Содержание
Картины Рафаэля Санти — 14 самых известных произведений с названиями и описанием
Какие произведения написал Рафаэль Санти? В этой статье рассказываю о самых лучших картинах знаменитого художника Рафаэля Санти. Что характерно для его картин, кто изображен в произведениях, как выглядит мир на картинах. Читайте подробнее в новой статье!
Рафаэль Санти – один из самых ярких и значимых художников эпохи Возрождения, и в целом один из самых главных представителей итальянского искусства. За свою недолгую жизнь – 37 лет, он успел создать огромное количество работ, раскрыв свой талант не только в живописи, но и в графике, архитектуре.
Его первым учителем, человеком, который показал ему мир живописи, стал его отец, Джованни Санти, художник городского герцога. Позднее Рафаэль учился у очень талантливых художников, а также познакомился с Леонардо да Винчи, Микеланджело, Бартоломео делла Порта и многими другими мастерами, чье творчество, несомненно оказало благотворное влияние на образование Рафаэля.
Творчество Рафаэля Санти очень многогранно: есть и цикл с Мадоннами, и портреты, и алтарная живопись, и работы, связанные с архитектурой, а также множество рисунков и гравюр, и даже стихи!
Более подробно о творческой и личной жизни художника мы писали в другой статье, которую вы можете прочитать здесь https://nyblog.ru/chem-proslavilsya-rafael-santi/
Сегодня мы с вами рассмотрим самые знаменитые и громкие работы итальянского живописца, но я советую вам все-таки прочесть статью о его жизни, чтобы более глубоко окунуться в тот мир, в котором жил и творил художник.
Итак, какие же самые основные произведения написал Рафаэль? Кто изображен на его многочисленных картинах? И почему одни картины стали лучшими, по сравнению с другими его работами? Давайте разбираться вместе.
Ниже вы найдете список картин Рафаэля Санти с названием и описанием.
Самые знаменитые картины художника Рафаэля Санти
Сикстинская мадонна, 1512 год
В работах Рафаэля Санти был такой период, когда он писал Мадонн.
В Риме, где он тогда трудился, было создано около десяти Мадонн, каждая из которых чем-то выделялась, показывала свое величие.
Но апогеем его любви к этой героине стала «Сикстинская Мадонна», которую заказал папа Юлий II для церковного алтаря монастыря Святого Сикста (отсюда, собственно, и название произведения).
В центре этого довольно большого произведения, Мадонна держит младенца Христа. Эти образы Рафаэль писал уже множество раз, но именно эта картина, по мнению многочисленных критиков, искусствоведов, и ценителей смогла передать самое главное – желание смотреть и смотреть в бесконечно печальные глаза Марии, держащей своего младенца.
Прототипом Мадонны стала Форнарина, жена художника. Ее лицо изображает грусть, возможно, из-за предчувствия тех трагических событий, которые выпадут на долю ее сына. Но несмотря на это, она продолжает идти в окружении ангелов, держа своего ребенка.
У ног Мадонны склонились Сикст II и великомученица Варвара – римский епископ и защитница от внезапной и насильственной смерти, два героя, которые не могли не присутствовать в такой картине.
В самом же низу полотна мы видим двух ангелов, которые беззаботно сидят и смотрят за происходящим. Их беззаботность можно понять, ведь скорее всего, им уже давным-давно известно, что будет дальше, и что все уже предрешено.
К слову, об ангелах. В последствии, именно этот фрагмент знаменитой работы Рафаэля копируют в 1803 году, отдельно от остального полотна, что в итоге приведет их к не меньшей мировой популярности, чем вся работа целиком. Вспомните, вы наверняка уже где-то видели этих ангелов, беспечно смотрящих на мир.
Сейчас работа Рафаэля Санти находится в галерее старых мастеров в Дрездене, в Германии.
Афинская школа, фреска, 1510-1511 года
Эта работа Рафаэля Санти примечательна списком своих персонажей. Работа была выполнена для Апостольского дворца в Ватикане, также, как и «Сикстинская Мадонна», по просьбе папы Юлия II.
Всего было сделано несколько росписей, которые разделились на темы духовной деятельности человека: фреска «Афинская школа» представляла философию, «Диспут» — теологию, «Парнас» — поэзию, а «Мудрость, умеренность и сила» — правосудие.
На фреске «Афинская школа» из-за предмета своего содержания, были изображены мудрецы и ораторы со времен Древней Греции. В центре росписи – Платон и Аристотель, которые указывают на небо и на землю, соединяя в этих жестах два главных начала.
Всего было изображено более 50 персонажей, 22 из которых – известные ораторы и мыслители разных исторических эпох, а также, человек, с чертами лица самого Рафаэля.
На ступеньках, ведущих вверх, что тоже означает определенный смысл, показывающий развитие философии в различные эпохи, есть также, Сократ и Александр Македонский, Пифагор, Гераклит, Микеланджело, Диоген, Клавдий Птолемей и другие.
Чтобы сделать фигуры философов еще более значительными, художник Санти пишет их не в прямой линейной перспективе. Это нужно было для того, чтобы сами фигуры на фреске не выглядели слишком мелко, именно поэтому и был нарушен масштаб.
Преображение, дерево, темпера, 1516-1520 года
Это последняя работа художника, которую он начал по заказу будущего папы римского Климента VII для алтаря бывшего кафедрального собора во Франции.
Сейчас эта работа мастера находится в Ватикане.
Примечательно то, что сначала заказ должен был выполнять Микеланджело, при чем написать две картины. Но он отказался, и в итоге, Рафаэлю сделали предложение написать одну из картин для украшения базилики, а вторую – другу Микеланджело, Себастьяно дель Пьомбо. В прошлом у Санти и Микеланджело уже было соперничество, и теперь, работая над картиной, Рафаэль снова хотел обойти великого мастера. Это отражалось и на самой живописи – другой подход, другие традиции.
Рафаэль так и не успел закончить эту работу, вместо него это сделал другой художник. Но основной вклад и заслуга все-равно принадлежат Санти. Когда художник умер, картина еще несколько дней висела у изголовья его кровати.
За основу картины взять сюжет из Евангелия – Иисус Христос открывает свою истинную сущность, а по обе стороны от него, пророки – Илия и Моисей. В нижней же части картины – отец пытается изгнать дьявола из своего сына.
Такое контрастное разделение на две части, можно интерпретировать по-разному, например, как то, что на небесах Бог, чистота и идеальная симметрия, спасительная сила Христа, а внизу, то есть на земле, хаос, темнота, страдания и человеческие пороки.
Станцы, фрески, 1508-1517 года
Это собрание фресок, в число которых входит и «Афинская школа», о которой мы упоминали выше. Расскажем немного и о трех других фресках, так как они тоже имеют большое значение для мировой живописи.
«Диспут»
Этой фреске придавалось огромное значение, на этапе создания, именно ее первой хотели видеть готовой.
В основе сюжета – небо и земля, как символы божественного и земного. В центре фрески находится Христос, окруженный библейскими персонажами. Над Христом находится Бог, а у его ног – Святой Дух в обличии голубя, что символизирует триединство, Святую Троицу.
В низу, то есть на земле, просветители, ученые и церковники ведут диспут.
«Парнас»
Фреска «Парнас» символизирует еще одну духовную область человеческой деятельности, а именно, поэзию. Этот вид искусства был в почете и в древности, и во времена Рафаэля. Кстати, изначально, фреска именно так и называлась – «Поэзия», новое название появилось только в XIX веке.
В центре фрески, на холме – Аполлон, который играет на современной лире. Примечательно, что этого инструмента еще не существовало во времена Древней Греции. Таким образом, художник отдает дань уважения великому искусству – поэзии, но в тоже время показывает преемственность культуры и ее развитие. Кроме Аполлона, на фреске изображены некоторые поэты, например, Гомер, в окружении муз, а также Микеланджело, которого Рафаэль решил увековечить в качестве поэта.
«Добродетели и закон»
Последняя фреска, которая была выполнена Рафаэлем Санти по этому заказу. Мудрость, умеренность и сила изображаются под фигурой Юриспруденции, прорезанной окном.
Сбоку, в левой части фрески сидит император Юстиниан, в окружении своих регалий и символов силы – короны и скипетра.
Сбоку, справа – папа Григорий VII, в окружении кардиналов и будущих пап.
Вообще, вся идея этих фресок построена на взаимодействии сюжетов из Библии и древнегреческих мифов. Сочетание светского, мифологического и языческого начал, показывает нам, людям из другой эпохи, об отношении того мира к религии и ее догмам.
Рафаэль Санти в своих работах показал, что светское преобладает над церковным и религиозным началом.
Рафаэль Санти в своих работах показал, что светское преобладает над церковным и религиозным началом.Обручение Девы Марии, дерево, масло, 1504 год
В начале своего творческого пути, Рафаэль учился у одного известного художника, Пьетро Перуджино. Во многом, стиль его мастерской оказал влияние на ранние работы Рафаэля.
В центре картины – священник (на одной линии с храмом), Мария и Иосиф. В руках у Иосифа цветущий посох, что говорит об избранности Марии Богом. Рядом с Иосифом отвергнутый жених, который свой посох ломает, что тоже довольно символично.
Несмотря на то, что Рафаэль практически повторяет работу Перуджино, его картина в художественном плане – это большой шаг для живописи вперед. Фигуры не такие архаичные, архитектура выдержана в новаторском стиле – храм, это сначала символ, а потом уже здание.
Цвета на картине очень спокойные, преобладают в основном желтые и коричневые оттенки. Само платье Марии по цвету – символ крови Христа, а ее накидка синего цвета – символ невинности.
Донна Велата, холст, масло, 1515-1516 года
Одним из самых известных произведений Рафаэля Санти в жанре портрет, является картина «Донна Велата», что в переводе с итальянского означает, «женщина под покрывалом».
Многие считают, что натурщицей для этой картины, как и для многих других работ художника, была Форнарина, его возлюбленная.
Рафаэль искал для своих работ натурщицу, и нашел ее в пекарне – она была дочерью булочника, отсюда и ее прозвище (от итальянского форнаро – пекарь).
Рафаэль влюбился в нее и, выкупив ее у отца, поселил ее на вилле, писал с ее натуры многие свои работы. Кто изображен на многочисленных картинах Рафаэля, так это, скорее всего, его возлюбленная Форнарина.
На этой же работе она предстает в очень утонченном образе замужней дамы, о чем символизирует покрывало на ее голове. Нежно-молочные одеяния подчеркивают цвет персиковой кожи и прекрасные темные глаза.
Девушка изображена в драгоценностях, но, благодаря кисти великого мастера сама выглядит как драгоценность.
Портрет Бальдассаре Кастильоне, холст, масло, 1514-1515 года
Еще один знаковый портрет для искусства и мировой живописи, под влияние которого попали такие художники, как Тициан, Рембрандт и Матисс.
На нем изображен друг художника, яркий представитель знати того времени и писатель, граф Новилары, Бальдассаре Кастильоне.
Карьера писателя развивалась также стремительно, как и карьера художника, поэтому спустя время Кастильоне и Санти стали близкими друзьями. Искусствоведы предполагают, что именно Кастильоне консультировал Рафаэля при создании фрески «Афинская школа», а тот в свою очередь, изобразил его в образе Заратустры на ней.
Мягкие и округлые контуры передают утонченный и ранимый образ писателя, его чувственную личность. Многие искусствоведы считают, что Рафаэль вдохновлялся «Моной Лизой» да Винчи, при написании этого портрета. Портрет написан в темной цветовой гамме, но вот глаза, голубого цвета, привлекают к себе внимание, также, как и улыбка другого знаменитого портрета.
Три грации, дерево, масло, 1504-1505 года
На этой картине, которую Рафаэль написал в возрасте 20 лет, в образе Граций предстают Невинность, Красота и Любовь, которые держат в руках символ совершенства – золотой шар.
Рано оставшись без матери, Рафаэль в будущем постоянно использовал женский образ в своих работах. Многочисленные Мадонны с младенцем, портреты Форнарины, три Грации – великий мастер Возрождения вдохновлялся женской красотой, старался показать ее невинность и утонченность.
Предполагается также и то, что эта картина была парой к другой ранней работе Рафаэля – «Сон рыцаря» и обе они были первыми работами, выполненными на заказ.
«Сон рыцаря»
Несмотря на то, что «Три Грации» — одна из первых серьезных работ Рафаэля, в ней уже тогда видна поэтичность будущих образов художника, мягкость линий и прекрасное чувство ритма и гармонии каждого его персонажа.
Положение во гроб, доска, масло, 1507 год
По старой традиции, если в семье происходило трагическое событие, родственники заказывали картину с евангельским сюжетом.
Аталанта Бальоне потеряла своего сына Грифонетто в бою, и поэтому заказала картину у Рафаэля Санти, в память о своем ребенке.Христос в центре, женщины и Богородица справа, мужчины слева – эта работа была написана для алтаря, простояла в церкви 101 год, потом была украдена, но возвращена на место.
Предполагается, что при написании тела Христа, Рафаэль вдохновлялся работами Микеланджело.
Триумф Галатеи, фреска, 1512 год
Создана для виллы банкира Агостино Киджи, одного из самых богатых людей той эпохи.
Рафаэль писал фреску для зала пиршеств, поэтому работа источает веселье и кураж, с каким нимфа рассекает морскую гладь в раковине с упряжкой дельфинов, а остальные персонажи вокруг предаются утехам.
Форнарина, доска, масло, 1518-1519 года
Еще один довольно знаменитый портрет возлюбленной художника Рафаэля Санти.
На картине изображена женщина, ее руку украшает браслет с надписью «RAPHAEL URBINAS» — Рафаэль Урбино.
При реставрации картины и очистке слоев, было также обнаружено, что на руке у модели, помимо браслета было кольцо, которое позже художник зарисовал.Также было обнаружено, что вместо миртового дерева на заднем фоне до этого был пейзаж, который художник тоже изменил.
Заключение
Каким выглядит мир на картинах Рафаэля Санти? Нежным, легким, воздушным, утонченным, иногда очень умиротворенным. Его идеи во многом превосходили идеи его учителей и мастеров старой школы. Рафаэль старался брать у них самое лучшее, при этом создавая свой уникальный, неповторимый стиль.
Что характерно для картин Рафаэля Санти? Художник вошел в историю, как один из трех самых лучших мастеров эпохи Возрождения, наравне с Леонардо да Винчи и Микеланджело. Для его работ характерно изящество, гармония, переработка и трактов чужих образов в своей манере.
Одно можно сказать точно – Рафаэль Санти за свои 37 лет сумел сделать намного больше, чем его современники, дожившие до более глубокого возраста.
И пусть он в чем-то уступает другим мастерам, он навсегда останется великим художником, портретистом, автором Мадонн, архитектором, его фрески и картины украшают самые известные музеи и соборы, а имя вошло в историю не только мировой живописи, но и мирового искусства.ТОП-20 самых известных картин Рафаэля Санти
За свою короткую, но яркую жизнь Рафаэль Санти сотворил множество шедевров, равным которым до сих пор нет. Он был последователем художников Перуджино, Леонардо да Винчи, Микеланджело, но, в конце концов достиг совершенства и неподражаемой реалистичной манеры в живописи. Мы знаем о великом множестве картин Рафаэля, но постараемся среди них выбрать самые известные и красивые работы.
20 самых потрясающих работ Рафаэля Санти:
1
«Донна Велата» (1516)
Рафаэль был на пике своего творчества, когда написал портрет «Донна Велата» или «Дама с вуалью». Ему было всего 32 года.
Маргарита Лути, обычная девушка, дочь булочника изображена художником с огромным трепетом и любовью, так как именно она была его смыслом жизни.
Рафаэль был так влюблён в девушку, что предложил её отцу огромный денежный выкуп — более 3 000 дукатов. Форнарина, так звал свою жену Рафаэль, что означает «булочка». Супруги были счастливы. А через 6 лет Рафаэль скоропостижно скончался. Маргарита не приняла огромное наследство мужа и ушла в монастырь, где слыла до конца своих дней его вдовой.
Маргарита на портрете изображена в одежде нежно-бежевых и розовых тонов, голова, как у замужней дамы под покрывалом. Влюблённый Санти передал красоту и спокойный характер своей жены в утончённой изящной позе. Лицо Маргариты нежное, как персик, глаза — прекрасные, огромные, святятся счастьем. Красивая шея и причёска украшена драгоценностями. На портрете Маргарита изображена как изысканная драгоценность, и восхищение мастера своей моделью передаётся зрителю.
Кстати, о самых красивых глазах в мире и их владельцах мы написали в нашей статье на most-beauty.ru.
2
«Преображение» (1516–1520)
«Преображение» Рафаэль начал писать для алтаря Нарбоннского собора, по просьбе кардинала Джулио Медичи, но не завершил её, так как внезапно умер от неизвестной болезни.
Картину дописал художник Джулио Романо.
Сюжет основан на Евангельском сюжете, когда Иисус Христос решил открыть свою сущность ученикам. С небес апостолы услышали глас Божий, что Христос его истинный Сын.
После этого Иисус спустился с апостолами с горы, и к нему обратился несчастный отец с просьбой излечить сына от вселившегося в него дьявола.
Рафаэль изобразил Иисуса парящим над всеми, что является символом его Божественности. Чуть ниже, в середине полотна — Апостолы ожидают Христа, а внизу собрались люди, в ожидании чуда исцеления. Верхняя светлая и воздушная часть картины была написана Рафаэлем, а нижняя часть более тёмная другим человеком. Здесь видна рука мастера, писавшего в абсолютно другой манере.
3
Сикстинская мадонна (1512)
Рафаэль писал образ Марии и Христа много раз, но эта работа, предназначенная для алтаря капеллы Сикста II, стала настоящим шедевром. Образ Мадонны Санти написал со своей жены Маргариты (Форнарины). Прекрасное одухотворённое лицо отображает вселенскую грусть, и боль матери, предчувствующей самопожертвование сына и его гибель во спасение всего человечества.
В верхней части картины в окружении бесплотных ангелов идёт Мария, нежно держа на руках своё самое дорогое — младенца Иисуса.
Малыш изображён пышущим здоровьем, со слегка растрёпанными волосами. Его ангельская внешность контрастирует с умными не по возрасту глазами, как будто он уже знает всё о своём предназначении. У ног Марии склонились Сикст II и великомученица Варвара. Внизу у края полотна, как бы выглядывая из окна, смотрят вверх беззаботно два озорных ангела. Они не вмешиваются в происходящее, так как знают за ранее, что ожидает Марию и её дитя.
4
Станцы (1508–1517)
фреска «Добродетели и закон».
Роспись (фрески) дворцовых помещений Ватикана, выполненная мастером вместе со своими учениками, называется Станца делла Сеньятура (так называемая комната Подписей). Стены этой комнаты украшают фрески «Афинская школа», «Диспута», «Правосудие» и «Парнас». Одними из самых знаменитых являются фрески «Афинская школа» и «Диспута».
О них вы сейчас и узнаете.
5
«Афинская школа» (1508)
Афинская школа.
Рафаэль Санти был очень знаменитым живописцем среди своих современников и в 1508 году по просьбе папы Юлия II отправился в Рим для росписи парадных помещений Ватикана. Одной из фресок из Станцадела Сеньятура, является фреска, представляющая философию. Она называется «Афинская школа» и изображает ведущих мыслителей со времён Древней Греции. На восходящих ступенях Афинской школы под огромными сводами в центре изображены Платон и Аристотель. Платон указывает на небо, а Аристотель на землю, связывая воедино небесное и земное пространство.
Сократ беседует с Александром Македонским, слева внизу Пифагор в кругу учеников разгадывает теорему. Санти также изобразил великого современника Микеланджело в образе Гераклита. Евклид чертит циркулем чертёж.
На фреске Рафаэль изобразил более 50 фигур. Ступени изображённого здания поднимаются ввысь, отождествляя собой периоды развития философии и различных наук.
6
Фреска «Диспут» (1509–1510)
В центре композиции — Святая Троица. Бог Отец, Иисус Христос и Дух Святой в виде голубя. Рядом с Христом сидят его мать Мария и Иоанн Креститель, и далее на облаке восседают святые Пётр, Павел и другие персонажи Евангелия. Внизу фрески учёные, философы и понтифики церкви ведут богословский диспут.
7
Фреска «Парнас» (1511)
Сначала эта фреска имела название «Поэзия», несколько позже она стала называться «Парнас» она располагается между фреской «Афинская школа» и «Диспутой». Поэзия высоко ценилась в эпоху Высокого Возрождения, и считалась божественным искусством. На холме в центре фрески изображён Аполлон, играющий современном музыкальном инструменте — лире да браччо, которой ещё не было в Древней Греции. Этим Рафаэль передал преемственность культур. Вокруг Аполлона музы и поэты Гомер и Микеланджело, которого Санти тоже приписал к великим поэтам.
8
«Обручение девы Марии» (1504)
«Обручение девы Марии» — самая почитаемая работа художника.
Она является логическим переходом от манеры живописи школы Перуджино к манере, которая возвысит мастерство Рафаэля и станет вехой в эпохе Великого Возрождения.
Рафаэль вдохновился композициями фресок своего учителя Перуджино. Подписав это полотно, Санти, уже как истинный мастер, уверенно заявил о себе всему миру.
Основными персонажами картины являются Дева Мария и обручник Иосиф, который надевает ей на палец обручальное кольцо. Пару окружают свидетели происходящего. Цветущий посох в руке Иосифа означает, что Мария избрана Богом. Посохи других женихов, которые стоят поодаль, остаются прежними, и их в отчаянии ломают.
Это одна из самых знаменитых картин Рафаэля. Цветовая гамма очень спокойная, в ней преобладают коричневая и жёлтая тональность. Яркое красное платье Марии означает кровь Христа, а синяя накидка — её непорочность.
9
«Триумф Галатеи» (1512)
«Триумф Галатеи» — фреска, написанная Рафаэлем для зала пиршеств банкира из Сиены Агостино Киджи. Она изображает нимфу спокойствия водной глади Галатею, которая летит по волнам, стоя на раковине, запряжённой дельфинами. Её окружают тритоны, наяды и другие сказочные морские персонажи. Над ними кружат амуры, целясь во все стороны своими стрелами. Изысканная фреска насыщена радостью и весельем.
10
«Прекрасная садовница» (1507)
«Прекрасная садовница» Рафаэля изображает Деву Марию и двух младенцев — её сына Иисуса и Иоанна Крестителя. Прелестная юная Мария — воплощение женственности, материнства и безграничной любви. Она обращена к Иисусу, слегка склонившись над ним. Маленький Иисус также весь поглощён своей матерью, он доверительно прижался к ней, и она поддерживает его за руку и плечи. Идиллия взаимопонимания матери и младенца подчёркнута их нежными взглядами. Маленький Иоанн склонился перед Иисусом. В его руках крест, как символ распятия.
Фигуры органично вписаны в прекрасный пейзаж, который создаёт ощущение лёгкости и безоблачного счастья.
11
«Три грации» (1504)
Предположительно «Три грации» Санти написал в возрасте 17 лет.
Что натолкнуло Рафаэля написать такую сложную картину в столь раннем возрасте? Санти рано остался без матери, и его всегда притягивал чистый образ Мадонны, как символ молодости и материнства. Создавая «Три грации», Рафаэль соединил воедино образ античных богинь и лик непорочной Мадонны, так как грации были символом юности, любви и непорочности.
Три грации, отождествлявшие эти прекрасные возвышенные качества, назывались Красотой, Любовью и Невинностью. Девушки, изображённые на картине, молоды и прекрасны, их лица светятся чистотой и добротой. Они нежно держатся друг за друга и у каждой в руке золотые сферы — символ легендарных яблок совершенства, добытых Гераклом. Центральная фигура одной из граций повёрнута к зрителю спиной, две крайние фигуры — лицом к зрителю, но их взоры направлены в разные стороны. Эта ранняя картина Рафаэля является одной из первых ступеней на пути к безупречному совершенству.
Хотите узнать, какие женщины по мнению most-beauty.ru являются самыми красивыми в наши дни? Переходите по ссылке.
12
«Портрет графа Бальдассаре Кастильоне» (1515)
Граф Бальдассаре — итальянский дипломат и писатель, был послом герцога Урбинского, служил при дворе у короля Франции Людовика XII. Его авторству принадлежит популярная в те времена книга «Диалоги о придворном», описывающая изысканные обычаи и беседы при образованном Урбинскомдворе. Рафаэль изобразил графа как очень достойного и умного человека, как цельную натуру. Портрет написан в тёмных коричневых тонах, и только цвет голубых глаз привлекает к себе внимание. Этот уверенный и спокойный взгляд магическим образом притягивает к себе зрителя.
13
«Положение во гроб» (1507)
Среди итальянской знати была традиция, в честь какого-либо трагического события, заказывать у именитых художников картины с евангельским сюжетом. Такой была и картина «Положение во гроб», которую заказала Аталанта Баглиони в память о погибшем сыне. Известно множество рисунков и набросков, выполненных Рафаэлем перед началом работ.
В результате такого титанического труда на свет появилась картина с безупречной композицией. Она представляет собой две группы людей, разделённых двумя воображаемыми линиями, которые расходятся в разные стороны. Женщины, сопровождающие Богородицу, наклонены вправо, мужчины, несущие тело Христа — влево. Христос изображён в самом центре. Его идеальное атлетическое тело напоминает Христа ос скульптуры «Пьетта» Микеланджело, так как в то время художник находился под огромным впечатлением от творчества этого титана скульптуры и живописи.
14
Форнарина (1520)
Картина написана маслом на деревянной доске. В этой работе принимали участие и ученики художника. Картина изображает полуобнажённую молодую женщину в изысканном головном уборе. Моделью была жена Рафаэля, которую он нежно называл «Форнарина», что в переводе с итальянского означает «булочка». В действительности прекрасную жену художника звали Маргарита Лути. Санти не раз писал свою возлюбленную, она вдохновляла его и на более возвышенные образы, такие как Сикстинская Мадонна.
15
Фреска «Изгнание Элиодора» (1512)
Сюжет этой фрески был заимствован из текстов Ветхого Завета. Военачальник сирийского царя Элиодор, пытался конфисковать из Иерусалимского храма, золото для бедных. За это Бог покарал его, наслав на него всадника в золотых доспехах. Фреска была аллегорией разгрома французских войск в папской области под началом папы Юлия II, который слыл не только прекрасным военачальником, но и щедрым меценатом. Эта фреска визуально напоминает фреску «Афинская школа». Композиционно она разделена на две равные части — левую и правую. В левой части Рафаэль изобразил своего покровителя папу Юлия II и толпу вдов и сирот, а в правой части — Элиодора, которого изгоняет из храма всадник на белом коне.
Прекрасно выстроенная перспектива композиции передаёт глубину пространства, в точке схождения всех её линий изображена минора, указывающая на то, что это — Второй Храм в Иерусалиме. Величие места происходящего события подчёркивает богатая роспись сводов.
16
«Битва святого Георгия с драконом» (1504–1505)
Покинув Перуджу, молодой Рафаэль отправился во Флоренцию, где в окружении великих живописцев он черпал новые идеи и методы живописи. Картина «Битва святого Георгия с драконом» написана на дереве маслом и отождествляет переходный период от стиля умбрийской школы, которая отличалась линейностью, к стилю флорентийской школы. Санти потрясли работы Леонардо и Микеланджело, их реализм и глубокий смысл. Библейский сюжет на тему Георгия Победоносца был очень популярным, и Рафаэль не мог упустить шанс написать картину на эту тему. Белая лошадь св. Георгия топчет копытами дракона, а сам святой пронзает его своим копьём.
Святой Георгий изображён в средневековых латах и похож больше на рыцаря. Дракон изображён немыслимым сказочным чудовищем, соединившим в себе части различных птиц и животных. Картина предельно реалистична, пейзаж, на фоне которого происходит сражение, тщательно выписан, но он не забивает передний план.
Его приглушённая коричнево-оливковая гамма прекрасно подчёркивает белизну коня и сияние лат всадника.
17
«Мадонна Грандука» (1505)
О самых красивых Мадоннах Санти на сайте TopCafe.su есть очень интересная статья.
«Мадонна Грандука» изображает самый популярный сюжет из Евангелия — Мадонну с младенцем. Она написана под большим влиянием работ Леонардо да Винчи. Это особенно заметно, если сравнивать эту картину с предыдущими работами Рафаэля. Она выполнена в технике сфумато, которая смягчает контуры фигур, передаёт воздух и пространство. Исследования реставраторов показали, что ранее за мадонной было изображено окно с пейзажем, как на некоторых работах Леонардо. Но впоследствии окно было закрашено, и фон картины стал абсолютно тёмным. Кто сделал такой фон — сам автор или последующие реставрации — неизвестно.
Мария одета в классическое для XVI века красное платье с чёрной каймой, на голову наброшено голубое покрывало. Эти цвета традиционные — красный цвет означает символ крови Христа, а голубой — непорочность Девы.
Лицо Марии печально и спокойно одновременно. В руках она нежно держит младенца Иисуса, который похож на обычного ребёнка, пухленького и крепенького. В дальнейшем этот образ Рафаэль использовал и в других своих картинах, изображающих Мадонну с младенцем.
18
«Мадонна в кресле» (1515)
«Мадонна в кресле» — одна из самых красивых картин эпохи Возрождения, изображающих Мадонну с младенцем. Моделью для картины Рафаэля опять послужила его любимая натурщица, подруга и жена Маргарита. Эта работа отражает величину и зрелость художника.
Круглая форма картины смягчает изображение, делает его уютным и домашним. Всё пространство полностью заполняют три фигуры — Мария, младенец Иисус и младенец Иоанн Креститель. Младенец Иисус занимает центральное место, уютно устроившись на руках матери. Мария крепко прижимает к себе сына, в то же время Иоанн Креститель взирает на Христа с мольбою. Яркие краски, в которых доминируют голубой, сочный красный, изумрудный и золотистая охра изумительно красиво смотрятся на тёмном фоне.
И несмотря на то, что Мария выглядит как обычная земная женщина, обнимающая своё дитя, её нарядная одежда, её духовная возвышенная красота подчёркивают высокий статус Мадонны.
19
Портрет папы Юлия II (1512)
Существуют два похожих портрета папы Юлия II, один из которых — оригинальное произведение Санти, а другой — копия портрета, выполненная учениками Рафаэля. Современники утверждали, что папа на портрете выглядит, как живой. Красная мантия папы римского смотрится очень контрастно на ярком зелёном фоне.
Лицо папы покрыто морщинами и обрамлено седой бородой, его взгляд задумчив и проницателен, но в целом фигура Юлия II ещё полна сил и энергии. Этот человек при жизни вёл активные военные кампании, но в то же время был потрясающим меценатом, поддерживающим творчество Леонардо, Микеланджело и Рафаэля. Через год после написания портрета папа Юлий II умер, но остался жить вечно на картине Рафаэля. Уникальный папа, покровитель искусства эпохи Высокого Возрождения.
20
Портрет молодого человека (1513–1514)
Предположительно это автопортрет Рафаэля, так как лицо молодого человека очень похоже на единственный подтверждённый автопортрет художника. Очень красивый молодой человек сидит вполоборота к зрителю. Его длинные каштановые волосы небрежно спадают по плечам из-под лихо надетого берета. Уверенный взгляд, раскованная поза молодого человека говорит о том, что он знает себе цену.
Эту картину во время Второй мировой войны нацисты похитили из усадьбы князей Чарторыйских (Польша) и скрыли в неизвестном месте. Долго она считалась утраченной. Только спустя много лет польское правительство подтвердило, что картина находится в безопасности в частной коллекции.
Послесловие
Творчество Рафаэля Санти является мировым достоянием человечества. Этот гениальный творец эпохи Великого Возрождения подарил нам, его потомкам неповторимые и прекрасные образцы живописи. Он был почитаем и своими современниками, которые после смерти художника написали на его надгробии, что природа при его жизни боялась быть побеждённой и боялась умереть после его смерти.
Это был список самых известных картин Рафаэля Санти по версии most-beauty.ru. Мы и далее будет вас радовать своим видением лучших работ великих мастеров. Мы лишь ждём от вас объективной критики, а также пожеланий и ваших мыслей относительно творчества Санти и других художников.
10 лучших работ Рафаэля, серафического гения эпохи Возрождения —
Рафаэлло Санцио да Урбино, известный большинству просто как Рафаэль, был частью Святой Троицы Высокого Возрождения вместе с двумя другими парнями по имени Леонардо и Микеланджело. Художник необычайной утонченности и глубокого чувства, Рафаэль обучался умбрийскому стилю у мастера-живописца Перуджино и прославился своими работами в тонах драгоценных камней, отличающимися почти мимолетной нежностью черт его фигур.
Он также был первоклассным рисовальщиком, и этим летом Музей Эшмола в Оксфорде представляет 120 бумажных работ «принца художников» в «Рафаэле: рисунки» (до 3 сентября), демонстрируя техническое мастерство и художественный гений, который привел его к славе при жизни и далеко за ее пределами.
Чтобы отметить непреходящее наследие художника, мы изучили 10 самых популярных картин Рафаэля (определяемых их наличием в Google Images, количеством созданных репродукций и нашим собственным эстетическим энтузиазмом) и ранжировали их от одного до 10 в порядке возрастания. степень их выполнения.
10. La Belle Jardini и re (1507)
Художник завершил это, когда жил во Флоренции, ему было еще 20 лет, и количество его неизвестно. Картина ознаменовала собой большой шаг вперед для молодого художника, будучи одной из самых амбициозных Мадонн, написанных им во Флоренции, и с энтузиазмом заимствуя композиции Леонардо да Винчи (как можно заметить по уходящему вдаль пейзажу и флора на переднем плане) — в этом нет ничего необычного, хотя и можно предположить, что Рафаэль все еще находил свой фирменный рывок. Четкая треугольная композиция — тоже чистый Леонардо, который в то время формализовал свою математику живописи, тогда как эволюция La Belle Jardini è re с карикатуры на холст показывает, что Рафаэль совершил настоящий прорыв, когда использовал психологические жесты в стиле Леонардо, чтобы соединить фигуры Богородицы, Христа и Иоанна Крестителя.
Посмотрите на эту материнскую руку, которую Богородица кладет на пухлую ручонку младенца Иисуса.
Несмотря на тень великого Леонардо, это фантастически совершенная картина. Зачем помещать его в самый низ самых известных картин Рафаэля? Ну, потому что это скомпрометировано: на оригинальных рисунках Рафаэля младенец Иоанн Креститель в венке из виноградных листьев задуман как аллюзия на Вакха, бога вина — отсылка к древности, которая странным образом вновь появилась в более образной флорентийской живописи. время, когда Бог Вина предвещал вино причастия. (Леопардовый джемпер Маленького Джона — пережиток этого.) Кому-то — вероятно, неизвестному покровителю — не слишком понравились более пьянящие аллюзии.
Как утверждает Кармен Бамбах, специалист по ренессансу Метрополитен-музея: «Решение удалить вакхические атрибуты с младенца Иоанна Крестителя на последней картине Рафаэля La Belle Jardini è re стало серьезным пересмотром иконографии. , тот, который вернул изображение святого к строго условному изображению Кристины.
Я бы сказал, что это такой серьезный пересмотр содержания, который говорит об участии мецената, а не исключительно о добровольном эстетическом решении художника».
9. Автопортрет (1506)
Исторические книги подтверждают, что Рафаэль был добросовестным младенцем (что в немалой степени подтверждается его документально подтвержденным успехом у женщин), но это картина запечатывает сделку. Одетый в простое черное, со скорбными карими глазами лани, смотрящими косо на зрителя, художник определенно стремится к тому душевному стилю «Я слушаю Смитов», который заставил бы женщин листать вправо без остановки, если бы Tinder был вещью. тогда. Единственная причина, по которой портрет не занимает более высокое место в нашем топ-10, заключается в том, что трудно установить, насколько он близок к его подобию, учитывая недостаток других атрибутивных портретов.
Тем не менее, эта картина, кажется, послужила шаблоном для самого подлого автопортрета Рафаэля, когда он вставил себя в один из своих величайших шедевров, Афинская школа , в образе прохожего с детским лицом, которого Джорджио Вазари впервые охарактеризовал в нежных выражениях: «У него юная голова и очень скромный вид в сочетании с приятной и нежной грацией, и он носит черный берет».
8. Три Грации (1505)
Рафаэль изображает трех обнаженных женщин в анфас и задом, возможно, имитируя танцующих муз из « Primavera » Ботичелли (ок. 1470 г.) или, что более вероятно, классическую греческую скульптуру с таким же названием, по мнению историков. Дж.А. Кроу и Г.Б. Кавалькасель. Стоит отметить, что Рафаэль был одним из первых художников, который включил обнаженных женщин-моделей (а не мальчиков препубертатного возраста) в свою практику рисования с натуры. Таким образом, мы приземляемся на респектабельное седьмое место, поскольку художник не только демонстрирует свои знания в области истории искусства, но и щеголяет своим доступом в реальном времени к лучшим женщинам Италии. На самом деле, в своем авторитетном томе о художнике 1882 года Кроу и Кавалькасель уделяют пристальное внимание откровенному реализму Граций, порожденному усердными исследованиями жизни Рафаэля:
«Все связаны общим чувством, у них одно занятие, их лица, их обнаженные формы — все взяты с одной модели, грациозной, молодой, мясистой девушки умбрийского типа….
Есть части The Three Graces , которые не безупречны; есть очертания и артикуляции, которые неуклюжи или дефектны; и все же юность и изящество этих округлых форм пленительны, а их плоть вылеплена и слита с такой тонкостью, что мы забываем о несовершенствах или теряем их в мечтательной атмосфере, которая охватывает расстояние холмистой земли, на фоне которой они видны. ”
7. Триумф Галатеи (1514)
Рафаэль пользовался покровительством самого богатого человека Италии, банковского магната Агостино Киджи, заказавшего эту фреску для своей семейной виллы. Это первая чисто мифологическая сцена, нарисованная художником, представляющая идеалы любви и красоты через греческую сказку о Галатее и Пигмалионе. Как следует из приведенного выше обсуждения Three Graces , Рафаэль был не чужд красоте, взяв на себя, несомненно, трудную задачу включения женщин-моделей в свою студийную практику. еще Триумф Галатеи стоит на одну позицию выше, потому что его переписка с Киджи раскрывает только , как он посвятил себя тому, чтобы увидеть как можно больше обнаженных женщин — очевидно, для точности.
В недатированном письме своему покровителю художник пишет:
«Что касается Галатеи … Я говорю вам, что для того, чтобы написать красивую женщину, мне нужно увидеть многих, с дальнейшим условием, что вы должны быть со мной, чтобы выбрать самый красивый. Но так как и здравый смысл, и красивые женщины встречаются редко, я должен использовать некий идеал, который представляется мне. Я не знаю, имеет ли это само по себе какое-либо художественное совершенство, но я делаю все, что в моих силах, чтобы достичь его».
Итак, резюмируем: Рафаэль не только оценил как можно больше симпатичных моделей перед покраской Галатея , он также зацепил своего брата Чиги, пригласив его с собой на прогулку — и он скользил в скромной похвастаться собственным художественным талантом. Умный мальчик на самом деле.
6. Диспут о Святых Таинствах (1509-10)
в 1508 году в рамках масштабного проекта по росписи стен Станцы делла Сеньятура, кварталов папской библиотеки в Ватикане, которые теперь называются просто «Комнаты Рафаэля».
(На самом деле, Микеланджело хохотал из-за того, что хвастливого юношу быстро назначили на эту работу, поскольку скульптору-старшему пришлось месяцами болтаться по столице, пожимая руки и целуя младенцев, прежде чем, наконец, приземлиться на потолке Сикстинской капеллы. Эти двое не ладили. ) Каждая из фресок в четырех залах строфы иллюстрирует лучшие стороны человеческого духа, причем Disputation , представляющий божественную истину и изображающий отношения между небом и землей, с эмпиреями, населенными Иисусом и его кругом, и царством смертных, населенным фигурами, начиная от духовенства и заканчивая Данте.
Эта работа занимает шестое место не только из-за ее исторической важности, но и из-за проницательного включения Рафаэлем папы Юлия II в композицию — немного лести, которая только настроила художника на дальнейший успех (к продолжающемуся огорчению бедного Микеланджело) . Ободренный его авторитетным сходством, которое, согласно историческим свидетельствам, Рафаэль рисовал с натуры, папа решил оставить художника работать, в конце концов заказав себе полный портрет.
Вазари описал результат как «настолько реалистичный и реальный, что наблюдатель отшатнулся от него в страхе, как если бы папа действительно был жив».
5. Обручение Девы Марии (1504)
Рафаэль работал над этой картиной, также известной как Lo Sposalizio , когда он был еще учеником Перуджино. Историки полагают, что он просто выполнял работу для клиента, пока его хозяин был в отъезде, и она почти идентична другой картине с тем же названием, которую Перуджино написал незадолго до этого, хотя многие историки мечтают о превосходной архитектурной визуализации Рафаэля и более реалистичных изображениях. фигуры переднего плана. Но именно дерзкая подпись молодого художника — вписанная в карниз храма, выгравированная по обе стороны от центральной оси картины — ставит эту раннюю работу прямо в середину нашего списка. В своем эссе, полностью посвященном эволюции подписи Рафаэля, Рона Гоффен отмечает:
«Одна из самых показных подписей Рафаэля, надпись Sposalizio также является одной из самых смелых в итальянском искусстве….
Заметное утверждение Рафаэлем авторской гордости свидетельствует о профессиональном самосознании и осознании того, что запрестольный образ был лиминальной работой, водоразделом в его карьере».
4. Сикстинская Мадонна (1512)
Запрестольный образ, заказанный для церкви Сан-Систо в Пьяченце. На этой работе изображены Мария и младенец Христос, несущиеся по бокам. двумя святыми и, кажется, парит на фоне призрачных лиц путти. Но именно два херувима внизу полотна сделали картину знаменитой. Один смотрит вверх, подперев подбородок рукой, другой смотрит в сторону, положив голову на скрещенные предплечья; оба выглядят скучающими. Их общая угрюмость отличает их от типичной розовощекой кипучести большинства других херувимов на протяжении всей истории искусства. Действительно, их отличительный вид, возможно, был способом Рафаэля уколоть своего старого доброго заклятого врага Микеланджело. Историк искусства Патриция Эмисон отмечает:
«Степень различия между ними тем более заметна, учитывая обязательно одинаковую высоту кариатид путти Микеланджело на Сикстинском потолке, недавно завершенных, извивающиеся, но невыразительные пары которых в некоторых случаях могут включать как мальчика а девушка….
Если Рафаэль в это время, c. 1513 г., можно в целом считать, что он находится в очень конкурентных отношениях с Микеланджело, нас не должно удивлять, что его херувимы не только более выразительны, чем самые близкие фигуры в работах Микеланджело, но и новаторски и интригующе».
3. Преображение (1560-20)
Безусловно, самая жуткая картина Рафаэля, Преображение , тот факт, что в его дуэли это не последнее место, а также то, что это не последняя часть его произведений, а также одна из самых спорных его работ. перед своей безвременной смертью 6 апреля 1520 года — в свой 37-й день рождения — от лихорадки, предположительно вызванной чрезмерным сексом с любовницей. Любопытно, что картина должна была сопровождаться другой работой, Воскрешение Лазаря 9.0011 , двумя величайшими соперниками Рафаэля: венецианским художником Себастьяно дель Пьомбо и, конечно же, Микеланджело.
Хотя преображение Христа было популярной сценой для изображения в то время, Рафаэль — всегда бесстрашный и, несомненно, пытающийся снова перехитрить Микеланджело — решил объединить две библейские сцены в своей версии.
В нижней половине изображен мальчик, изгоняемый из своих демонов; верхняя половина изображает Иисуса, экстатически упивающегося божественной славой своего тела (и вызывающего благоговейный трепет перед зрителями), прежде чем он вознесется на небеса. Картина входит в тройку лучших в этом списке из-за своей абсолютной уникальности: для этого смешения не существует изобразительной традиции, и ни одна из интерпретаций — политическая, литургическая, теологическая или какая-либо другая — не дает глубокого понимания. Это столь же своеобразно, сколь и загадочно. Как говорит Кристиан К. Клейнбуб:
«Будучи кульминацией всей жизни Рафаэля, самой суммой визуальности в итальянской живописи эпохи Возрождения, картина Рафаэля Преображение остается несравненным документом своего времени и изощренным мышлением ее создателя».
2. La Fornarina (1518-20)
La Fornarina , как полагают, лучше всех изображала дочь Рафаэля, Маргариту Лути, смоделирована для художника.
У него были сдержанные многолетние отношения с ней, пока он был помолвлен с дочерью влиятельного кардинала Ватикана; Считается, что именно эта сирена довела художника до сексуальных излишеств, ставших причиной его смерти.
Одна из самых выразительных работ в творчестве художника, La Fornarina , изображает женщину с спящими глазами в шелковом тюрбане, украшенную жемчужной брошью (nota bene: Маргарита происходит от персидского слова, означающего «жемчуг»). Она не носит ничего, кроме платья из паутины, свободно накинутого на нее, пока она нежно обхватывает левую грудь — образ, взятый из классической позы Venus pudica . Ее улыбка похожа на улыбку непознаваемой Моны Лизы .
Хотя картина сама по себе сексуальна и загадочна, благодаря недавним разоблачениям Ла Форнарина приближается к вершине нашего списка. Во время реставрации работы в 2001 году рентгеновские лучи выявили впечатляющее украшение на безымянном пальце левой руки субъекта, что вызвало предположение, что Рафаэль намеревался жениться на Маргарите, несмотря на его помолвку с другим, и раздуло пламя того, что неназванный ученый эпохи Возрождения называют «одной из самых красивых любовных историй».
Действительно, на синей шелковой ленте, обернутой вокруг верхней части левой руки, золотом выгравировано полное имя Рафаэля. Это подпись почти такая же смелая, как в Бракосочетание Девы— возможно, еще один намек на бракосочетание?
1. Школа Афин (1509-11)
считается величайшим шедевром Рафаэля, Школа Афин сидит напротив распада. Stanza della Segnatura и представляет мирскую истину, то есть философию. Это виртуозное чудо перспективы, населенное интеллектуалами, кто есть кто в западной мысли, от Платона и Аристотеля до Птолемея и Евклида. Картина возглавляет наш список самых блестящих работ художника, потому что Рафаэль якобы знал, что создал что-то, что навсегда изменит ход живописи, — в конце концов, чтобы показать, что он знал просто как он хорош, Рафаэль пошел дальше и включил в сцену и себя, такое же угрюмое лицо, как на его более раннем автопортрете. А почему бы и нет? Это не хвастовство, если это правда.
Как сказал Вазари:
«Природа, с другой стороны, имела достаточно причин для того, чтобы ярко воссиять в Рафаэле всеми теми редкими добродетелями ума, сопровождаемыми таким изяществом, ученостью, красотой, скромностью и прекрасными манерами, которых было бы достаточно, чтобы скрыть любой недостаток, каким бы уродливым он ни был, или любой порок, каким бы большим он ни был. В результате можно с уверенностью сказать, что те, кто обладает столь же редкими дарованиями, какие были увидены у Рафаэля из Урбино, не простые смертные, а (если позволительно так говорить) смертные боги, и что те, кто своими усилиями оставившие в этом мире почетное имя в анналах славы, могут также надеяться получить достойную награду на Небесах за свой тяжелый труд и заслуги».
Следите за новостями Artnet на Facebook:
Хотите быть впереди мира искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, поучительные интервью и острые критические выводы, которые способствуют развитию беседы.
12 самых известных произведений Рафаэля и где их найти
Планируете углубить свои знания об искусстве эпохи Возрождения, любуясь произведениями Рафаэля, но не знаете, какое известное произведение вам следует увидеть? Не беспокойтесь: мы являемся экспертами по Raphael, поэтому у нас есть все для вас. Вот самые известные картины, которые вы не должны пропустить, пытаясь понять Рафаэля!
Чтобы понять искусство, мы должны понять художника и его путь. Итак, прежде чем мы углубимся в картины, вот краткая биография Рафаэля. Рафаэлло Санцио родился в Урбино (1483 г.). Он был сыном Джованни Санти, который также был художником и поэтом, работавшим на Федерико да Монтефельтро.
Рафаэль начал свое художественное образование у Перуджино в 1495 году. С 1504 по 1508 год он переехал во Флоренцию, где открыл для себя работы Микеланджело и Леонардо, оказавшие на него сильное влияние. В 1508 году он поселился в Риме, а в 1517 году папа Лев X назначил Рафаэля начальником отдела древностей в Риме.
Рафаэль умер в 1520 году в возрасте 37 лет. Вы до сих пор можете посетить его могилу в Пантеоне.
Клаудио Мерло заявил, что Рафаэль научился смешивать цвета, изучая работы Леонардо. Кроме того, он научился рисовать спиралевидные и пирамидальные композиции, наблюдая за Микеланджело. Таким образом, Рафаэль стал мастером изображения натурализма, классицизма и композиции. Также он освоил четкость форм и мазков цвета.
С этим репертуаром он заслужил место в качестве одного из трех великих мастеров эпохи Возрождения наряду с его самыми вдохновляющими художниками Леонардо и Микеланджело. Наконец, творчество Рафаэля оказало огромное влияние на последующие поколения современных художников, особенно на Братство прерафаэлитов XIX в.век.
Теперь, когда вы лучше понимаете, кем был Рафаэль и его жизнь, давайте взглянем на его работы. Я решил составить хронологический список, чтобы вам было легче увидеть развитие его искусства и его путь как художника.
12. Мадонна с младенцем и книгой
Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
1502-1503 | Масло на деревянной панели | Музей Нортона Саймона (Пасадена, Калифорния)
Дева Мария (Мадонна) сидит с младенцем Иисусом на коленях сбоку и держит молитвенник.
В этой картине важно использование цвета и формы: голубая мантия Богородицы обрамляет сцену и привлекает зрителя. Рафаэль изобразил Мадонну с выражением нежности, чтобы очеловечить ее в остальном божественную ауру.
Рафаэль нарисовал это, когда ему было 19 лет. Он заканчивал свое формирование под руководством Перуджио и находился в процессе переезда во Флоренцию. Значение этой картины в том, что она станет основным продуктом его творчества. Сразу после этой картины Рафаэль напишет 17 Мадонн. По словам Джулии Бриггс, мадонны стали пресловутой работой на хлеб с маслом, которая долгое время поддерживала Рафаэля.
Мадонна была культовым произведением искусства эпохи Возрождения. Поэтому, освоив это произведение, Рафаэль рано показал свое знание референсов и качество своей работы.
11. Мадонна в розовых тонах
Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
1506-1507 | Масло на тисе | Национальная галерея (Лондон)
В отличие от предыдущей Мадонны, Рафаэль меняет изображение фигур, добавляя динамизма и более человеческого и реального взаимодействия между ними.
На самом деле, это перекликается с «Мадонной Бенуа» Леонардо да Винчи.
Кроме того, Рафаэль помещает гвоздики в центр картины, между Девой Марией и Христом. Это ключевая тема картины, которая лучше видна в оригинальном названии на итальянском языке: Ла Мадонна деи Гарофани . Гарофани означает гвоздики. Гвоздика — это план, имеющий символическое значение в христианских ритуалах. По словам Дженни Дэвис, он отражает божественную любовь между божественной матерью и ее сыном. Кроме того, это намекает на Страсти Христовы.
Рой, Спринг и Плаццотта заявляют, что эта картина важна еще и потому, что в ней используется гораздо более простая цветовая палитра, чем та, что обычная для Рафаэля. Эта простота заставила историков и защитников природы долгое время полагать, что это копия, подделка или работа других художников. Однако в 1991, эксперт эпохи Возрождения сэр Николас Пенни подтвердил его оригинальность.
10. Показания
Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
1507 | Масло по дереву | Галерея Боргезе (Рим) | Альтернативные названия: Пала Бальоне, Погребение Боргезе или Погребение
Это центральная панель трехчастного алтаря, заказанного Аталантой Бальони из Перуджи в память о ее убитом сыне Грифонетто.
Это перекликается с темой смерти и погребения Христа. Это визионерская картина с точки зрения композиции и использования цвета. По словам Фрэнка Стеллы, почти столетие спустя это повлияет на мастеров тенебризма.
Вы можете видеть диагональную линию, которая переносит фигуры и зрителя в центр сцены, где находится мертвое тело Христа. Драматический реализм окружает сцену. Кроме того, он создает контраст с буколическими и нежными выражениями предыдущей Мадонны.
Но если вы действительно хотите понять это произведение, вам нужно понять его контекст. Итальянское общество было жестоким со времен кондотьерских войн позднего средневековья. Более того, семья Бальони сама была кондотьером (капитанами наемных войск). Поэтому они жили в опасной среде, которая стала причиной смерти их сына. Таким образом, «Отложение» в некотором смысле отражает эту жестокую смерть, когда Иисус вторит Грифонетто.
См. Экскурсии по галерее Боргезе в Риме
9. Афинская школа
1509-1511 | фреска | Комнаты Рафаэля (Ватикан)
Это одна из главных фресок Станца делла Сеньятура: одна из 4 комнат, украшенных работами Рафаэля в Ватикане.
Афинская школа изображает древних и современных мыслителей и философов. Центральными фигурами являются Аристотель и Платон. Если вы внимательно присмотритесь, то увидите, что Рафаэль изобразил Платона, как Леонардо да Винчи, которым он восхищался. Более того, Рафаэль изобразил на фреске себя в черной кепке.
Из его биографии Вазари мы знаем, что он сделал некоторые переделки после того, как увидел Сикстинскую капеллу Микеланджело, которая расписывалась в то же время. Так он изменил композицию фигур на своей фреске. Очевидно, Микеланджело вдохновлял Рафаэля (хотя Вазари намекает, что его коллега-великий мастер, похоже, не оценил этот жест). Самым замечательным аспектом этой картины является использование перспективы и пространства для создания различных фигур, повествований и иерархий.
Рафаэль обращается здесь к философии как к главному предмету, являющемуся ключевой темой эпохи Возрождения. Более того, эта фреска находится в комнате, воспевающей мудрость. В эпоху Возрождения человеком движет логика, научные достижения и глубокая связь с древним классическим прошлым.
И эта фреска охватывает все эти аспекты. По этой же причине это моя любимая картина Рафаэля. Потому что в нем содержится такое глубокое понимание человеческой природы.
Посмотреть все Экскурсии по Ватикану
8. Парнас
1509-1511 | фреска | Апостольский дворец (Ватикан)
Эта фреска находится в той же комнате, что и Афинская школа . На самом деле Рафаэль работал над ней сразу после завершения предыдущей фрески.
Произведение изображает Аполлона как бога искусств, рядом с которым находятся 9 муз, 9 римских поэтов и 9 современных гуманистов. Симметрия была очень важна в искусстве эпохи Возрождения: поскольку муз было 9, остальные элементы в этом произведении должны были последовать их примеру, чтобы быть равными в пропорции и иерархии.
По словам Алексиса Р. Кулотты, люнет на этой фреске изображает поэзию, потому что для Рафаэля это было самым важным литературным выражением. Наряду с другими работами в этом зале «Парнас» представляет собой воплощение человеческого знания.
7. Триумф Галатеи
1512 | фреска | Вилла Фарнезина (Рим)
На этой фреске изображена Нереида Галатея из греческой мифологии, торжествующая в колеснице, гонят дельфинов. Эта картина подчеркивает лучшие достоинства Рафаэля как живописца. Это тела, наполненные движением благодаря своей спиральной композиции и мастерскому использованию цвета для определения пространства, формы и движения.
Согласно Паолетти и Радке, Галатея была собственной интерпретацией и заимствованием Рафаэлем картины Боттичелли «Рождение Венеры» . Это важно, потому что «Галатея» была одной из первых работ, созданных для Агостино Киджи. Таким образом, создание такого точного и свежего произведения искусства, которое по-прежнему брало за образец недавних мастеров, было бы отличным способом произвести впечатление на новых покровителей и обеспечить будущую работу.
6. Часовня Киджи
c.1512-1516 | Архитектурный дизайн | Альтернативное название: Часовня Мадонны Лорето | Базилика Санта-Мария-дель-Пополо (Рим) | Бесплатно
Это единственное сохранившееся религиозное здание, где он работал архитектором.
Есть 2 источника вдохновения для дизайна Рафаэля: базилика Святого Петра и Пантеон. По сути, эта часовня является своеобразным мини-пантеоном покровителя Рафаэля.
Однако самым значительным проектом, который Рафаэль сделал для этой часовни, помимо архитектурных работ, является украшение купола. Он содержит прекрасную мозаику сотворения мира. Рафаэль снова объединяет античную мифологию и объединяет ее с христианским мифом. В этой часовне есть еще много элементов, заслуживающих внимания. Однако Рафаэль умер до ее завершения, и многие художники после него достроили эту капеллу.
Меценатство было очень важным аспектом искусства и карьеры Рафаэля. Более того, быть покровителем было признаком того, что вы были человеком богатым, стильным и знающим тенденции того времени. Это был символ статуса как для комиссара, так и для художника. По словам Шерил Э. Рейсс, Агостино Киджи был самым важным светским покровителем Рафаэля и уполномоченным этой часовни. Кроме того, большая часть работы Рафаэля в Риме за пределами Ватикана была связана с этим богатым банкиром.
5. Сикстинская Мадонна
Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
c.1513-1514 | Холст, масло | Альтернативное название: Мадонна-ди-Сан-Систо | Gemäldegalerie Alte Meister (Дрезден)
Здесь Богородица держит Иисуса, со святыми Систом и святой Варварой по бокам и путти или херувимами внизу. По словам Джулии Бриггс, эти путти сами по себе являются знаковыми. Кроме того, это одна из последних работ Маддоны, которую нарисовал Рафаэль. Вы можете увидеть эволюцию по сравнению с предыдущими. Например, насыщенность цвета показывает, что он находился под сильным влиянием венецианских художественных школ того времени и освоил эту технику.
Согласно Клейнбубу, интерпретация этой картины заключается в том, что эта Мадонна является привидением, связанным с вознесением самого Систа на небеса. Он указывает на эфирное ощущение, придаваемое сцене облаками и движением мантий. Кроме того, Богородица прямо смотрит на зрителя, как бы удерживая нас, участников этого видения.
Наконец, это одна из двух его картин маслом на холсте.
Папа Юлий II заказал картину в память о своем покойном дяде Папе Сиксте IV. Первоначально он находился в церкви Сан-Систо (Пьяченца).
4. Портрет Бальдассаре Кастильоне
Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
1514-1515 | Холст, масло | Лувр (Париж)
На нем изображен Бальдассаре Кастильоне, выдающийся итальянский придворный и писатель. На самом деле Рафаэль и Бальдассаре были хорошими друзьями. На портрете изображен мужчина в мрачной одежде и с добрым, но сдержанным жестом. Хотя это гораздо менее красочная палитра, чем та, к которой мы привыкли из других картин Рафаэля, эти цвета говорят об изображенном человеке, его личности, его статусе. Кроме того, это единственная другая работа Рафаэля маслом на холсте.
По словам Норберта Шнайдера, Бальдассаре только что написал книгу о том, как следует одеваться культурному человеку и придворному. Таким образом, портрет Кастильоне делает его элегантным, но мощным, утонченным, но величественным, что Рафаэль подчеркивает мягкими, но четко очерченными изгибами одежды.
Этот портрет считается одним из самых влиятельных в искусстве, особенно для изображения мужских фигур. Композиция и манера поведения, которые изображает Рафаэль, повлияют на творчество таких великих художников, как Тициан и Рубенс. По словам Джонса и Пенни, эта работа также расходится с другими работами Рафаэля. Контекст и исполнение этой картины предполагают, что это могла быть личная работа, выполненная в знак признательности его другу или в качестве услуги Кастильоне, которую он отправил домой. Из-за своей работы придворным он провел много времени в Риме вдали от своей семьи, по которой он очень скучал, как это видно из его сочинений.
Просмотреть все Экскурсии по Лувру
3. Мультфильмы о Рафаэле
1515-1516 | Чертежи | Музей Виктории и Альберта (Лондон)
Сохранившиеся карикатуры (7 из 10) представляют собой полномасштабные эскизы гобеленов, заказанных Папой Львом X для Сикстинской капеллы. Они считаются сокровищами искусства эпохи Возрождения и поворотным моментом в карьере Рафаэля.
Фактически, важность этих карикатур очевидна на протяжении 18 и 19 веков. Это потому, что они стали одними из самых популярных произведений искусства, переведенных в печать. Что касается самих гобеленов, то их больше нет в часовне, но теперь их можно увидеть в Галерее гобеленов (музеи Ватикана).
По словам Пола Джоаннидеса, эти изделия выполнены с гораздо более высоким мастерством, чем другие изделия, описанные в этой статье. Он говорит, что это потому, что, когда Рафаэль работал над этими произведениями, и он, и папа считали их наивысшим приоритетом в своем списке работ, которые необходимо завершить. Так художник сосредоточился на получении наибольшего результата. Изображения, взятые из евангелий и деяний апостолов, отличаются героической и суровой простотой, которая действительно отличает их от остальных произведений, которые Рафаэль будет создавать с этого момента.
Чтобы полностью понять эти произведения, нам нужно понять их покровителя. Папа Лев X поставил перед собой личную миссию оставить свой след в Сикстинской капелле, которая уже была полна работ и влияний других пап.
Таким образом, эти гобелены имели решающее значение для его статуса понтифика. Более того, перед Рафаэлем стояла огромная задача.
Создавая эти проекты, Рафаэль должен был каким-то образом подражать стилю остальной части часовни. Кроме того, он должен был учитывать, что ткацкий станок будет производить обратное изображение его картин. Это стало испытанием для всех вовлеченных сторон. Но это также показывает важность статуса пап эпохи Возрождения и их покровительство таким мастерам, как Рафаэль.
2. La Fornarina
Galleria Nazionale d’Arte Antica, общественное достояние, через Wikimedia Commons
1518-1519 | Дерево, масло | Альтернативное название: Портрет молодой женщины | Galleria Nazionale d’Arte Antica (Рим)
На этой картине изображена частично обнаженная молодая женщина с тонкой и открытой вуалью на животе. Она также носит красочный тюрбан на темных волосах и красную юбку, закрывающую нижнюю часть тела.
Эта картина не похожа ни на одну другую в коллекции Рапаэля.
По словам Джилл Берк Хименес, художница не изобразила ничего столь откровенного, как эта полуобнаженная женщина. Имя Ла Форнарина (дочь пекаря) происходит от одной из интерпретаций ее личности. Хименес предполагает, что женщиной была Маргарита Лути, дочь пекаря из Сиены, которая, возможно, была любовницей Рафаэля.
Джоанна Вудс-Марсден предлагает альтернативное прочтение этого портрета как общего изображения идеала женской красоты эпохи Возрождения. Она подчеркивает внешний вид женщины. Это похоже на скрытую Венеру из Древней Греции и Рима, где Венера появляется обнаженной и пытается прикрыть грудь. Другие теории считают, что это может быть портрет женщин, живущих на обочине общества: ведьм и проституток.
1. Преображение
1516-1520 | Древесина темпера | Пинакотека Ватикана (Ватикан)
На этой картине изображено преображение Иисуса. По словам Кристиана К. Клейнбуба, эта картина отражает внутренний религиозный диалог Рафаэля и его любопытство к фактической телесности чуда преображения.
Клейнбуб утверждает, что тело Христа кажется другого размера и пропорций по сравнению с остальными частями картины, что предполагает изменение стиля, перспективы и творческого процесса. Фактически, многие историки искусства считают преображение предшественником техник маньеризма конца 16 века, таких как стилизованные искривленные тела и техника светотени в стиле барокко.
В христианской литургии преображение является одним из чудес Христа, когда Он становится сияющей божественной фигурой на вершине горы, где он и некоторые из его учеников молятся. Более того, оно считается одним из величайших чудес, потому что, в отличие от остальных, это действительно происходит с ним, символизируя его божественное совершенство. В некотором смысле это метаморфоза, которая приветствует отсылки к греческой мифологии, столь прекрасно воплощенные Рафаэлем в его предыдущих картинах. Интересно, что преображение — гораздо более популярная тема для религиозного искусства в пасхальной и православной христианской традиции, чем в западном христианстве.
Leave a Reply