично).
Близость к воде определяет и географию работ художника — постоянно перемещающийся по Франции в поисках собственной идентичности, Моне движется вслед за течением Сены — Аржантей, Витей, Пуасси и, наконец, Живерни.
Импрессионизм Моне принято трактовать как революцию в изобразительном искусстве: сознательный уход от реалистичного изображения положил начало модернизму, эпохе радикальных экспериментов с интерпретацией и переосмыслению классической традиции в живописи. Однако Тройло предлагает более простое объяснение: нестандартная живопись Моне — лишь непрерывный поиск художественный индивидуальности, основанный на обычном человеческом стремлении к счастью.
Подробнее на Афише
Николай Овчинников
Редактор раздела «Музыка»
«Похищенные сокровища Европы»
Есть расхожее выражение: «Война заканчивается, когда похоронен последний солдат». В случае со Второй мировой стоит добавить: «… и последняя вещь возвращена своему владельцу».
Нацисты, оккупировавшие Европу в начале 1940-х годов, свозили к себе все, что попадалось под руку, — от картин европейских мастеров до янтарной комнаты из пушкинского дворца (ее так и не нашли). Многое из этого — прежде всего произведения искусства — в итоге осталось в Германии, в руках властей, так и не вернувшись к прежним владельцам.
Фильм режиссера Клаудио Поли «Похищенные сокровища Европы», хоть и находится в плейлисте фильмов об искусстве на Okko, но куда ближе к историческому триллеру. Это очень красочная — благо визуального материала хоть отбавляй — история о том, как немецкие власти в какой‑то момент превратили коллекционерство в обсессию, как они сперва забрали все ценное у своих граждан, а затем разворошили коллекции на оккупированных территориях, как потом, после падения нацизма, бывшие хозяева все пытались вернуть себе что‑то, но натыкались на неизбывный германский формализм и так далее и тому подобное.
Четыре самых занятных момента — но не сказать, что прямо уж центральных — в фильме.
Первый — история о том, как Геринг и Гитлер в какой‑то момент превратились в соперников по части собирания художественных коллекций и фюреру пришлось даже издавать специальный указ, чтобы облегчить для себя воровство чужих картин. Второй — история неутомимого галериста и коллекционера Поля Розенберга, который сперва устраивал выставки в Париже, а потом, бежав от нацистской оккупации в США, продолжил работать и успешно сотрудничал с MoMA. Третий — история Тома Селдорфа, у семьи которого нацисты тоже украли картины, и который в итоге нашел полтора десятка из них. Наконец — комичная история мошенника Хана ван Мегерена (про человека есть даже обстоятельная статья в «Википедии», но я совсем о нем не слышал), которого после войны хотели надолго посадить за подделку старинных полотен, но так как он их подделывал для Геринга, отправили в тюрьму на год и считали чуть ли не героем.
Противопоставление «дегенеративного искусства» (модернизма начала XX века) и классики, прославленной нацистами, тут самое скучное (при этом оригинальное название примерно звучит как «Гитлер против Пикассо»).
Ну да, тоталитарному государству требовалась соответствующая культура, а иная подлежала уничтожению — но зато какие человеческие истории за всем этим кроются!
Подробнее на Афише
«Гоген: В поисках утраченного рая»
Еще один фильм Клаудио Поли — это история Поля Гогена, одного из главных деятелей постимпрессионизма (если кратко, более эмоционального и резкого варианта импрессионизма классического).
Поли берется в целом за скучную фактуру. Гоген много путешествовал, жить не мог без дороги, был готов свалить хоть во французскую провинцию — лишь бы только не в Париже. Жил в пути и умер в бедности. Типичная история для художников его поколения (Ван Гог, чья жизнь была сплошной трагедией, тоже был постимпрессионистом).
Биографические подробности скучны (пусть в оригинале их и озвучивает Адриано Джаннини из хорошего фильма «Черное золото»), зато куда интереснее визуальный ряд. Поли пытается зафиксировать остатки той культуры и природы, которые вдохновляли Гогена.
В попытках вырваться за пределы медленно растущего опухолью капитализма художник уехал на забытый богом Таити и рисовал местных жителей и природу.
И второй, даже более важный ракурс. Режиссер находит праправнучку Гогена (тот женился на шестнадцатилетней таитянке): она говорит, что, мол, вот я сижу тут на острове, работы нет, денег нет, картин великого предка не видела. «В поисках утраченного рая» — это еще и напоминание о том, что художники рубежа XIX–XX веков смотрели на мир за пределами Европы через колонизаторскую линзу, рассматривали это как прекрасную первобытную экзотику и мало заботились о том, что будет с этой самой экзотикой дальше.
Подробнее на Афише
«Музей Прадо: Коллекция чудес»
Каждому порядочному музею нужен порядочный фильм-экскурсия, где пунктиром намечается история и показываются основные экспонаты. Вот такую штуку сняла Валерия Паризи для Музея Прадо. Этот испанский Эрмитаж — одна из главных картинных галерей Западной Европы, с ее шикарной коллекцией искусства XVI–XVII веков с Веласкесом и Рубенсом во главе.
Прадо в какой‑то мере повезло. Его не задели мировые войны и борьба традиционалистских режимов с модернизмом, он пережил падение монархии, а затем — республики, гражданскую войну (управлявший тогда музеем Пабло Пикассо успел на время эвакуировать картины в Швейцарию, а после войны их вернули, редкость для тогдашней Европы), диктатуру Франко.
Вот и фильм под стать истории музея. Это такой аккуратный и сдержанный рассказ о том, как постепенно формировался такой островок спокойствия посреди бушующей Европы. Причем большая часть фильма уделена именно раннему Новому времени, эпохе Габсбургов на троне, Веласкеса, Эль Греко и Босха. Их картины тут изучаются чуть ли не под микроскопом, постепенно знакомя зрителя с контекстом (от династических войн в Европе до политических заговоров внутри самой Испании),
К этой изящной аудиовизуальной экскурсии аккуратно прилагается Джереми Айронс, который вдохновенно увязывает части фильма между собой при помощи громогласного цитирования Пикассо, Гойи и других великих деятелей прошлого.
В русской версии его не менее эмоционально дублирует Игорь Верник.
Подробнее на Афише
расскажите друзьям
теги
БоттичеллиКараваджоискусствоOkkoпартнерский материал
люди
Густав КлимтЭгон Шиле
История цикла «Водяные лилии»
Anonyme
Claude Monet devant sa maison à Givenny , en 1921
Musée d’Orsay
© Musée d’Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Alexis Brandt
См. уведомление о произведении
Цикл «История водяных лилий»
Цикл Nymphéas [Водяные лилии] занимал Клода Моне в течение трех десятилетий, с конца 1890-х годов до его смерти в 1926 году, в возрасте 86 лет.
Corps de texte
Большой проект Моне
Цикл нимфеи [Водяные лилии] занимал Клода Моне в течение трех десятилетий, с конца 1890-х годов до его смерти в 1926 году в возрасте 86 лет.
Эта серия была вдохновлена созданным им водным садом. в своем поместье Живерни в Нормандии. В результате появились последние большие панно, подаренные Моне французскому государству в 1922 году и выставленные в Музее Оранжери с 1927 года. Слово nymphéa происходит от греческого слова numphé, означающего нимфу, которое его название происходит от классического мифа, который приписывает рождение цветка нимфе, умиравшей от любви к Гераклу. На самом деле, это также научный термин для водяной лилии. Знаменитый пруд с водяными лилиями вдохновил Моне на создание колоссальной работы, состоящей почти из 300 картин, более 40 из которых были большого формата. Три гобелена также были сотканы из Нимфеи картины, что подтверждает декоративный характер этих серий.
Anonyme
L’étang des Nymphéas à Givenny , en 1921
Musée d’Orsay
Приобретение, 2006 г.
© Musée d’Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt
См. аннотацию к работе
В начале цикла художник определил два типа композиции.
Первый включает в себя край пруда и его густую растительность: это видно на Bassins aux nymphéas 9.0004 1899-1900 [Пруд с водяными лилиями] , затем в Pont japonais [Японский мост] из более поздних лет. Второй же, напротив, играет на пустоте и включает в себя только водную гладь с вкраплениями цветов и отражений. Это видно в Paysages d’Eau [Водные пейзажи] (1903-1908), крупным планом в плотно обрамленной композиции, организованной последовательно, в которой каждый элемент представлен как фрагмент. Эта композиция также является украшением стены. Хотя идея проекта создания круговой серии декоративных росписей вынашивалась с 189 г.7, именно в 1914 году художник решил отныне направить всю свою энергию на создание своего «большого украшения». » Окончательную форму это приняло в расположении Оранжереи: панорамный фриз, выложенный почти цельно, и обволакивающий зрителя двумя эллиптическими залами.
Anonyme
Claude Monet devant sa maison à Givenny , en 1921
Musée d’Orsay
© Musée d’Orsay, Dist.
RMN-Grand Palais / Alexis Brandt
См. анонс работы
Моне и Клемансо. Подарок государству
В 1914 году, в возрасте 74 лет, когда он только что потерял сына и не видел никакой надежды на будущее, Моне снова почувствовал желание «предпринять что-то крупномасштабное», основываясь на «старых попытках .» В 1909 году он уже сказал Гюставу Жеффруа, что хочет, чтобы тема водяных лилий «неслась вдоль стен». В июне 1914 года он писал, что «приступает к великому делу». Это предприятие поглотило его на несколько лет, в течение которых его преследовали препятствия и сомнения, и когда дружба и поддержка одного человека оказывались решающими. Это был политик Жорж Клемансо. Они встретились в 1860 году, потеряли связь и снова встретились через 19 лет.08, когда Клемансо купил недвижимость в Бернувиле недалеко от Живерни. Моне разделял идеи Клемансо-республиканца, и мы также знаем о живом интересе Клемансо к искусству. Во время войны Моне продолжал свою работу попеременно на пленэре, когда погода была подходящей, и в огромной мастерской, которую он построил в 1916 году с мансардными окнами для естественного освещения.
12 ноября 1918 года, на следующий день после перемирия, Моне писал Жоржу Клемансо: «Я заканчиваю два декоративных панно, которые хочу подписать в День Победы, и пишу, чтобы попросить вас предложить их для государство с вами выступает в качестве посредника. » Таким образом, художник намеревался подарить нации настоящий памятник миру. В то время, когда еще не было определенности, где суждено жить декоративной серии, кажется, Клемансо удалось уговорить Моне увеличить этот дар с двух панно до целой декоративной серии. В 1920 сентября подарок стал официальным и привел в сентябре к соглашению между Моне и Полем Леоном, директором Музея изящных искусств, о подарке государству двенадцати декоративных панно, которые Леон обязуется установить в соответствии с замыслом художника. инструкции в конкретном здании. Однако Моне, подверженный сомнениям, постоянно переделывал свои панели и даже уничтожал некоторые из них. Контракт был подписан 12 апреля 1922 года на дарение 19 панно, но Моне, все еще неудовлетворенный, хотел больше времени, чтобы усовершенствовать свою работу.
Клемансо напрасно писал ему в том году: «Вы прекрасно понимаете, что достигли предела того, что может быть достигнуто силой кисти и ума. » Но, в конце концов, Моне хранил картины до своей смерти в 1926. Затем его друг Клемансо приложил все усилия, чтобы открыть комнаты для водяных лилий в строгом соответствии с пожеланиями Моне.
© DR
Восемь панно, уникальная выставка
В Музее Оранжери хранится 8 великих Нимфеи [Водяные лилии] композиций Моне, созданных из различных панелей, собранных рядом. Все эти композиции имеют одинаковую высоту (6,5 футов/1,97 м), но различаются по длине, чтобы их можно было повесить на изогнутые стены двух комнат в форме яйца. Художник ничего не оставил на волю случая с этим набором картин, над которыми он долго размышлял и которые были выставлены в соответствии с его пожеланиями совместно с архитектором Камиллой Лефевр и с помощью Клемансо. Он спланировал формы, объемы, расположение, ритм и пространство между различными панелями, неуправляемый опыт посетителя через несколько входов в комнату, дневной свет, проникающий сверху, который заливает пространство, когда солнце заходит или светит.
более сдержанный, когда солнце скрыто облаками, благодаря чему картины резонируют в соответствии с погодой.
Quelques visiteurs dans la seconde salle des Nymphéas , 1930
© Albert Harlingue / Albert Harlingue / Roger-Viollet
Весь набор представляет собой одно из самых обширных и монументальных произведений живописи, созданных в первой половине 20-го века и обложек площадь поверхности 200 м2 (2153 кв. футов). Размеры и площадь, охватываемые картиной, охватывают зрителя почти на 100 погонных метров (328 погонных футов), где разворачивается пейзаж воды, перемежающийся кувшинками, ветвями ивы, отражениями деревьев и облаков, создавая «иллюзию бесконечного цельной, волны без горизонта и без берега», как выразился Моне. Картины и их расположение перекликаются с ориентацией здания, так как сцены с оттенками восхода солнца расположены на востоке, а сцены с оттенками заката — на западе. Таким образом материализуется представление континуума во времени и пространстве. Не менее впечатляющим образом эллиптическая форма комнат вытягивает математический символ бесконечности.
Водяные лилии картины в Музее Оранжери иногда приходилось бороться с различными событиями и событиями. В частности, во время бомбежек 1944 года пострадала крыша второго помещения и одна из композиций, а остальные панели остались чудом невредимыми. Ремонт 2006 года также стал шансом восстановить комнату Water Lilies до ее первоначального состояния, которое было утрачено во время ремонтных работ, проведенных в 1960-х годах, которые препятствовали естественному освещению, которого хотел Моне.
Потомство водяных лилий
Подарок Клода Моне Франции на следующий день после перемирия 11 ноября 1918 года, картины «Водяные лилии» были выставлены по его проекту в Оранжерее в 1927 году, через несколько месяцев после его смерти. Однако в то время набор картин не встретил общественного энтузиазма. Фактически импрессионизм в 1927 г., казалось, был дискредитирован художественным возрождением, пропагандируемым авангардистскими течениями, вырвавшимися на сцену в начале ХХ века: фовизмом, кубизмом, футуризмом, дадаизмом, сюрреализмом и т.
д. Общественность держалась в стороне от Водяные лилии номера на несколько десятков лет вперед. Сам музей иногда даже возводил вокруг них временные стены, чтобы вешать картины для временных выставок, скрывая, таким образом, работы Моне. Только после Второй мировой войны и особенно с появлением нового зала современного искусства в Нью-Йорке работы покойного Моне были брошены по-новому. В 1950-е годы признаки возрождения интереса участились. В 1952 году Андре Массон опубликовал статью, сравнивающую залы Оранжереи с «Сикстинской капеллой импрессионизма», частные коллекционеры начали приобретать картины 9-го века.Коллекция 0003 Water Lilies , оставшаяся в мастерской художника, и, прежде всего, в MOMA в Нью-Йорке, приобрели и выставили одну из великих картин в 1955 году. Впоследствии обнаружились многочисленные формальные сходства между абстрактным искусством Нью-Йоркской школы, характеризовали художественную продукцию конца 1940-х годов в Соединенных Штатах (Поллок, Ротко, Ньюман, Стилл и др.
), Лирическую абстракцию в Европе и творения старых мастеров. На самом деле появление Моне Water Lilies был похож на рождение децентрализованной живописи на Западе, где ни одна часть картины не доминирует над другой, создавая стиль All-Over . Американский искусствовед Клемент Гринберг раскрыл эту линию происхождения и показал, как работа Моне по завещанию стала катализатором нового стиля живописи.
Очарование Водяных лилий , оставленное публикой и художниками, осталось неизменным для последующих поколений, включая Джоан Митчелл, Риопель и Сэма Фрэнсиса. Но дальше All-Over Стиль Моне также изобрел то, что сегодня кажется обычным, но опережало время в его эпоху: идею среды , которая питала все течения искусства вплоть до настоящего времени, от минимализма до самые современные поколения. Многочисленные художественные достижения, создающие пространство, посвященное художественному созерцанию, также можно рассматривать как наследие водяных лилий Оранжереи.
В частности, часовня Ротко в Хьюстоне, 9 часовня Барнетта Ньюмана.На ум приходят 0003 Stations de la Croix [Станции Креста] в Национальной галерее в Вашингтоне, а также La Bataille de Lépante [Битва при Лепанто] Твомбли в музее Брандхорст в Мюнхене.
- Виртуальный тур
Aussi découvrir
Aussi découvrir
Переписка, связанная с Les Nymphéas [Водяные лилии], в Музее Оранжери
Документация о состоянии Les Nymphéas [Водяные лилии] и реставрации
10 фактов о «Водяных лилиях» Клода Моне, которые вы могли не знать
| Фотография Клода Моне, работающего над водяными лилиями |
1) Водяные лилии — это название не одной картины, а серии работ. За свою жизнь Клод Моне несколько раз возвращался к этой теме и написал более
250 картин с водяными лилиями.
Наряду со «Звездной ночью» Винсента Ван Гога «Водяные лилии» — самые знаковые образы импрессионизма.
2) Первая серия «Водяных лилий», состоящая из двадцати пяти полотен, была выставлена в Галерее Дюран-Рюэля в 1900 году. За ней последовала девять лет спустя вторая серия из сорока восьми полотен.
«Эти пейзажи с водой и отражениями стали навязчивой идеей», — писал Моне 11 августа 19 года.08. «Это не под силу старику, и все же я хочу выразить то, что чувствую. Я разрушил
некоторые полотна. начинаю еще раз. … Я надеюсь, что из всех этих усилий что-то выйдет.»
| Водяные лилии, 1916 автора Клод Моне |
3) На всех картинах «Водяные лилии» Моне фокусируется на поверхности воды. Он обходится без какого-либо изображения земли или неба, показывая только их отражение в воде. Эти картины
типичны с ивами, присутствующими только как отражение.
Небо с его белыми облаками отражается в воде, поэтому голубизна неба и голубизна воды едины. Только наличие водяных лилий
помогает наблюдателю понять, что это отражение.
4) Моне посадил кувшинки перед тем, как их нарисовать. Моне организовал свое имущество в Живерни так, как если бы это была огромная картина. Благодаря небольшой армии садовников он отвел реку, посадил
водяные лилии, экзотические цветы, плакучие ивы, бамбуковые деревья и ивы. Он засеял пруд и добавил вольеры с белыми курами, утками и фазанами. Природа, перекомпонованная художником, начала
напоминают его искусство. «Мой лучший шедевр, — сказал он позже, — это мой сад».
| Водяные лилии Agapanthus, 1914-1917 автора Клод Моне |
5) Когда Моне вернулся к своим картинам с водяными лилиями в 1914 году после смерти своей любимой жены Алисы в 1911 году, он сделал несколько радикальных изменений в своем подходе, а именно в масштабе полотен.
Они были монументальными по размеру, большинство из них имели площадь около двух квадратных метров (шести футов). Он также изменил свою палитру и использовал блестящие цветовые пятна, чтобы передать цветы. Его авангардистский подход и
его экстраординарное использование точки и цвета положило начало последующим движениям в искусстве: его современник Поль Сезанн присоединился к постимпрессионизму;
Анри Матисс, изучавший Моне, стал одним из первых художников-экспрессионистов.
6) К тому времени, когда Моне приступил к своей последней монументальной серии картин с водяными лилиями, он добился успеха у критиков и коммерческого успеха. Это дало художнику дополнительную свободу для исследования мотивов по своему выбору.
и рисовать по своему расписанию. Хотя он снова и снова возвращался к водяным лилиям, это была тема, которая вызывала у него трудности, и он беспокоился о картинах, часто переделывая их. Моне
сосредоточился на цвете: столкновение зеленых деревьев, когда их отражение ползет в фиолетово-голубых глубинах воды пруда.
Он использовал небольшие акценты дополнительных красных, розовых и желтых цветов в шишках.
лилий, которые сидят на удивительно бесцветных кувшинках, используя выразительную, но гладкую кисть.
| Водяные лилии, зеленая гармония, 1914-1917 автора Клод Моне |
7) Премьер-министр Клемансо всегда был верным сторонником творчества Моне. В 1914 году он призвал художника работать над более крупным проектом, который в 1916 году стал официальной государственной комиссией.
полотна с изображением кувшинок, которые будут выставлены вместе постоянно. С этого момента и до его смерти это должно было стать главной задачей творчества Моне.
8) В возрасте восьмидесяти двух лет Моне обнаружил, что у него катаракта. Ухудшение зрения ужаснуло художника, который писал: «Я с ужасом понял, что правым глазом ничего не вижу…
специалист… сказал мне, что у меня катаракта и что другой глаз тоже немного поражен.
Напрасно мне говорят, что это несерьезно, что после операции я увижусь с ним раньше, я очень беспокоюсь и беспокоюсь»,
В 1923 году ему трижды делали операцию, чтобы исправить правый глаз. Блестящие огненно-красные и желтые цвета Водяные лилии — Японский мост , 1923 год свидетельствуют о слабом зрении художника, видящего свой мост.
в уменьшенной палитре. Тем не менее, это самая вызывающая воспоминания сумма цвета, света и композиции, создающая в целом поразительно эмоциональный эффект.
| Водяные лилии — Японский мост, 1923, Клод Моне |
9) Водяные лилии открыли путь к абстрактной живописи. К моменту смерти Моне в 1926 году мир искусства, как в Париже, так и в Америке, сильно отличался от того, против которого он в значительной степени боролся.
на протяжении большей части своей жизни Моне и его окружение были первыми, кто действительно бросил вызов условностям парижского искусства в современную эпоху, и, делая это и продвигая свои работы к более глубокому пониманию цвета и
свет, они открыли дверь для последующих поколений художников.
Моне и его современники разрушили барьеры и упорно продолжали свои художественные поиски, несмотря на большие трудности, чтобы достичь свободы выражения.
что теперь считается само собой разумеющимся. К концу своей жизни работы Моне все больше отражали форму абстракции за счет упрощения композиции и сокращения всех несущественных элементов. Делая это через
его наклонно структурированные композиции, сосредоточенные на чистом ярком цвете, создали прецедент для более поздних художников, особенно для постимпрессионистов, экспрессионистов и абстрактно-экспрессионистов.
| Пруд с водяными лилиями, вечернее панно, 1926, Клод Моне |
10) Серия «Водяные лилии» в Оранжерее, Париж — последняя серия, над которой Моне работал перед смертью. В 1917 году друг Моне, политик Клемансо, был избран премьер-министром Франции (во второй раз).
Leave a Reply