Картинки осень сюрреализм: Васильев Константин Алексеевич — биография художника, личная жизнь, картины

Васильев Константин Алексеевич — биография художника, личная жизнь, картины

Признание и слава пришли к Константину Васильеву уже после смерти: в 1980-х о нем стали писать, как о художнике, который раскрыл «глубину и силу чувств своего народа». С детства он интересовался русскими и скандинавскими сказками и былинами, любил классическую музыку и историю родной страны. Все его увлечения отразились в картинах — батальной живописи, портретах, пейзажах и многочисленных иллюстрациях.

«Всем прочим делам и увлечениям предпочитал посещение Третьяковки»

Константин Васильев. Фотография: 24smi.org

Константин Васильев в молодости. Фотография: 24smi.org

Константин Васильев. Фотография: 24smi.org

Константин Васильев родился 3 сентября 1942 года в Майкопе. В то время город был оккупирован немецкой армией. Отец мальчика, Алексей Васильев, ушел в партизанский отряд, а мать — Клавдия Шишкина — не успела эвакуироваться. Несколько месяцев она оставалась с ребенком одна. До войны родители Константина Васильева работали на одном из крупных заводов города, а в 1943 году, после осовбождения Майкопа, Алексею Васильеву доверили его восстановление.

После окончания войны семья переехала в Краснодар. Там Константин Васильев пошел в детский сад при станкостроительном заводе, где его отец работал начальником производства. Жить Васильевым пришлось прямо в цехе — город был разрушен, квартир для работников не хватало. В 1946 году в семье появился второй ребенок — дочь Валентина. Отец решил, что детям вредно расти на заводе. Он написал прошение в министерство промышленности с просьбой перевести его в другой город, и вскоре семья переехала в поселок Васильево под Казанью. Мальчик много болел — родители часто возили его в санатории и оставляли у дедушки, Пармена Шишкину, чтобы он проводил больше времени на природе.

С детства Константин Васильев много читал. Он обожал сказки и былины, а более всего любил «Сказание о трех богатырях». Много времени Васильев уделял рисованию. Работы мальчика выделяли заметили еще в детском саду, а в школе он уже умел точно копировать картины известных художников. Родители решили, что такие способности надо развивать, однако в поселке Васильево не было художественной школы. Тогда они собрали лучшие рисунки сына и отправили их в Москву, в интернат при Московском художественном институте имени Василия Сурикова. И вскоре Константина Васильева зачислили в школу. В интернате он учился блестяще. Часто ходил в Третьяковскую галерею и Пушкинский музей, коллекционировал репродукции, интересовался творчеством старых мастеров.

Всем прочим делам и увлечениям Костя Васильев предпочитал посещение Третьяковки. Пожалуй, не было в музее картины, которую бы он не обследовал. Его интересовало буквально все — и холст, и подрамник. Но самым важным было распознать, как писал художник картину и что при этом чувствовал.

Вскоре начинающего художника начала тяготить учеба. От воспитанников в ней требовали строгого соответствия академическому стилю, а Васильев увлекся сюрреализмом и абстракционизмом. В 1957 году он перевелся в Казанское художественное училище. Здесь Константин Васильев много экспериментировал, искал свою манеру творчества. Он часто получал премии на художественных конкурсах, которые проводились в училище. Иногда Васильев подрабатывал — рисовал шаржи для казанского сатирического журнала «Чаян».

Первые художественные опыты: сюрреализм

Константин Васильев. Осень. Изображение: artcontext.info

Константин Васильев. Струна. Изображение: artcontext.info

Константин Васильев. Лесная готика. Изображение: artcontext.info

В 1961 году Константин Васильев с отличием закончил училище. Его дипломной работой стали эскизы декораций к опере Николая Римского-Корсакова «Снегурочка» по одноименной пьесе Александра Островского. По распределению Константина Васильева отправили работать декоратором народного театра в небольшой город Мензелинск в Татарстане. Там художник задержался ненадолго: в театре сообщили, что декоратор у них уже есть. Васильев уехал в Казань. Какое-то время он работал в местном художественном фонде, принял участие в выставке «Художники-сатирики Казани», а затем вернулся в поселок Васильево и устроился преподавателем рисования в школу.

В ранних картинах Васильева, среди которых «Струна», «Абстрактные композиции» и «Вознесение», чувствовалось влияние сюрреалистов Сальвадора Дали и Ива Танги, абстракционистов Василия Кандинского и Джексона Поллока. Большим увлечением Константина Васильева была классическая музыка — он любил Дмитрия Шостаковича, Александра Скрябина, Петра Чайковского. Особенно нравился Васильеву цикл опер немецкого композитора Рихарда Вагнера «Кольцо нибелунгов». В 1961–1963 годах в футуристической манере художник изобразил портреты своих любимых музыкантов. Создавал Васильев и пейзажи. На картины «Осень» и «Лесная готика» его вдохновляла живописная природа Татарстана. В середине 1960-х годов Константина Васильева перестал интересовать сюрреализм, и он перешел к реалистической манере творчества.

Единственное, чем интересен сюрреализм, это своей чисто внешней эффектностью, возможностью открыто выражать в легкой форме сиюминутные стремления и мысли, но отнюдь не глубинные чувства.

Картины «Константина Великоросса»

Васильев долго не мог найти свой особый стиль. Он писал: «Все, что я рисовал, было совершеннейшей чушью, последнюю картину я уничтожил и беру абсолютно другой курс». В 1960-х годах художник много экспериментировал — обращался к разным направлениям и жанрам. В 1969 году Константин Васильев написал картину «Северный орел». У произведения интересная история. Однажды друг художника Олег Шорников рассказал ему, что видел в лесу большого орла, который сидел на поваленном дереве и чистил перья. Шорников описал особый пронзительный взгляд орла, когда она заметила человека.

Константин Васильев. Северный орел. Музей Константина Васильева, Казань

Когда в условленное время Васильев снял с полотна покрывало, в комнате воцарилась необычная тишина. Друзья предполагали увидеть какую угодно птицу, но… мужика с топором никак не ожидали. Зрителя буквально сверлил орлиный взгляд мужественного человека, властелина тайги, одухотворяемого природой и одухотворяющего первобытную стихию леса своим трудом, мужеством и волей. Картина радовала сияющим тоном, поражала сложностью тончайшей игры света в бесконечном узоре инея, заснеженной хвои, веток, стволов.

Картину отнесли к новому для творчества художника направлению живописи — символическому реализму. В том же 1969 году Васильев начал подписывать свои работы как «Константин Великоросс».

Вдохновение для новых картин Васильев нашел в литературе. Художник с детства сохранил любовь к сказкам и народному эпосу. Его интересовали русские былины и предания, скандинавские, древнеисландские и древнегерманские мифы и саги. В начале 1970-х годов он создал цикл «Русь былинная», в который вошли картины «Илья Муромец и голь кабацкая», «Бой со змеем», «Русский витязь» и другие. Проиллюстрировал Васильев и памятник древнерусской литературы «Слово о полку Игореве». Он изобразил главных героев эпоса, в том числе самого князя Игоря. Также художник нарисовал иллюстрации к операм Вагнера, которые часто слушал. Так появились картины «Валькирия над сражённым Зигфридом», «Заклинание огня», «Карлик Нибелунг Альберлих» и многочисленные графические эскизы к музыкальному циклу. Героями картин Васильева часто становились богатыри и воины, в произведениях он изображал сражения или битвы.

Константин Васильев. Заклинание огня. Изображение: tirlich.ucoz.ru

Константин Васильев. Валькирия над сраженным Зигфридом. Музей Константина Васильева, Казань

Константин Васильев. Карлик Нибелунг Альберлих (фрагмент). 1969. Изображение: rexstar.ru

Батальную тему Константин Васильев продолжил в серии полотен, посвященных Второй мировой войне. Работа «Парад 41-го» поразила искусствоведов необычным ракурсом. Васильев решил изобразить вид на парад 7 ноября 1941 года на Красной площади с храма Василия Блаженного. Так художник сделал акцент на памятнике Кузьме Минину и Дмитрию Пожарскому.

Мы видим ритмические серо-стальные колонны солдат и невольно чувствуем драматичную атмосферу происходящего. В то же время фигуры русских граждан Минина и Пожарского, изображенные в античных тогах, сразу дают нам другой мощный духовный план — бесконечности, неистребимости народа, вызывая исторические ассоциации с нашими пращурами. Удивительно, что мы, зная победоносный конец войны, переживаем в этой картине напряженность ее начала.

В цикл работ помимо полотна «Парад 41-го» вошел парадный портрет маршала Георгия Жукова, картины «Нашествие», «Тоска по Родине» и «Прощание славянки». На создание последних двух произведений его вдохновили старые русские марши.

Константин Васильев. Парад 41-го. Изображение: artcontext.info

Константин Васильев. Прощание славянки. Изображение: artcontext.info

Константин Васильев. Нашествие. Изображение: artcontext.info

Символизм Константина Васильева особенно проявляется в его последних работах. Одним из любимых образов художника с юных лет была свеча. Он появился на картинах — «Ожидание» и «Человек с филином», которые Васильев написал в 1976 году. Герои полотен держат в руках горящие свечи, а у ног старца на картине «Человек с филином» находится свиток, на котором написано «Константин Великоросс».

Творческий путь художника прервался трагически и неожиданно: 29 октября 1976 года на железнодорожном переезде Васильева и его друга сбил поезд. Похоронили художника в поселке Васильево в березовом лесу, где он любил гулять при жизни.

Всесоюзные слава и признание пришли к Константину Васильеву уже после смерти. В 1980-х и 1990-х годах состоялись выставки в СССР и зарубежных странах, в 1996 году был открыт музей художника в поселке Васильево, а в 1998 году — Музей славянской культуры Константина Васильева в Москве.

Интересные факты:

1) В детстве любимым художником Константина Васильева был Виктор Васнецов. Васильев увидел картину «Три богатыря» в сборнике детских сказок, впечатлился, решил скопировать ее и подарить свой рисунок отцу на день рождения. Работа понравилась родственникам начинающего художника — они отметили необыкновенное сходство персонажей в репродукции и зарисовке Васильева.

2) Многие ученические работы Константина Васильева, которые он создавал во время учебы в школе-интернате при Московском художественном институте имени Василия Сурикова, не сохранились. Одна картина осталась у его сокурсника Николая Чаругина. Васильев создал натюрморт с гипсовой головой, а затем случайно пролил на него клей и выбросил работу. Чаругин картину подобрал и сохранил.

3) Константин Васильев очень любил книги Федора Достоевского. Еще в интернате у него появилась идея нарисовать иллюстрации к его произведениям. К творчеству писателя он обращался на протяжении всей жизни, а в 1973 году даже написал портрет Достоевского.

4) Константин Васильев очень внимательно относился ко всем своим картинам — часто переделывал фоны, добавлял детали, рисовал много эскизов. В живописи его привлекала почти математическая точность.

Художник испытывает наслаждение от соразмерности частей, наслаждение при правильных пропорциях, неудовлетворение при диспропорциях. Эти понятия построены по закону чисел. Воззрения, представляющие собой красивые числовые соотношения, — прекрасны. Человек науки выражает в числах законы природы, художник созерцает их, делая предметом своего творчества. Там — закономерность. Здесь — красота.

Незадолго до смерти он хотел внести изменения в картину «Прощание славянки» и положил картину на отмывку. Полотно извлекли из воды только после смерти Васильева, и оно оказалось сильно повреждено.

Константин Васильев. У чужого окна. Музей Константина Васильева, Казань

5) Константин Васильев никогда не был женат и даже говорил, что его единственная спутница на всю жизнь — живопись. Напоминанием о юношеской влюбленности в Людмилу Чугунову остались ранние работы художника. Портрет его второй подруги Елены Асеевой часто экспонируют на выставках Васильева.

6) В поселке Васильево Константин Васильев работал не только учителем в школе, но и художником-оформителем на местных предприятиях, в том числе на Васильевском стекольном заводе. Он рисовал агитки, плакаты, оформлял лозунги. Должности художника на заводе не было, поэтому его записали слесарем второго разряда.

7) На Васильева сильно повлияла смерть его младшей сестры Людмилы в 1967 году. Девушка училась в 10 классе, когда внезапно тяжело заболела. Она попросила брата нарисовать для нее иллюстрации к былине о Дунае Ивановиче. Для сестры художник создал два больших полотна и несколько эскизов.

8) Константин Васильев задумывал, но не успел воплотить серию «Великие женщины России». В цикл должны были войти портреты выдающихся героинь русской истории — от княгини Ольги до космонавта Валентины Терешковой.

Бен Гуссенс. Сюрреализм в фотографии

Бельгиец Бен Гуссенс (Ben Goossens) создаёт фото — монтаж с отличительным cюрреальным стилем. Изображения Гуссенса завоевали награды в ряде престижных международных конкурсов фотографии, включая золотые и серебряные медали на Trierenberg Super Circuit, крупнейшем в мире ежегодном конкурсе фотографии.
Бен Гуссенс (Ben Goossens) подвергает снимки серьезной обработке на компьютере. И теперь уже сложно понять, где проходит граница между реальностью и вымыслом. На любителя. Мне работы понравились 😉

1. VIP

2. A home — Дом

3. A souvenir from the coast — Подарок побережья

4. Above all troubles — Выше всех проблем

5. Aquarius — Водолей

6. Art square — Художественный квадрат

7. Autumn-walk — Осенняя прогулка

8. Bad times- good times — Плохие времена- хорошие времена

9. Black art museum — Музей черной магии

10. Bol- d’air — Глоток воздуха

11. Brainwashed — Промытые мозги

12. Bridge over troubled water — Мост над волнами

13. Broken heart — Разбитое сердце

14. Bubble maker — Производитель пузырей

15. Caged!!! — Загнанный в клетку!!!

16. Catch the power of communication — Поймать власть коммуникации

17. Coast guards — Береговая охрана

18. Deep breath — Глубокий вздох

19. Eagle’s nest — Гнездо орла

20. End of story — Конец истории

21. Endless time — Бесконечное время

22. Energy, we need! — Энергия, мы нуждаемся в ней!

23. Exodus — Исход

24. Eye-catcher — Глазной ловец

25. Fallen sky — Упавшее небо

26. Fatal attraction — Фатальная привлекательность

27. Feeling blue — Ощущая голубизну

28. Feeling of emptiness — Чувство пустоты

29. Forbidden fruit — Запретный плод

30. Frustrated — Разбитый

31. Gate of eden — Ворота рая

32. Global heating!!! — Глобальное потепление!!!

33. Heartbreak hotel — Горе-отель

34. Heaven’s gate — Ворота небес

35. Hope — Надежда

36. Individuals — Индивиды

37. IQ levels — Уровни IQ

38. It’s a real nowhere man — Человек из ниоткуда

39. Lago de las nimphas — Озеро нимф

40. Light in the darkness — Свет в темноте

41. Like a virgin — Как девственница

42. Love and sorrow — Любовь и горе

43. May they survive! — Они могут выжить!

44. Metamorphosis — Метаморфоза

45. Muse museum — Музей музы

46. Music makes free, if you realy want — Музыка сделает вас свободным, если вы действительно хотите

47. Out of love — Из любви

48. The chosen one — Избранный

49. Oxygen I — Кислород I

50. Oxygen II — Кислород II

51. Phantom ship — Призрачное судно

52. Piquant — Пикантный

53. Prisoners of fashion — Узники моды

54. Rain and snow, vitamines are good for you!!!! — И в дождь, и в снег, витамины хороши для вас!!!!

55. Reborn — Рожденный заново

56. Remember august — Вспоминая август

57. Sensitivity — Чувствительность

58. Sexual hang-over — Сексуальное похмелье

59. Silent heights — Тихие высоты

60. Singing in the rain — Поющий под дождем

61. Spring will be there soon — Скоро прийдёт весна

62. Story of the very beginning — История с самого начала

63. Strange influence — Странное влияние

64. Strange world — Странный мир

65. Superman — Супермэн

66. Sur Mesure — На заказ

67. Sweet home — Милый дом

68. Sweet songs of the sea — Сладкие песни моря

69. Take a seat — Присаживайтесь

70. Textured emotions — Текстурированные эмоции

71. The forest falls asleep — Лес заснул

72. The guardian — Опекун

73. The impossible dream — Несбыточная мечта

74. The unfinished symphony — Незаконченная симфония

75. This night had thousand eyes — У этой ночи были тысячи глаз

76. Time to go — Время идти

77. Tinned freedom — Консервированная свобода

78. Transparency — Прозрачность

Сюрреализм. Протокольное свидетельство о психической жизни на больших глубинах | Публикации

Сюрреализм уже давно любим нашим народом. Практически как Пушкин. Если в одной ситуации мы говорим: «А работать кто будет? Пушкин?», то в другой: «Это полный сюр!»

Про сюрреализм, в отличие, скажем, от
фовизма,
действительно, знают все. Считается, что это какая-нибудь бредятина,
изображенная с предельной достоверностью. Картина Сальвадора Дали, короче.

Сальвадор Дали. Искушение св. Антония

Можно сказать, что Дали для очень многих олицетворяет это
течение и просто равен ему. Он, кстати, так и говорил, не скромничая:
«Сюрреализм – это я». Нет, конечно, что и говорить, Дали – это голова и самый
известный в мире сюрреалист, но синонимом сюрреализма он был не всегда.

Когда-то сюрреализм был Андре Бретоном. Во время Первой
мировой войны Бретон – французский поэт и теоретик современного тогда искусства
– работал психоаналитиком в военных госпиталях, где помогал раненым справиться
с посттравматическим синдромом. То есть он знал психоанализ и вообще фрейдизм.
Тогда ему и пришла в голову плодотворная идея – совместить работу с хобби. В
смысле – делать новое искусство на основе фрейдизма. Ну, тут еще, конечно,
малость повлиял на его затею Бергсон со своим интуитивизмом, но мы в эти
философские чащи не пойдем, ограничимся их названием. И так понятно – раз
интуитивизм, стало быть, инструмент познания мира – интуиция, а не разум. Этого
нам хватит.

Ну, вот. Когда война закончилась, в Париж стали прибывать
дадаисты.
И сразу развели там бурную деятельность. Бретон, увидев в дадаистах родных до
боли людей, поучаствовал в этой их деятельности, понабрался от них всякого
нового и полезного и в 1924 году выстрелил своим «Манифестом сюрреализма».

Главная мысль Бретона выглядит так: «Сюрреализм представляет
собой чистый психологический автоматизм, с помощью которого – словами, рисунком
или любым другим способом – делается попытка выразить действительное движение
мысли. Это запись мышления, которое совершается вне всякого контроля со стороны
разума и по ту сторону каких-либо эстетических или моральных соображений.
Сюрреализм основан на вере в высшую реальность определенных, до этого
игнорировавшихся форм ассоциаций, во всемогущество сна, в нецеленаправленную
игру мышления. Его цель – окончательное уничтожение всех других психологических
механизмов, чтобы на их место поставить решение важнейших проблем жизни».
Уф…

Короче, сильно против разума был мужчина. Разум его достал
своим плоским практицизмом, подавляющим воображение и истинные движения души,
которая для Бретона была фрейдовским бессознательным. Да все мы и сами про это
чудовищное подавление знаем. Допустим, душа (бессознательное) нам говорит –
возьми и напейся в дым, набей морду шефу и подари цветки женщине. А унылый
разум возражает: не пей — завтра на работу; шефа по морде не бей — сложности по
карьере возникнут; роз этой бабе вульгарной не носи – она чужая, у тебя своя
есть. Шутка.

Теперь опять всерьез. В общем, опираясь на фрейдовские
соображения о том, что мир человека нагибает, а потом бессознательное
прогнувшегося горемыки этот прогиб компенсирует в снах, дневных фантазиях,
бреде, галлюцинациях и неврозах, Бретон увидел в этих бессознательных актах
проявления истинной свободы. Типа, когда мечтаешь сделать, как герой Майкла
Дугласа в фильме «С меня хватит» — когда абсолютный яппи берет в руки автомат.
Собственно, самый сюрреалистический жест для Бретона — «выйти на улицу и
стрелять в толпу, пока не кончатся патроны». Жесть, конечно, но что делать?

В общем, задачу искусства Бретон видел в том, чтобы
фиксировать события, которые происходят у нас в бессознательном как
пространстве свободы. Именно поэтому – сюрреализм, как нечто, находящееся над
банальным, детерминированным и тоскливым реализмом, только и способным отразить
то, что происходит на самом деле, но не способным выразить истинную реальность
– реальность желаний, страхов, наваждений и всего прочего, что живет у нас ниже
сознания, там, в глубине. Тут интересна эта амбивалентность – с одной стороны,
«сюр», то есть «над», с другой – этот сюр помещается в пространство,
находящееся во фрейдистской схеме внизу, под сознанием, в
«подсознательном».

Я бы мог и еще поговорить о теории, но чувствую, что
уже нужны картинки. А для их появления нужен повод. Поэтому разговор резко
переводится на сюрреалистические способы фиксации бессознательного.

Андре Массон. Композиция

Эти почеркушки, вроде тех, что мы делаем, когда
разговариваем по телефону – тоже сюрреализм. Гуманист Бретон говорил, что все
люди – сюрреалисты. А почеркушки эти телефонные – абсолютно бессознательны,
мозги-то разговором заняты. Поэт-дадаист Тристан Тцара говорил, что мысль
рождается на кончике языка, тут – на кончике карандаша. Или чем вы там
калякаете.

Вообще, чтобы продолжать восстанавливать историческую
справедливость в смысле того, что сюрреализм – это не только Дали, я скажу, что
первыми могучими художниками тут были четверо – уже помянутый Массон, который
прославился не только почеркушками, Макс Эрнст, Хуан Миро и Ив Танги.

Макс Эрнст. Ангел

Это именно Эрнст придумал изображать то, чего никогда не
бывает, с предельной, академически исполненной, достоверностью. А не Дали.

Макс Эрнст. Женщина, старик и цветок

Эта работа была сделана в 1924 году, когда 20-летний Дали
еще занимался провинциальным радикализмом в родной Каталонии*.

Хуан Миро. Женщина и птица в лунном свете

С точки зрения программы Бретона – а она в сюрреализме
никогда не отменялась — метод Миро столь же точно описывает бессознательное,
как и метод Эрнста (Дали), но более изощренно. Ну, это мое мнение, навязывать
не буду, хотя мог бы. Слов-то я много знаю.

Ив Танги. Бесконечная делимость

Помимо всего прочего, Танги интересен тем, что он – бывший
моряк и живописи нигде не учился.

Но пора перейти к Дали. Когда-нибудь я напишу про него
отдельный текст, а пока – вот что. В Париже Дали появился на постоянной основе,
то есть был представлен папе Бретону и начал регулярно выставляться с его
группой, в начале 30-х. Экспроиировав достижения только что представленных вам
его предшественников и, прежде всего — Эрнста, имея за плечами прекрасную
академическую школу, Дали быстро предложил свой вариант визуального сюрреализма
– параноидально-критический метод. Ну, это достаточно просто: «стихийный метод
сознательной иррациональности, которая базируется на систематизированной и
критической объективизации проявлений безумия».

Сальвадор Дали. Геополитическое дитя наблюдает за рождением нового
человека

Чтобы опять же восстановить историческую справедливость, я
скажу о личном вкладе Дали в дело сюрреализма. Это он придумал делать твердое —
мягким, дальнее – близким, мелкое – крупным и т.д., то есть переворачивать
устойчивые дуальные пары, как это происходит во сне. Это именно он изобразил
существующие в подсознании эротические фантазии и кошмары.

Атомная Леда

А это – кошмары.

Осенний каннибализм

Это он, Дали, придумал принцип «удвоения изображения»,
когда, как в детской головоломке, элементы одного чего-то одного оказываются
частями совсем другого.

Три сфинкса Бикини

Ну, хватит о нем. Опять же, будет отдельный текст, чего ж я
стану отрывать от себя темы. Были ж и еще сюрреалисты.

Надо сказать, что — да. Метод оказался сильно плодотворным,
и за время своего существования даже в классический период, то есть где-то до
50-х годов, он распространился буквально по всей планете. Но я по ней по всей
не пойду, обширно очень.

Мерет Оппенгейм. Меховой чайный прибор

Один из самых внушающих объектов сюрреализма. Возможно,
самый. Оказался, как и вообще весь сюрреализм, сильно востребованным в рекламе.
Во всяком случае, я помню постер, вывешенный где-то на Садовом кольце несколько
лет назад, на котором была меховая лампочка. Чья кампания, не помню.

Тут, кстати, нужно пару слов сказать об абсурде как методе в
сюрреализме. В сравнении с дадаизмом. Во втором случае абсурд был манифестацией
отсутствия смысла, в первом – наличия скрытого, практически, эзотерического
смысла. Сюрреалисты очень ценили классическое высказывание позднего романтика
графа Лотреамона о том, что поэзия – это встреча зонтика и пишущей машинки на
операционном столе. Дадаисты – тоже, но — по-другому.

Стоит сказать и об английском сюрреализме, тем более, что
там, стараниями монументального Генри Мура, был создан самый впечатляющий
пример этого направления в скульптуре.

Генри Мур. Полулежащая женщина

Был еще совершенно офигенный сюрреалист из Чили, Роберто
Себастьян Эчаурен Матта (Roberto Sebastian Antonio Matta Echaurren), но мне уже
надоело качать картинки, сами посмотрите.

Ну, и под конец, пара фраз об отечественном, посконном, так
сказать, сюрреализме.

Надо заметить, что сюрреализм нашу Родину практически
обошел. Что, вообще, странно. Все-таки во второй половине 20-х годов железного
занавеса еще не было, контакты с зарубежом  были довольно активные, в
Париж народ ездил, а – не случилось. Вроде, и авангардистские группы в то время
у нас были достаточно продвинутые. Был лишь один русский сюрреалист, Павел
Челищев, на которого обращали внимание и Пикассо, и Дали, да и тот
белоэмигрант.

Павел Челищев. Феноменон

Почему так получилось, не берусь сказать. Банальное
объяснение, что сюр тогда был привычным качеством повседневной жизни – не
катит. Слишком просто. У меня нет объяснений, хотя мне кажется, что сюрреализм
как способ проживания свойственен нашей душе. В конце концов,
экспрессионизм
с его трагическим ощущением бытия тоже хорошо был разлит в бытовухе а, однако
ж, и в советском искусстве отражение поимел. Надо об этом тоже текст написать.
Может, вы что подскажете.

Был еще другой, уже нонконформистский, 60-х годов,
сюрреализм. Не очень явный.

Юло Соостер. Красное яйцо

Ну, нельзя обойти и еще один отечественный сюрреализм. Для
меня он манифестируется понятием «Малая Грузинка» — помните, был такой в совке
заповедник современного искусства рядом с зоопарком? Помимо вполне себе
пристойных нонконформистов типа Бича, Бордачева и Кабакова там процветал
какой-то страшный, местами кровавый мистический сюрреализм с религиозным
оттенком.

Владислав Провоторов. Космогония №666

Этот сюрреализм – вечно живой. В сюрреализме изначально
заложена богатая возможность для эпигонов, плагиаторов и просто фуфлыжников. В
том самом великом постулате Графа Лотреамона. У символизма была та же беда, его
легко можно было переводить в китч. Ну, да и Бог с ними. Вот еще несколько
картинок, которые не вместились в текст.

Рене Магритт. Декалькомания

Декалькомания – это, на самом деле, была такая изобретенная
сюрреалистами техника, когда с какого-то изображения снимались слои. Отдаленным
аналогом могут служить переводилки, если кто еще помнит.

Макс Эрнст. Слон Целебес

Джорджо де Кирико. Тревожащие музы

А это был предшественник сюрреализма, метафизик.

*Цитата из культовой в СССР книжки черного цвета
«Модернизм. Анализ и критика основных направлений»: « На некоторый период
времени этого самоуверенного красивого юношу, который эпатировал своими
эксцентричными выходками население тихого Фигераса, связывала дружба с молодым
Гарсиа Лоркой. Но дружба с Лоркой не могла долго продолжаться, близость с таким
огромным и светлым талантом была невыносима для Дали». Прочитав это, я
плакал.

Автор: Вадим Кругликов

подборка лучших работ отечественных фотографов

Вы видите на фотографии или картине удивительные вещи, которые разбивают все ваши представления о реальности. Вы восхищаетесь фантазии автора. Что это? Этот стиль называется сюрреализм. 

Что такое сюрреализм?

Термин переводится с французского языка, как «сверхреализм». То, что выходит за рамки реализма – изображения мира таким, какой он есть на самом деле. Сюрреализм не признает никаких рамок вообще. Все, что придумал художник – смело переносится на полотно.
 
Стиль возник в начале ХХ столетия во Франции. Художники задумались над вопросом – что такое правда и где ее искать? И решили: то, что мы видим вокруг – ненастоящее. А правда спрятана внутри человека, в его подсознании. Логикой невозможно понять мир, а значит, нужно обращаться к интуиции. И так появился сюрреализм.
 
Интересно, что зарождаться сюрреализм начал еще в эпоху Средневековья – в творчестве Иеронима Босха. Слыша слово «Средневековье», мы обычно представляем что-то темное и скучное, но гляньте на картину Босха – здесь яркие цвета и удивительные персонажи, в «действиях» которых не найти логики.

 
Самый знаменитый сюрреалист – Сальвадор Дали. Он был сюрреалистом во всем – и в искусстве, и в повседневной жизни. Его образ отлично дополнял творчество. Кстати, именно Дали придумал дизайн логотипа конфеты «Чупа-Чупс».
 

«Культовая» картина Дали – «Постоянство памяти»:

Также достойны восхищения работы Рене Магритта. Слово, которым можно описать его творчество – загадочность. Посмотрите на эту картину. Она называется «Империя света». На первый взгляд – обычный пейзаж, но если присмотреться… Дом и деревья погружены в ночь, но небо над ними – дневное, ясное. Озеро, которое должно отражать дневное небо – отражает небо ночное и свет фонаря. Магритт соединил в картине две реальности.

Сюрреализм в фотографии 

Фотография уже давно стала не только способом запечатлеть важный момент, но и настоящим искусством. Поэтому, в фотографии развиваются все возможные стили. Сюрреализм – не исключение.
 
Первым фотографом-сюрреалистом был Филипп Халсман. Он сделал серию фото под названием «Прыжок». Всего в серии – 200 фотографий, на которых знаменитые люди как будто парят в воздухе. Халсман пояснил идею так: когда человек прыгает – он полностью отдается прыжку, а значит, не думает о себе и том, как он выглядит. Значит, в такой момент человек – настоящий.
 

Сказка Олега Опришко

Можно ли назвать сюрреализм – фантастикой? Конечно! Ведь в сюрреализме возможно все. Фотограф Олег Опришко создает сказочные фотосюжеты.
 
Фотограф сам рисует эскизы к своим фотографиям. Потом заглядывает на блошиные рынки в поисках старинных предметов, которые подойдут для фото.
 
Например, здесь девушка шьет на машинке сизое поле мягкой травы. Поле уходит в даль, у «ткани» нет ни начала, ни конца.

 
А вот часы и механизмы, от которых веет стариной. Здесь мы видим тот же вопрос, который поднимал Сальвадор Дали – время и память.

 
Иллюзии – это то, что очень ценят сюрреалисты. Игра с размерами – частый прием. Девушка держит факел. И только внимательно присмотревшись, мы замечаем, что это спички.

 
А здесь змеи на первый взгляд кажутся обычными украшениями.

 
Красочный дождь. Или дождь из красок. Героиня фото только что заметила необычные цвета дождя и опустила зонт, чтобы лучше почувствовать… Не понять – ведь сюрреализм обращается именно к чувствам.
 

Здесь девушка – как листок, который спустился с дерева, чтобы поговорить. Она парит в воздухе. Такая легкая, кажется, еще мгновение – и ее унесет ветром…

Мир Михаила Батрака

Михаил Батрак говорит, что его фотографии сочетают традицию западного, европейского ума и восточной чувствительности. Ум здесь – это умение построить композицию фото. Найти предметы, которые были бы абсолютно разными, но в то же время красиво сочетались на одной фотографии.
 
Михаил увлекается буддизмом и медитацией, поэтому его фото – настолько спокойные. Синяя цветовая гамма дарит умиротворение. Стихии, с которыми работает фотограф – воздух и вода. Воздух означает легкость и непредсказуемость сюрреализма, а вода – это текучесть, изменчивость. На сюрреалистических фото все как будто течет, все в движении, даже когда предметы спокойно стоят на столе. Кажется, что еще миг – и они взлетят в воздух, поменяются местами или просто исчезнут… Смысл стекла – в его прозрачности. Мы можем смотреть через стекло так же, как через фото сюрреалиста – и видеть мир по-своему, по-новому.

 
Цель сюрреализма – преодолеть контроль разума. Когда разум спит – тогда в каждом из нас просыпается творец, ведь творчество – это то, что выходит за рамки привычного. Именно поэтому любимая тема сюрреалистов – сон. Сны – это тоже творчество и полет фантазии. Человек спит – а вокруг него рождается вселенная. Небо и земля здесь едины – облака плавно переходят в снег.

 
На этой фотографии соединяются три мира: мир ребенка, взрослого и наш мир – реальность зрителя. Ребенок держит огонек в банке, что это – может, центр всех миров, тепло, вдохновение, которое хочет освободиться? Все возможно, ведь искусство сюрреализма можно понимать по-разному, при этом каждое понимание будет правильным.

 
Невесомость. Слоны то ли парят в облаках, которые и сверху, и снизу, то ли плывут в тумане… Решать вам.

 
Скрипка за чашечкой чая. Кто сказал, что музыкальный инструмент не может вести себя, как человек? Непредсказуемость сочетаний – еще одна важная черта сюрреализма.

 
Два моря – спокойное и буйное. Рамка как будто приглашает почувствовать буйство стихии. Это дверь в другой мир, которая приглашает нас в путешествие. И кто-то за кадром цепляет палочками облака…

 
Мистика – это то, что всегда привлекало сюрреалистов. На фоне обычного пейзажа, фантастический предмет (или человек?) выглядит особенно впечатляюще.

 
Фантазируйте и вдохновляйтесь!

15 потрясающе сюрреалистических осенних троп

Что может быть прекраснее прогулки по извилистой загородной тропе осенью? Вдыхая древесный аромат осени, слушая, как хрустящие листья хрустят под вашими ногами, погрузившись в полную мирную тишину вокруг вас. Иногда вы можете настолько потеряться в своих мыслях, что, когда вы внезапно наткнетесь на сцену, которая настолько прекрасна, что почти слишком сюрреалистична, чтобы существовать, вы не можете не задаться вопросом, не попали ли вы каким-то образом прямо в сказку.Вот несколько фотографий, которые приведут вас туда:

1. Малиновый лесной ковер.

2. Переулок, казалось бы, покрытый шоколадом.

3. Взгляд в будущее.

4. Листья, лежащие на мокром асфальте, как на акварельной живописи.

5. Солнце пробивает каменную лестницу.

6. Извилистая дорога по мандариновой равнине.

7. Цветное поле на лесной дороге.

8. Дорожка, идущая параллельно окутанному туманом полю.

9. Свет в конце усаженной платаном тропы.

10. Дорожка для сбора меди.

11. Путь моста там, где вы меньше всего его ожидаете.

12. Жуткая аллея через осеннее болото.

13. Путь, по которому вы точно знаете, куда идете.

14. И такой путь, о котором вы даже не догадывались.

15. Но, пожалуй, лучший путь — это тот, который ведет домой.

Фото: lightkey / Getty, James Forsyth / Getty, Ghety Daniel / Getty, Chalk Photgraphy / Getty, Bob van derberg / Getty, Ron / Patty Thomas Photography / Getty, peter zelei / getty, Travis / Flickr, Mariano Cuajao / Flickr, Индиана Дэвид Корнуэлл / Flickr, Эрик Дрост / Flickr, Уайтхед / Flickr, Стивен Стратди / Getty, Sino Images / Getty, Charles Sleicher / Getty.

ПЛЮС:

6 пейзажей, полностью изменившихся к осени

12 потрясающих фотографий национальных парков осенью

11 красивых поделок на День благодарения

Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты. Вы можете найти больше информации об этом и подобном контенте на сайте piano.io.

Как Сальвадор Дали повлиял на ваш гардероб

Автор Розалинд Яна, CNN

Когда художник-сюрреалист Сальвадор Дали впервые надел лобстера на платье, он хотел быть провокационным.Это сработало. Его сотрудничество в 1937 году с дизайнером одежды Эльзой Скиапарелли, продвигающим границы, вызвало ужас. Платье А-силуэта из шелковой органзы, которое они создали вместе, которое впоследствии носила Уоллис Симпсон на страницах Vogue, вызвало шок, царапины на голове и множество разговорчивых разговоров в мире моды. Видимо, Дали был разочарован. Он чувствовал, что в платье не хватает одного последнего штриха: капельки майонеза.

Герцогиня Виндзорская в белом платье Schiaparelli. Предоставлено: Сесил Битон / Conde Nast Collection / Getty Images

В наши дни трудно представить себе лобстера на платье, который может быть таким большим событием.Такой принт можно легко найти сейчас, он украшает все, от лоферов до блузок. Например, в коллекции Хенрика Вибскова Весна-Лето 2020 было много розовых и красных ракообразных, а на показе мужской одежды Louis Vuitton Осень-Зима 2020 модели вышли по подиуму в белых пушистых пальто, украшенных крупными, такими же плюшевыми лобстерами.

Показ мужской коллекции Louis Vuitton весна-лето 2021. Предоставлено: Яншань Чжан / Getty Images

Причина, по которой мы теперь находим такие изображения настолько обычным явлением, отчасти объясняется авангардным художественным движением 20-го века: сюрреализмом.С акцентом на неиспользованную силу снов и стремление создавать фантастическое искусство с помощью таких методов, как автоматизм (спонтанное, свободное письмо и художественные работы) и сопоставления маловероятных изображений, сюрреализм стремился освободить подсознание и тем самым высвободить воображение. На него глубоко повлияли работы Фрейда о скрытых желаниях и чувствах, а также работы других психологических и политических мыслителей, включая Карла Маркса.

Само слово впервые было использовано в 1917 году, но в действительности оно появилось как движение в 1920-х годах.В 1930-е гг. Многие ключевые сторонники сюрреализма обратились к дизайну, создавая необычные, часто потрясающие объекты. Лишь немногие избранные тоже восприняли моду. Скиапарелли сотрудничала как с Дали, так и с коллегой-художницей Мерет Оппенгейм, которая продолжала использовать одежду для нервирующих целей в своих собственных работах, таких как перчатки, украшенные мехом и прожилками. Жоан Миро создавал яркие, дерзкие костюмы для Русского балета. Эйлин Агар изобрела игривые рисунки, такие как ее «Церемониальная шляпа 1936 года для еды буйабеса», в которой использовались приморские детриты, в том числе хвост омара и рыболовная сеть.Этот обмен между искусством и модой проявляется и в других отношениях. Фотографы, в том числе Ман Рэй и Ли Миллер, привнесли сюрреалистический взгляд в свою модную фотографию, а такие деятели, как художница Леонора Фини, заработали репутацию создателей возмутительных костюмов.

Мадель Хегелер демонстрирует украшения Сальвадора Дали в Нью-Йорке. Предоставлено: Архив Беттманна / Getty Images

Многие из их экспериментов с тех пор стали популярными в моде. Мягкое платье-скелет Эльзы Скиапарелли 1938 года послужило вдохновением для бесчисленных дизайнов с изображением костей, шипов, сердечек и других вещей, которые обычно скрываются под кожей. Особенно ярким примером является корсет Александра Маккуина весна-лето 1998 года в сотрудничестве с ювелиром Шоном Лином.В другом месте стремление движения изменить привычное положение нашло отражение в таких разрозненных показах, как подиум Хусейна Чалаяна «Осень-Зима 2000», на котором столы превращались в юбки, и коллекция тюлевых бальных платьев весна-лето 2010 от Victor & Rolf с огромным вырезом. дыры.

Показ Victor & Rolf Весна Весна-Лето 2010. Предоставлено: Доминик Шаррио / WireImage / Getty Images

Совсем недавно дизайнеры продемонстрировали новое родство с художественным движением. В прошлом году несколько лейблов назвали создателей сюрреалистов основными ориентирами.Показ Simone Rocha осень-зима 2019 основывался на бесстрашном подходе Луиз Буржуа к женскому телу. Позже в том же году дизайнер работала с художественной галереей Hauser & Wirth, чтобы выпустить набор серег, вдохновленных скульптурами из ткани Буржуа. Коллеги-дизайнеры Юдон Чой и Ролан Муре также назвали Мерет Оппенгейм и Ли Миллер ключевыми фигурами своих показов осень-зима 2019. Dior тоже неоднократно рылся в истории сюрреализма: в последние сезоны главный дизайнер Мария Грация Кьюри проверяла имена художников и фотографов, включая Леонору Фини, Леонору Каррингтон и Дору Маар.

Показ Simone Rocha Осень-Зима 2020. Предоставлено: Люк Уокер / BFC / Getty Images

Отчасти этот возродившийся интерес почти наверняка можно объяснить тем, что мир искусства вновь сосредоточил внимание на работах женщин-сюрреалистов, многие из которых были отмечены на ретроспективах и других выставках после десятилетий пренебрежения. Эта озабоченность сюрреалистами еще более уместна на фоне года суматохи, когда наше собственное понимание нормальности было нарушено.

Летом кутюрная коллекция Dior осень-зима 2020 пополнилась фотографической кампанией, созданной Бриджит Нидермайр, со ссылкой на ключевые сюрреалистические мотивы, такие как бестелесные руки и глаза, в то время как другие бренды, такие как Valentino, предложили сказочные образы платьев, представленных в гигантском масштабе.В настоящее время такие бренды, как Victoria Beckham и Prada, продают рубашки со свободно парящими губами, напоминающими мультимедийные изображения Ман Рэя и украшенную драгоценностями брошь 1949 года для губ Сальвадора Дали.

Брошь «Ruby Lips» с рубинами и культивированным жемчугом, дизайн Сальвадора Дали. Предоставлено: Артем Геодакян / ТАСС / Getty Images

Во время сентябрьских показов весна-лето 2021 года сюрреализм проник в ряд коллекций, прежде всего в доме Скиапарелли. В последние годы модный дом во многом использовал свое наследие, переработав многие ключевые темы и предметы одежды Эльзы Скиапарелли для современной аудитории.В этом сезоне собственное видение нынешнего художественного руководителя Дэниела Роузберри распространилось на шокирующие розовые костюмы с призрачно-белыми конечностями, рубашки с нарисованными грудями и золотые украшения в форме ногтей, носов и выпуклых зубов.

Мода часто считается отражением времени. Во время этого странного продолжающегося кризиса реакция отрасли разделилась. Многие бренды должны были решить, годится ли в этом году сосредоточиться на конкретном или на фантастическом, одновременно пытаясь понять, как оставаться не только актуальным, но и необходимым в мире, сталкивающемся с таким количеством критических проблем.В таких обстоятельствах неудивительно, что так много людей разделяют раздробленный подход сюрреализма к реальности. Это не только высококлассные дизайнеры. Прямо сейчас множество розничных продавцов также продают одежду с большими рукавами, ярким рисунком и необычными деталями.

Как однажды сказал Сальвадор Дали: «Я пытаюсь создавать фантастические вещи, волшебные вещи, вещи как во сне». Прямо сейчас, возможно, такое утверждение говорит о нашем коллективном настроении: о настроении, в котором мы движемся в новую и часто непредсказуемую эпоху, ища не только прямого бегства от реальности, но, как сон, новые способы интерпретации повседневности.

Джорджо де Кирико Картины, биография, идеи

Краткое изложение Джорджо де Кирико

Джорджо де Кирико был пионером возрождения классицизма, который в 1920-х годах стал общеевропейским явлением. Его собственный интерес, вероятно, был вызван его детским опытом воспитания в Греции итальянскими родителями. И, когда он жил в Париже в 1910-х годах, его тоска по дому, возможно, привела к таинственным, вдохновленным классикой картинам пустых городских площадей, которыми он наиболее известен.Именно работа в этом стиле побудила его вместе с художником Карло Карра сформировать недолговечное движение метафизической живописи. Его работа в этом стиле привлекла значительное внимание, особенно во Франции, где сюрреалисты отстаивали его как предшественника. Но де Кирико был инстинктивно более консервативным, чем парижский авангард, и в 1920-х годах его стиль начал охватывать качества искусства эпохи Возрождения и барокко, что вскоре вызвало критику со стороны его старых сторонников. На протяжении многих лет неодобрение сюрреалистов его поздней работы формировало отношение критиков.Репутации художника также не помогли его более поздние привычки создавать новые версии своих Метафизических картин и задним числом задним числом, как если бы эти картины были созданы еще в 1910-х годах. Однако в последние годы его работы того периода вызывают больший интерес и, безусловно, оказали влияние на новое поколение итальянских художников 1980-х годов.

Достижения

• Де Кирико больше всего известен мрачным настроением и странной искусственностью городских пейзажей, которые он рисовал в 1910-х годах.Их большое достижение заключается в том, что он рассматривает сцены не как обычные городские пейзажи — как перспективы мест, полных движения и повседневных происшествий, — а скорее как улицы с привидениями, которые мы можем встретить во сне. Это фон для беременных символов или даже, иногда, для коллекций предметов, напоминающих натюрморты. Новаторский подход Де Кирико к этим картинам — подход, скорее похожий на подход театрального декоратора — побудил критиков охарактеризовать их как «писания снов».Другими словами, они представляют собой беспорядочные наборы символов. И это указывает на их отличие от так называемых «образов снов» более поздних сюрреалистов, таких как Сальвадор Дали, которые, похоже, хотят запечатлеть содержимое сновидений с помощью камеры.
• Ключом к творчеству де Кирико является его любовь к классическому прошлому. Он пришел к этому благодаря своей оценке немецкого романтизма, и именно это открыло ему новые взгляды на классику и способы обращения с темами трагедии. , загадка и меланхолия.Для де Кирико темы и мотивы греческой и римской классики остались актуальными даже в современном мире. Однако он признал, что столкновение прошлого и настоящего произвело странные эффекты — предполагающие печаль, дезориентацию, ностальгию — и некоторые из самых сильных качеств в его работах 1910-х годов проистекают из постановки этого контраста.
• Большая часть впечатлений от картин де Кирико проистекает из сдержанной ясности его стиля. Он добился этого, отказавшись от формальных нововведений современного искусства со времен импрессионизма и вместо этого выбрав откровенную, реалистичную манеру, которая позволяла ему изображать объекты с простотой.В результате получился стиль, который, как и стиль Рене Магритта, полон вызывающих воспоминаний тайн, несмотря на прямолинейный характер изображения.
• Де Кирико всегда считал, что его ранняя академическая подготовка была жизненно важна для подготовки его к дальнейшей работе, и это консервативное отношение отделяло его от других модернистов, особенно от сюрреалистов, которые так много сделали для поднятия его репутации. В 1920-х годах это мировоззрение переросло в новую веру в ценность мастерства и традиции старых мастеров, и это привело к сдвигу в его стиле в сторону большей детализации, более богатого цвета и более условно точного моделирования форм и объемов, а также многого другого. подчеркнутые отсылки к искусству эпохи Возрождения и барокко.

Биография Джорджо Де Кирико

Джорджо де Кирико родился в городе Волос, Греция, в семье итальянцев. Его отец был инженером, работавшим на строительстве греческой железнодорожной системы, а мать была дворянкой генуэзского происхождения. Его родители поощряли его художественное развитие, и с юных лет он проявлял большой интерес к греческой мифологии, возможно, потому, что Волос был портом, из которого аргонавты должны были отправиться за Золотым руном. Однако в юности его беспокоили кишечные расстройства, и предполагалось, что это способствовало его меланхолическому мировоззрению.

Знаменитые осенние картины, созданные известными художниками — DailyArtMagazine.com

Осень в самом разгаре. Поскольку Варшава, в которой я сейчас нахожусь, довольно мрачная и серая, мне действительно нужно смотреть на красивые и красочные осенние картины, созданные известными художниками, чтобы оставаться в здравом уме. От Клода Моне до Дэвида Хокни — вот одни из лучших изображений осени.

1. Клод Моне

Клод Моне, Осень на Сене в Аржантёе, 1873 год, Художественный музей Хай

2.Пьер Боннар

Пьер Боннар, Осенний вид, 1912, частное собрание

3. Винсент Ван Гог

Винсент Ван Гог, Пейзаж с деревьями, 1881, Музей Боймана ван Бёнингена, Роттердам, Нидерланды

Винсент Ван Гог Пейзаж с четырьмя деревьями, 1885 г., Музей Креллер-Мюллер, Оттерло

4. Дэвид Хокни

Дэвид Хокни, Уолдгейт Вудс, 2008 г., частное собрание

5. Джорджия о’Киф

Джорджия О’Кифи, Осенние листья, 1924 , частное собрание

6.Густав Климт

Густав Климт, Березовый лес I, 1902, частное собрание

7. Эдвард Хоппер

Эдвард Хоппер, октябрь на Кейп-Коде, 1946, частное собрание

8. Чайльд Хассам

Чайльде Хассам, Осенний бульвар , Париж, частная коллекция

9. Анри Руссо

Анри Руссо, Эйфелева башня на закате, 1910, частное собрание

10. Поль Гоген

Поль Гоген, Пейзаж в Арле у Алискампов, 1888, Музей Орсе

11.Эгон Шиле

Эгон Шиле, Четыре дерева, 1917, Бельведер, Вена

12. Василий Кандинский

Василий Кандинский, Осень в Мурнау, 1908, частное собрание

13. Жан-Франсуа Милле

Жан-Франсуа Осень, 1873 г., частное собрание

14. Кацусика Хокусай

Кацусика Хокусай, Крестьяне осенью, XVIII-XIX вв., Музей Гимэ

Какие ваши любимые картины из лучших пейзажей осени? Вы предпочитаете более современные или классические произведения искусства? Оставляйте свои предложения в комментариях, они нам очень помогут решить, что добавить в наше бесплатное мобильное приложение DailyArt (доступно для iOS и Android).

Если вы находите радость и вдохновение в наших историях, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖИТЕ журнал
DailyArt, сделав скромное пожертвование. Мы любим историю искусства, и
мы хотим и дальше писать об этом.

Как создать сюрреалистический образ в Photoshop с помощью настройки оттенка

Когда вы начинаете изучать Photoshop, страшно видеть все эти различные инструменты, из которых вы можете выбирать. Часто говорят, что есть семь способов добиться тех же результатов, используя разные инструменты в фотошопе. Таким образом, это означает, что вы должны найти тот, который идеально вам подходит, чтобы придать вашим фотографиям тот вид, который вы хотите.

В этой статье я хочу показать вам, как можно изменить цвета на изображениях с помощью Photoshop. Это очень простой метод, который вы можете использовать как новичку, так и более опытному пользователю.

Вы можете добавить сюрреалистический поворот к своим изображениям или удалить цвета, с которыми вам неудобно работать (я уверен, что мы все можем относиться к этому, потому что, как художники, у нас есть свои любимые и наименее любимые цвета — те, с которыми мы боремся. работать с!). Вы можете использовать эту технику для чего угодно, от изменения цвета платья или любого другого реквизита до изменения лесных тонов, чтобы усилить ощущение осени, или создания его, если вы хотите создать осеннюю картину, даже если это еще весна.

Это до и после смены цвета:

Создание корректировки цвета с помощью оттенка / насыщенности

Вы можете попасть в диалоговое окно Curves двумя способами:

1. Настройка изображения: выбрав «Изображение»> «Коррекция»> «Оттенок / насыщенность» или щелкните значок «Оттенок / насыщенность» на панели «Коррекция».
2. В качестве корректирующего слоя: Layer> New Adjustment Layer> Hue / Saturation, или на панели слоев используйте ярлык: New Adjustment Layer> Hue / Saturation.

Настоятельно рекомендую работать со слоями. Это позволяет вам возвращаться к настройке и стирать или изменять ее столько раз, сколько необходимо. Возможно, вам захочется иметь полный контроль, особенно когда вы вносите большие изменения. Слои могут быть пугающими вначале, но поверьте мне, они станут вашим лучшим другом, как только вы преодолеете этот страх.

При создании нового слоя у вас появится следующее диалоговое окно Hue / Saturation:

Выберите цвет, который хотите изменить.

Чем больше вы хотите, чтобы исходный цвет отличался, тем важнее этот выбор, чтобы изменение цвета не повлияло на области, которые не хотят смещаться. Удаление общего цветового оттенка обычно является очень легким изменением. Но совершенно другой цвет требует более внимательного отношения к выбору, а иногда и нескольких корректировок цвета.

Когда ваш объект имеет очень четкий цвет — например, весь красный, один красный тон — это легко. Когда ваш объект имеет разные цветовые оттенки, это сложно, но возможно.

В данном случае мы меняем цвет листьев плюща на разные оттенки зеленого, синего и даже желтого.

Первый шаг: сделайте выбор цвета:

Вы можете выбрать «Основной», чтобы настроить все цвета одновременно, или один из других предустановленных цветовых диапазонов, перечисленных для цвета, который вы хотите настроить (красный, желтый, зеленый, голубой и т. Д.).

Или вы также можете выбрать инструмент целевой настройки (маленькая белая рука) — это простой способ выбрать цвет, если область / объект, который вы хотите изменить, представляет собой смесь нескольких цветовых тонов.

Щелкните инструмент целевой настройки и наведите курсор на изображение, появится инструмент «Пипетка». Перетащите его на свое изображение и щелкните цветовой тон, который хотите выбрать.

Четыре цветовых значения отображаются в градусах на панели свойств. Если щелкнуть еще раз, вы измените выбранные цвета.

Второй шаг: уточните ваш выбор

Чтобы проверить свой выбор, возьмите ползунок насыщенности и переместите его вправо, чтобы увеличить насыщенность.Идея здесь в том, чтобы увидеть, что вы выбрали, и убедиться, что у вас есть правильные цвета, чтобы помочь вам скорректировать выбор. Например, при редактировании портрета вы хотите убедиться, что это не влияет на оттенки кожи объекта съемки. При редактировании леса вы хотите убедиться, что вы выбрали листья, но не стволы деревьев (или что-то еще в фоновом режиме).

Как видите, на листьях еще много синих цветов, что не было включено в выборку. Чтобы добавить эти синие тона, вы перетащите ползунки регулировки, чтобы растянуть выбранные цвета, и измените значение цвета (отображается в градусах на панели свойств).

Есть четыре ползунка. Те, что посередине, позволяют расширить или сократить выбранные цветовые диапазоны. Два ползунка с обеих сторон предназначены для регулировки диапазона цвета и спада. Поиграйте с этими ползунками, пока не найдете подходящий вариант. Не волнуйтесь, если он не идеален, вы все равно можете создать второй корректирующий слой оттенка / насыщенности или замаскировать этот слой.

Шаг третий: измените цвет

В окне свойств перетащите ползунок оттенка влево или вправо в зависимости от нового цветового тона, который вы хотите придать своему выбору.Затем вы можете поиграть с добавлением или удалением насыщенности, перетащив ползунок в любую сторону.

Обучение использованию оттенка / насыщенности даст вам больше творческих возможностей при редактировании изображений в Photoshop. Поделитесь любыми изображениями, на которых вы изменили цвет, или любыми другими методами, которые вы используете для выполнения этой техники.

Романтизм и сюрреализм, смешанные в коллекции Marni Fall 2021 — WWD

В мире, который становится все более дружелюбным к цифровым технологиям, Франческо Риссо охотится за тем, что он назвал «тактильным романтизмом», но в его творческом видении есть оттенок экспериментальный сюрреализм.Чтобы продемонстрировать это, он задумал видеопроект, чтобы представить свою осеннюю коллекцию 2021 года, которая состояла из трех эпизодов и доставлялась во время завтрака, обеда и ужина.

На четыре дня Риссо открыл двери своей потрясающей квартиры в Милане для самых разных людей, которые были сняты на видео, которые ничего не делали, кроме как жили своей жизнью и преследовали свои страсти. Но это была не обычная жизнь: друзья Риссо — артисты, которые предлагали живые выступления, и модели, импровизировавшие для показа на подиумах. Некоторые из них также пытались готовить на кухне, превращенной в огород, но суп включал в свои ингредиенты кроссовки с острым носком.«Я хотел продемонстрировать что-то с внутренним измерением, что-то, что не соответствовало бы никакому сценарию», — сказал дизайнер.

Чтобы описать и прославить свою одежду, Риссо также написал несколько стихов, «письма, которые я написал на своей одежде. Из-за моей личности я не люблю появляться, поэтому предпочитаю писать эти стихи ».

«Мои дорогие, mes cheris, пишу вам; Я думаю о тебе; Я смотрю на тебя. Ты мне нужен. Вы украшаете тело. Ты одежда Марни, но святотатство, одежда тени! » Читает одну под названием «Одежда тени», в которой выражается любовь и страсть дизайнера к тому, что он делает.«Кощунство или неожиданность? Все вещи такие перевернутые, томные, чувственные, но все же техничные и отполированные. Две души: темные, но только сзади, впереди полностью цветные / сплошные цвета. Как подарок, посвященный тому, кого вы встретите », — продолжает стихотворение, подводя итоги облика группы.

В то время как Марни известен своими яркими цветами, Риссо начинал с белых вещей, которые вручную окрашивали в черный цвет, затем корродировали, а затем перекрашивали в другой цвет. В результате получился набор оттенков, подчеркивающих сильные силуэты.

Асимметричные платья собраны для создания корсетных форм; свитера и утепленные куртки были переработаны на большие накидки; В вязаных платьях использовались привлекательные комбинации различных узоров, а футболки были уничтожены, а затем дополнены целым рядом предметов, которые можно найти дома. В образе чувствовалась чувственная атмосфера, когда блейзеры в форме песочных часов носились с присборенными юбками косого кроя, в то время как пушистые пальто с узорами тай-дай казались прохладными.

Коллекция подтвердила Риссо как экстравагантного дизайнера, но также продемонстрировала храбрость Ренцо Россо, предпринимателя, который позволяет ему воплощать в жизнь его сюрреалистическое видение моды.Еще неизвестно, поймет ли рынок эту мечту.

Джеймс Сибли Уотсон «Падение дома Ашеров: сюрреализм — импровизация — дополнительные интуитивные догадки»

Шолль, Роберт

(2020)

Джеймс Сибли Уотсон «Падение дома Ашеров: сюрреализм — импровизация — дополнительные интуитивные догадки».

Перспективы новой музыки, 58 (1).
С. 23-69.
ISSN 0031–6016

Аннотация

Это исследование охватывает продолжающуюся роль музыки в движении сюрреалистов через импровизацию немого кино. В нем представлены отрывки из первой записанной органной импровизации (записанной в соборе Арундел, Великобритания) к экспериментальному немому фильму Джеймса Сибли Уотсона: Падение дома Ашеров (1928), основанному на рассказе Эдгара Аллана По, который был песней сирены для сюрреалистов. ).Исследования этого фильма (продолжительностью около 12 минут) были сосредоточены на кинематографическом контексте и модернизме (Картрайт, 1995) и реконструкции оригинальной музыки Алека Уайлдера к работе (Брюэр, 2015), но не исследовали сюрреалистический контекст или потенциал фильма. фильм. Эта импровизация опубликована по адресу: https://www.youtube.com/watch?v=E5tFr2iFrUw

В комментарии (1928 г.) Сибли Уотсон утверждает: «Важность пьесы заключается в ее настроении — в развитии эмоционального состояния. тон почти без действия.Мы решили сделать картину с настроением, а не с историей ». Поэтому я утверждаю, что образы создают дезориентацию или дезориентацию (Calvin, 1982: xvii) за счет выцветания, растворения и призматических образов. Таким образом, фильм дает богатую основу для импровизации, в которой используется «систематическая гибридность» (Sholl, 2015), в которой структуры (полнотональные, октатонические, например) искажены. Таким образом, импровизация поддерживает, лишает знакомых и обеспечивает дополнительную интуитивную прозорливость, в которой создается новый «образ», который представляет собой «сближение двух более или менее далеких реальностей».