Видео история одежды: История моды. Бренд пляжной одежды и купальников Gottex

Содержание

История моды. Бренд пляжной одежды и купальников Gottex

Мы запускаем рубрику «История моды с «Эстель Адони» , в которой будем рассказывать вам об истории наших брендов. И начнём мы с одной из самых любимых марок — Gottex! С 1956 года этот израильский бренд каждый сезон создает уникальные коллекции купальников и пляжных аксессуаров, обожаемых девушками со всего мира, среди которых знаменитые бизнес-леди, актрисы, певицы и топ-модели! С чего все начиналось… Талантливая Лея Готтлиб, энергия молодого Тель-Авива и вдохновение на создание совершенно новой пляжной моды — в нашем первом видео, посвящённой марке Gottex.

За последние пять десятилетий этот израильский бренд прочно утвердил свой эксклюзивный статус в мире пляжной моды, как «роллс-ройс» в мире автомобилей. Знаменитая изящная монограмма из шести букв стала обязательной принадлежностью гардероба элегантных изысканных женщин с безукоризненным вкусом. Благодаря Gottex купальный костюм сначала стал самостоятельным видом одежды, а потом вызвал к жизни целую серию аксессуаров. Сегодня Gottex прочно ассоциируется с роскошью, дерзостью и шиком.

Принцесса Диана в купальнике леопардовой расцветки; непринужденная и элегантная, облаченная в классический купальный костюм, испанская королева София в летнем доме на Пальма-де-Майорка; великолепная и по-кошачьи грациозная Наоми Кемпбелл в пламенно-красном комплекте с длинными рукавами и жемчужным корсажем; статная Анджелина Джоли в винтажном белоснежном купальнике рядом с Брэдом Питтом – вот те немногие фотографии, облетевшие мир, где изображены знаменитости в купальниках марки Gottex.

Бренд представлен в салонах «Эстель Адони», Estelle A-Store, Estelle Haute Creation

Cмотрите видео на нашем канале youtube:

<br />

Адреса

Больше интересных историй в нашем instagram

фото, видео и интересные статьи о женской и мужской моде

12 457

Мода и стиль

Жизнь

Интересные факты

Америка 60-х — популярные вещи в США 1960-х годов

Подборка популярных вещей в Америке, США во время 1960-х годов. Вы узнаете во что играли дети, что…

10 153

Знаменитости
Мода и стиль

Супермодели XX века тогда и сейчас

Супермодели тогда и сейчас. Фотографии в молодости и старости 30 популярных топ-моделей XX века,…

23 752

Мода и стиль

Модная женская и мужская одежда 1980-х годов

15 популярных женских и мужских модных вещей гардероба 80-х годов. Одежду, которую использовали…

2 030

Мода и стиль

10 самых знаменитых ТОП-моделей 90-х годов

Десятка самых знаменитых топ-моделей 90-х годов — фотографии, параметры красоты и краткие…

11 266

Мода и стиль

События

Софи Лорен и Джейн Мэнсфилд — история знаменитой фотографии 1957 года

История знаменитой фотографии 1957 года, на которой Софи Лорен смотрит на полуобнаженную грудь…

9 895

Мода и стиль

Музыка

Грейс Джонс – фотографии и биография актрисы, певицы, модели и подруги Дольфа Лундгрена

Краткая биографи и фотографии в молодости Грейс Джонс (Grace Jones) — знаменитой американской…

3 315

Мода и стиль

Идеальная женская фигура 1930-х – фото модели Джун Кокс

Фотографии модели Джун Кокс — идеальной женской фигуры в 1930-х годов по версии журнала LIFE….

2 396

Культура

Мода и стиль

Модели Диор в Москве – мировая мода в СССР 1959

Дефиле по улицам Москвы и другие приключения французских моделей бренда Кристиан Диор, приехавших в…

10 093

Знаменитости
Мода и стиль

Мелания Трамп — фото в молодости, модель в 16 лет

Первые фотографии и шаги в модельном бизнесе Мелании Трамп, словенской фотомодели и первой леди США….

5 253

Мода и стиль

Женская мода старого Голливуда: 20-х, 30-х, 40-х годов XX века

Краткая история женской моды 20-х, 30-х, 40-х годов XX века и коллекция фотографий с актрисами в…

5 296

Изобретения

Мода и стиль

Жизнь

События

Бикини 1950-х — фотографии девушек-звезд в откровенных купальниках

Подборка фотографий 50-х годов 20 века на которых знаменитые актрисы и модели того времени…

4 657

Мода и стиль

Модные женские шляпки 1950-х годов «Emme Hats»

Цветные фотографии модных женских шляпок середины 20 века от дизайнера Адольфо Сардинаса, который…

3 444

Мода и стиль

Жизнь

Фото знаменитостей 90-х — жизнь звезд до Инстаграма

Редкие фотографии знаменитостей 1990-х годов с пафосных мероприятий на красной дорожке еще до…

1 876

Мода и стиль

Шорты дельфин — модный тренд девушек-подростков 1980-х годов

Модный тренд девушек 80-х годов шорты Дельфин (Dolphin) — особые унисекс шорты для занятия легкой…

2 957

История успеха

Знаменитости
Мода и стиль

Дороти МакГоуэн: фото в молодости, биография и карьера модели и актрисы из Нью-Йорка

Биография, карьера и фотографии в молодости Дороти МакГоуэн (Dorothea McGowan): бывшей модели…

7 690

Мода и стиль

Жизнь

Женская мода СССР 1960-х и 1970-х

Красивые цветные фотографии модной женской одежды в СССР 1960-х и 1970-х годов с моделями на фоне…

4 458

Мода и стиль

Японская женская мода 1960-х: фото из модного журнала для молодежи Японии

История женской моды Японии 1960-х годов, которая была в стиле хиппи и смеси цветов Запада и…

Загрузить еще

Что читать о культуре одежды • Arzamas

Людмила Алябьева, шеф-редактор журнала «Теория моды», выбрала несколько книг (в том числе вышедших в книжной серии возглавляемого ею журнала), с которых лучше всего начинать занятия историей и теорией моды

Подготовила Людмила Алябьева

Любой разговор лучше всего начинать вести с теми, кто владеет информацией из первых рук, поэтому и мы начнем с мемуаров.

«Одевая эпоху» — книга мемуаров модельера Поля Пуаре (М., 2011), впервые опубликованная в 1930 году. Пуаре целенаправленно создавал миф о себе как об абсолютном монархе мира моды, влиятельном, деспотичном и величественном, способном, как по мановению волшебной палочки, упразднять одни моды и приводить им на смену другие. К примеру, он заявляет: «И вот я, опять-таки во имя свободы, упразднил корсет и ввел в обиход бюстгальтер». «Правда, — продолжает мэтр, — ногам при этом стало тесно» — имея в виду свое экстравагантное нововведение, «хромую юбку», в которой дамам было «трудно ходить и садиться в экипаж». Но король решил — король сделал, поэтому хоть и жалуются, но носят все поголовно — такова логика модного тирана.

В 1911 году Пуаре с девятью манекенщицами отправился в турне по Европе и доехал даже до Петербурга и Москвы, о чем рассказал в своих мемуарах в нескольких захватывающих пассажах. Дефиле в Санкт-Петербурге проходило в театре, войдя в который Пуаре «поразился количеству красных крестиков, которыми на схеме зала были обозначены абонированные места. Я похвалил кассира за хорошую работу, но тот ответил, что крестики означают не абонированные места, а оставленные за полицией. Чем больше важных персон находилось в зале, тем больше мест оставляли для полицейских. <…> Дабы убедиться, что в складках нарядов манекенщиц не скрыта какая-нибудь адская машина, начальник полиции весь вечер провел в комнате, где они переодевались. Полетта Полетта — одна из манекенщиц Пуаре. пожаловалась мне на его бестактное поведение и попыталась объяснить, что его присутствие всех стесняет, но он отказался уйти. По окончании дефиле я попросил Полетту дать ему два рубля на чай, и она осторожно вложила деньги ему в руку, а он преспокойно взял их».

Особый интерес представляет автобиография «Моя шокирующая жизнь» Эльзы Скиапарелли (М., 2008), написанная живым языком и полная самых разных анекдотов из жизни выдумщицы и настоящего трикстера от мира моды. Именно Скиап (как ее прозвали в Париже) ввела в моду цвет яркой фуксии, или «шокирующий розовый»; первой придумала газетные принты, трикотажные свитера, а позднее и ткани с использованием эффекта оптической иллюзии; сделала по эскизам Сальвадора Дали шляпку в виде женской черной туфли, дамскую сумочку в форме телефона и много чего еще, что до сих пор из года в год всплывает в коллекциях других дизайнеров.

Скиапарелли, как и Пуаре, посчастливилось побывать в России — правда, уже в советской: в 1935 году ее пригласили в Москву на «Ярмарку промышленных образцов Франции», куда она и отправилась на поезде вместе со своим агентом и фотографом Сесилом Битоном. Она описывает, как в Москве ела исключительно сухой хлеб с черной икрой и иногда севрюгу, а пила только водку. В связи с визитом Скиапарелли в западной прессе распространилась новость, будто она разработала туалеты для советских женщин. Сама Скиап описывала это так:

«Я нарисовала очень скромное черное платье, типично в моем стиле, с высоким воротом, которое можно надевать и на работу, и в театр, но, придя открывать Дом моделей на Сретенке, поняла, что под модой в СССР понимают что-то совсем другое. Под стеклянным шаром медленно поворачивались электрические манекены, демонстрируя довольно странные туалеты, точнее, странные для меня: мне-то думалось, что одежда работающих людей должна быть простой и практичной, а тут — оргия шифона, бархата и кружев.

— Это куда же надевать? — осведомилась я. — На концерт?

И вскоре получила ответ той же монетой, когда упомянула о коктейлях:

— А что такое коктейли?

— Ну, это когда после работы пьют водку.

— Но зачем переодеваться, чтобы выпить?»

По следам путешествия Скиапарелли в Россию в Vanity Fair была опубликована карикатура мексиканского художника Мигеля Коваррубиаса, изображающая одетую в красный комбинезон Скиап, спускающуюся на парашюте рядом со Сталиным, одетым в зеленый комбинезон. В полете они дискутируют о моде.

Не менее живые и остроумные мемуары опубликовала в 1984 году легендарный редактор моды, в разное время работавшая в Harper’s Bazaar и Vogue, а также куратор модных выставок в Метрополитен-музее Диана Вриланд (Diana Vreeland. D. V. New York, 1984). Фотограф Ричард Аведон, с которым Вриланд сотрудничала больше сорока лет, заметил: «Диана изобрела профессию редактора моды. До нее были светские дамы, которые примеряли шляпки на других светских дам». В автобиографии Вриланд нескучно рассказывает о своей нескучной жизни, практически с каждой страницы выстреливая в читателя очередным афоризмом вроде «Не бойтесь быть вульгарной, бойтесь быть скучной» или «Нет нужды рождаться красивой, чтобы быть дьявольски привлекательной». После своего прихода в Harper’s Bazaar в 1937 году Вриланд начала вести колонку «Почему бы вам не?..», в которой обращалась к своим читательницам с самыми экстравагантными предложениями — например, «Почему бы вам не перешить свое платье в пижаму?», «Почему бы вам не украсить выхлопную трубу автомобиля мехом?», «Почему бы вам не нарисовать на стенах детской карту мира, чтобы у детей не был ограниченный взгляд на жизнь?». Если судить по мемуарам, кажется, что эта рубрика явилась отражением жизни самой Вриланд, которая примеряла такие «почему бы» далеко не только к своему гардеробу.

Тем, кто делает первые шаги в области изучения костюма, могу посоветовать перейти к четырехтомнику Марии Мерцаловой «Костюм разных времен и народов» (М., 1993; М., СПб., 2001), которая прослеживает развитие формы костюма с самых древних времен до XIX века, обращая внимание на возникновение и эволюцию отдельных предметов одежды, из которых одни прочно вошли в наши гардеробные, другие оказались по разным причинам забытыми, а третьи сохранились, изменившись до неузнаваемости. Особенную ценность труда Мерцаловой составляют многочисленные иллюстрации с очень подробным комментарием, каждый из которых, как нередко случается со сносками, тянет на отдельное микроисследование.

Свои изыскания в области истории костюма лучше всего продолжить чтением работ Раисы Кирсановой. Ее книги «Розовая ксандрейка и драдедамовый платок: костюм — вещь и образ в русской литературе XIX века» (М., 1978) и «Костюм в русской художественной культуре» (М., 1995) представляются мне необходимым этапом взросления для каждого, кто по какой-то причине решил заняться этой темой. Особенно это важно для тех, кто интересуется отечественной историей костюма.

Ознакомившись с историей костюма, можно переходить к книгам, которые предполагают наличие базовых знаний в этой области. Здесь лучше всего начинать с исследования Элисон Лури (Alison Lurie. «The Language of Clothes». London, 1992), очень неплохого и весьма доступного введения в семиотику одежды. Автор видит в одежде язык и умеет объяснить его риторику, грамматику и лексику. Как через одежду выражаются возраст человека, его социальный статус, политические убеждения, отношение к сексу? О чем говорят цвет и узор ткани, как толковать язык костюма в зависимости от места и времени, в чем разница между консервативной и альтернативной модой? «Если одежда — это язык, то у нее должна быть… своя грамматика», — замечает Лури и, продолжая сравнительный ряд, предполагает, что «отделка и аксессуары — это прилагательные или наречия», а пряжки на обуви и пуговицы на рукавах пиджака — «определения в предложении — каковым является костюм в целом».

Обязательным чтением для всех, кто интересуется историей и теорией моды, является также работа американского историка костюма Энн Холландер «Взгляд сквозь одежду» (М., 2015). Монография Холландер представляет собой настоящее детективное расследование того, какая одежда на картинах была тогдашней модой, какая — данью традиции, какая — театральной драпировкой, а какая — вообще художественной условностью, невозможной в реальном трехмерном мире. Метафоры, образы, символы в одежде, противоречия языка европейского гуманизма, становление просвещенного взгляда на одежду, новые статусы тела в промышленную эпоху, толерантность и спортивная красота наших дней — все эти темы рассмотрены на высоком академическом уровне, что ставит исследование Энн Холландер в ряд важнейших научных трудов по истории европейской культуры.

В частности, несколько страниц «Взгляда сквозь одежду» посвящены многозначности черного цвета в европейской культурной традиции. Так, в начале XIX столетия черный стал неотъемлемым атрибутом костюма денди и одновременно «рокового мужчины» (байронического героя):

«Он представлял собой скитальца, который не то чтобы уж вовсе обязан был оказаться на поверку слугою дьявола, но все же располагал загадочной темной силой, и эта сила делала его неподвластным обычным людским заботам и чувствам. Он был несчастен; и иначе как в черном представить его было практически невозможно. <…> В людском воображении Браммел и Байрон шли рука об руку, да так и продолжают до сих пор прогуливаться парой. Новый черный мужской костюм, принципиально выстроенный вокруг мотивов одиночества и отстраненности — тем более заметных на фоне год от года все более простых по фасону и все более светлых женских платьев послереволюционной эпохи, — содержал в себе среди прочего еще и скрытую пародию на сакральные и монашеские смыслы черного цвета. Он подчеркивал аскетическую мужскую самоизоляцию от эмоционально и прокреативно насыщенной женской жизни (разноцветность и изменчивость как раз и служили выражением этих качеств)».

Еще одним важным пунктом этого списка является книга Элизабет Уилсон «Облаченные в мечты: мода и современность» (М., 2012) — первопроходческое исследование (его первое издание вышло в 1985 году), посвященное формированию моды как особого культурного института в западном обществе и эстетического средства для выражения идей, желаний и убеждений, в нем циркулирующих. Отдельные главы книги посвящены истории модной индустрии, конструкциям женственности и мужественности в западной культуре, эротическим аспектам моды, взаимоотношениям моды и городской жизни и моды и массовой культуры, а также альтернативным стилям.

Монография Кристофера Бруарда «Модный Лондон» (М., 2016), представляет собой исследование модной географии Лондона, истории отдельных районов, модных типов и магазинов. Автор исходит из положения, что рождение и развитие моды невозможно без города. Поэтому свой анализ он выстраивает на примере Лондона, который пережил становление дендистского стиля, стремительный индустриальный рост (в том числе в производстве одежды), а затем весьма важные субкультурные сдвиги, которые окончательно утвердили его в качестве одной из важнейших мировых столиц моды наряду с Парижем, Миланом и Нью-Йорком.

Идею Бруарда в некотором смысле продолжил Скотт Шуман, создатель модного блога The Sartorialist, в котором он размещает фотографии интересно одетых людей, замеченных им на улицах Нью-Йорка, Лондона, Парижа и Милана, фиксируя взаимоотношения уже современных городов и моды. В 2009 году Шуман издал свою первую книгу, в которую включил 512 фотографий, сделанных с октября 2005 по июнь 2009 года. Ресурс Шумана задал золотой стандарт в области модного блогинга, а в 2007 году журнал Time включил The Sartorialist в топ-100 изданий, влияющих на моду и дизайн. Деятельность Шумана и других модных блогеров, кружащих по городам с камерами в руках, в очередной раз доказывает высказанное Элизабет Уилсон предположение, что именно город предоставил моде «идеальную экологию бытования моды». В 2012 году Скотт Шуман выпустил вторую книгу об уличной моде, «The Sartorialist: Closer», в которой значительно расширил географию своей модной охоты, включив в нее фотографии в том числе и из новых центров моды вроде Стокгольма или городов Японии и Кореи.

Монография Сьюзан Дж. Винсент «Анатомия моды: манера одеваться от эпохи Возрождения до наших дней» (М., 2015) представляет собой захватывающее исследование того, как в разные времена одевались или, напротив, обнажались различные телесные зоны, каким образом костюм помогал моделировать и акцентировать определенные части человеческого тела за счет нивелирования других. На страницах книги вы найдете великое множество увлекательных одежных анекдотов, которые в умелых руках автора становятся стежками в расшивании подробной анатомической карты истории костюма. К примеру, говоря о шее, Винсент вспоминает историю шейного платка, который, как принято считать, придумал крахмалить Джордж Браммел. Когда денди, спасаясь от долгов, перебрался на континент, его современник написал:

«Повернувшись в конце концов спиной к Великобритании, в качестве прощального подарка он оставил родине великую тайну накрахмаленного шейного платка. Столичные щеголи, неспособные разгадать ее, так страдали, что, как писали в Literary Gazette, один из них, молодой герцог, и вправду умер от горя, ибо сердце его было разбито. <…> Подобно тому как великие люди продолжают жить в своих творениях, когда самые тела их уже обратились в прах, накрахмаленный шарф Браммела и поныне украшает шею каждого модника и славит его благородный гений».

Этот список, разумеется, не претендует на полноту, но представляется мне неплохим началом долгого и увлекательного путешествия.

История моды в видео

Интересный видеоряд с советами от известных персон мира моды, которые отлично разбираются в истории моды. Они дают дельные советы как по созданию гардероба по международным правилам, так и выделяют самые лучшие особенности одежды, традиционной для россиянок. Пользуясь рекомендациями, вы легко отредактируете собственный образ и приблизите его к идеалу.

История компании моды Hugo Boss: видео

Ему удалось выжить благодаря сотрудничеству с нацистами и впоследствии «отбелить репутацию» от темного прошлого. Подробнее о том, что объединяет титана фэшн-индустрии с Формулой-1, как на его успешность влияют китайские суеверия и какой обонятельный логотип имеет немецкий модный дом – в программе.

Предыдущий выпуск Эксплуатация детского труда и рис для военных: чем поражает бизнес-гигант Mars

Основание модной империи

Фундамент модной империи Хьюго Фердинанд Босс заложил в межвоенной Германии – в 1924 году. Это было время относительной экономической стабильности Веймарской республики.

Босс рискнул открыть фабрику в городе Метцинген, где лишь на нескольких швейных машинках изготовляли одежду. Он сумел найти свою нишу на рынке, например, на его предприятии шили униформу для полицейских и почтальонов.

«После чего начали шить спортивную одежду, форму для охотников», – рассказал маркетолог, основатель агентства Digital Logic Михаил Хитряк.

Компания на грани банкротства

Через несколько лет фабрика Босса столкнулась с серьезными финансовыми трудностями. И до 1931 года предприятие оказалось на грани банкротства. Но Хьюго сообразил и вступил в национал-социалистическую партию, что открыло ему новые выгодные перспективы.

Хьюго Фердинандо Босс / Фото из Википедии

«Если взглянуть на карьеру Босса, становится понятно, что вступил он в партию не только по экономическим соображениям. Очевидно, что он был убежденным нацистом», – отметил Роман Кёстер – автор книги «Hugo Boss, 1924 – 1945».

Вскоре Хьюго получил крупный заказ на пошив коричневых рубашек для членов НСДАП. Впоследствии фабрика начала производить форму для:

отрядов СС;
штурмовых отрядов СА;
молодежной нацистской организации «Гитлерюгенд».

Предприятие Босса одевало сторонников фюрера до самого конца Второй мировой. «Но во время войны, конечно, ему не хватало рабочих рук. Он использовал труд военнопленных, в частности из Польши и Франции. Люди жили в ужасных условиях, болели, недоедали и умирали», – отметила контент-маркетолог, автор Marketer.ua Мария Цыпленкова.

Интересно Феномен кондитерского гиганта Mars: семейное дело переросло в мировую корпорацию

Отношение к работникам

Справедливости ради: в 1944 году Хьюго попытался улучшить жилищные условия и рацион своих работниц-пленниц.

«Мы можем только повторить уже известное: отношение к подневольным работникам фабрики временами было очень жестоким и доходило до принуждения. Вместе с тем к ним проявляли заботу, поэтому очень трудно прийти к однозначным выводам», – сказал Кёстер.

На предприятии Хьюго только изготавливали одежду. К разработке дизайна он отношения не имел. Известно, например, что эскизы мундиров для СС разработали члены «черного ордена» Карл Дибич и Уолтер Хек. Когда же война закончилась, за коллаборацию с нацистами бизнесмену пришлось отвечать.

«Суд признал Хьюго Босса сторонником нацистов, оштрафовал его на 100 тысяч марок и запретил вести бизнес. Но Босс подал апелляцию и выиграл ее», – рассказала Цыпленкова.

Смерть Босса

Но несмотря на это, вести бизнес Боссу не разрешили. Поэтому управление компанией перешло в руки его зятя Ойгена. Вскоре после войны в 1948 году Хьюго умер от абсцесса зуба. Под руководством Ойгена на предприятии презентовали первый мужской костюм, что стало переломным моментом для семейного дела Боссов.

Она постепенно удалялась от массового производства униформы. Зато уверенно направлялась к миру высокого фэшна. Внуки Босса – Иоганн и Уве Холи официально зарегистрировали торговую марку.

Смена собственников компании

За последние 30 лет модный дом несколько раз менял владельцев. В 1993 году его приобрел итальянский холдинг Marzotto (сегодня известный как Valentino Group).

В 2007 году акции Hugo Boss выкупила европейская инвестиционная компания Permira. Но через несколько лет и она лишилась этих активов. Сегодня более 80% акций Hugo Boss находятся в свободном обращении, то есть доступны для приобретения.

Пока модный дом писал новую страницу в своей истории, десятилетиями никто не вспоминал о его темном прошлом. «Об этой истории забывают. Забывают до конца 1990-х годов, когда она всплывает в прессе. Об этом начинают активно писать, спрашивать комментарии в компании.

Там говорят: мы ничего не знаем, мы вообще другие владельцы. Мы не имеем отношения к этой семье. Но на них давят. И они вынуждены заплатить в Фонд помощи жертвам нацизма», – рассказала Цыпленкова.

В 2011 году модный дом публично извинился за действия своего основателя. Компания даже профинансировала книгу немецкого историка Романа Кёстера «Hugo Boss, 1924 – 1945».

Роман Кёстер / Фото Фрайбургского университета имени Альберта Людвига

Автор подтвердил сотрудничество Босса с нацистами. Но в то же время опроверг некоторые мифы. Например, развеял слухи о том, что Босс был личным портным Гитлера.

Разделение Hugo Boss на несколько брендов

Новое лицо бренд получил в 1992 – 1997 годах. Когда его управляющим директором и председателем правления был Питер Литтман. По его инициативе Hugo Boss разделили на несколько брендов:

авангардный HUGO;
более классические BOSS, который одновременно разделили на Black, Green, Orange и Selection;
люксовая марка Baldessarini, которую назвали в честь дизайнера Вернера Бальдесарини.

Это помогло компании расширить аудиторию, удовлетворяя вкусы отдельных узких сегментов. «Hugo не слишком элитный, более простой. Он рассчитан на людей, у которых есть деньги, но пользуются такой одеждой ежедневно: джинсы, кофты, куртки. Boss – это гольф кашемировый, пиджаки, пальто и т.д.», – отметил Михаил Хитряк.

Разделение на бренды / Инфографика 24 канала

О разной концепции суббрендов Hugo и Boss свидетельствуют даже их логотип. В общем концепция логотипа немецкого модного дома максимально лаконична.

«В сфере одежды очень немного графических знаков. Преимущественно это шрифтовые написания фамилий владельцев или главных модельеров, ведь это – олицетворение человека-бренда», – рассказал бренд-специалист, основатель студии маркетинга и дизайна MUST Владимир Полищук.

Внутренняя революция бренда

В 2000 году бренд пережил «внутреннюю революцию». Модный дом впервые выпустил женскую линию одежды. Через 2 года начал одевать и маленьких модников. Также появились:

духи;
очки;
часы;
даже телефоны Samsung Hugo Boss.

В 2006 году в пределах Hugo Boss перестал существовать суббренд Baldessarini. Его выкупил сам кутюрье. А через 10 лет компания также решила объединить Green и Orange под общим лейблом Boss. Ведь такая разветвленность несколько запутывала покупателей.

Обратите внимание 8 моделей сумок, которые будут актуальны в сезоне осень – зима 2021/22

Ставку на монолитность бренда сделал Марк Лангер, который проработал в компании с 2010 до 2020 года. Сначала занимал должность финансового, а затем – генерального директора.

Лангер, в отличие от предшественников, сосредоточился на расширении доступных по цене линеек одежды. Он закрыл 20 неприбыльных бутиков. Зато расширил сеть точек в Азии.

Марк Лангер / Фото Hugo Boss

Ранее одежду от Hugo Boss продавали в основном в мультибрендовых бутиках. И только в 2008 году компания начала формировать собственную сеть магазинов, чтобы создать унифицированный имидж.

Аромат – основа концепции

«Тогда они начинают формировать концепцию, одним из элементов которой был аромат. Тогда мало кто использовал ароматы в магазинах так, как сейчас используют», – поделилась Цыпленкова.

По ее словам, в 2011 году Hugo Boss стал одним из первых брендов, который внедрил фирменный аромат: обонятельный логотип, который полностью ассоциируется с брендом.

По заказу Hugo Boss разработали мускусный запах с нотками цитруса. «И это действительно сработало. Очень многие покупатели спрашивают в магазинах Hugo Boss, где можно приобрести такой аромат», – также рассказала контент-маркетолог.

Бренд премиум-класса

Сегодня Hugo Boss – один из законодателей мирового фэшна. Немецкий модный дом позиционирует себя как бренд премиум-класса, который не является сторонником всевозможных скидок и распродаж. А высокие цены являются одним из факторов, благодаря которому аудитория доверяет производителям.

«Я приведу банальный пример. Обращается клиент, который имеет производство, делает, например, стол. Он стоит, допустим, по себестоимости 2000 гривен. Запускаем 4000 гривен. Этот стол не продается. Мы что делаем? Продаем его по цене 8000 гривен. И стол начинает продаваться», – рассказал Хитряк.

Похоже правило действует и среди потенциальных покупателей Hugo Boss. Представители компании, как отметил маркетолог, не могут опустить планку и снизить цену. Ведь их клиент будет покупать футболку, если она будет стоить 300 гривен.

Читайте также Самые модные купальники весна-лето 2021: в чем предлагают загорать дизайнеры

Бренд против подделки

Как и в случае многих известных лейблов, вещи от Hugo Boss пытаются копировать. Чтобы отличить брендовую вещь от подделки, нужно скрупулезно осматривать фэшн-продукты.

У настоящего аромата расстояние от бутылочки до колпачка – больше, чем в копии. Оригинальная упаковка должна быть сделана качественно, без неровностей.

Если же снять насадку с дозатора, в фейковых духах можно увидеть кольцо с засечками, в настоящих – оно гладкое. Крышечки также имеют разный вес. Фейковый колпачок весит 14 грамм, а оригинальный – 21 грамм.

Оригинальные и фейковые духи Hugo Boss: смотрите видео

В то же время когда мы покупаем джинсы от Hugo Boss, есть несколько основных вещей, которые нужно проверить. Во-первых, этикетка позади должна быть кожаной и хорошо прошитой. Во-вторых, тиснение букв должно быть рельефным.

Проект «Раз/Архивация» показывает, как одежда становится важной частью нашей истории

«А сколько у меня времени? Я могу долго про это рассказывать», – интересуется участница проекта «Раз/Архивация», которой первой выпало поделиться своей историей с аудиторией. Перед ней расположена мини-инсталляция, центральной частью которой являются брюки, давно ставшие для своей владелицы больше, чем просто предметом гардероба. Чем именно, она и объясняет слушателям. В ее рассказе, который сама девушка называет формой терапии, – эмоции, воспоминания и личные переживания, воплощением и символом которых стали те самые брюки. Позже таких историй будет еще много. Радостные и грустные, героические и не очень, громкие и камерные, магические и будничные, полные светлых и не очень воспоминаний, эти рассказы записываются на видео и аудио, чтобы позже стать мультижанровой инсталляцией. Проект разбит на пять встреч, первая из которых прошла в мае в Электротеатре Станиславского, а следующую примет 19 и 20 июня Центр моды и дизайна Всероссийского музея декоративно-прикладного и народного искусства (дальнейшее расписание будут размещать на сайте и в соцсетях проекта). Осенью уже окончательно готовую инсталляцию покажут на XIII Красноярской ярмарке книжной культуры (КРЯКК).

Тема КРЯКК-2019 звучит как «Локальные истории». «Локальная история позволяет осознать многообразие социокультурных, ментальных образцов на территории одного государства и несет в себе гуманистический потенциал, сосредотачиваясь на судьбе конкретного человека, местного сообщества, малых социальных групп, – объясняет Ирина Прохорова, организатор ярмарки и соучредитель Фонда Михаила Прохорова. – А возможность ответить на вопрос «кто мы» – это способ ощутить свою свободу, свою связь со страной, свою значимость в общей картине мира». И рост интереса к локальной истории очевиден: проекты и инициативы, связанные с изучением и популяризацией местной специфики, можно обнаружить во многих регионах.

Куратором выставочной части КРЯКК стала культуролог и шеф-редактор журнала «Теория моды» Людмила Алябьева, которая вместе с дизайнером и преподавателем Британской высшей школы дизайна Ниной Вересовой задумала превратить выставочное пространство ярмарки в масштабную текстильную инсталляцию. Помимо мультимедиа с историями вещей от реальных людей частью инсталляции станет их одежда. Но вместо идеи просто развесить вещи по периметру решили воплотить нечто более метафоричное. Из принесенных вещей-историй плетут (в буквальном смысле слова руками) текстильные сегменты, которые соберут воедино на площадке ярмарки. Финальным компонентом инсталляции станут запахи, без которых невозможно ни одно воспоминание. Делиться историями и плести начали заранее: пространство инсталляции огромно, и материала нужно много.

«Раз/Архивация» отражает сразу несколько тенденций модно-музейного дела. Во-первых, это продолжение разговора в том главном направлении, в котором сейчас движется даже самая высокая мода, – то, что при желании можно назвать «очеловечиванием» моды. Конечно, далеко не все глобальные модные дома готовы насовсем отказаться от идеи «мода – несбыточная мечта», но тем не менее очевидно, что многие делают шаги навстречу реальным людям и понемногу перестраиваются в сторону философии «мода для людей». А не «люди для моды», как это было прежде заведено. Изменения проявляются в первую очередь в попытках сделать модную индустрию более разнообразной и отражающей идеалы, стремления, чаяния и образ жизни очень непохожих людей – молодых и более взрослых, разной расы, телосложения, гендера и сексуальной ориентации. Эти заявки не всегда выглядят бесспорно и убедительно, но отрицать движение вперед невозможно. Например, всего 10–15 лет назад невозможно было представить в рекламе глобального модного или косметического бренда таких разных моделей и даже обычных людей. Сейчас же визуальная реклама и мультимедиа с минимально ретушированными фото или личными историями рекламных героев об одежде или косметике есть у любой крупной компании.

Художники с идеей личного опыта и архива вещей, историй и воспоминаний тоже работают все более активно. Прошлогодняя выставка «Ткань процветания» в московском «Гараже» собрала работы более 40 художников, посвященные одежде в искусстве вне контекста модной индустрии. Многие из них воплощали темы, схожие с теми, над которыми размышляет «Раз/Архивация»: контраст анонимного и индивидуального, рабочей униформы и личного гардероба, текстиль и одежда как способ обратиться к истории и т. п. Алябьева напоминает о проектах норвежской художницы и химика Сиссель Толаас, которая изучает ольфакторный опыт, в том числе занимается воссозданием исчезнувших запахов, а также недавнюю инициативу писательницы Линор Горалик PostPost.Media – проект личных историй, связанных с одеждой.

Наконец, важная часть современного выставочного процесса – объединение жанров. Многосоставность выставок, сочетающих визуальный материал разного характера (от живописи и скульптуры до инсталляций), мультимедиа и даже физические составные (как, например, запахи в «Раз/Архивации»), – это не только дань моде на некоторую развлекательность музейных проектов. В случае если куратор апеллирует к личным переживаниям зрителя, это еще и способ вовлечения: чтобы результат точно случился, лучше жать на все кнопки сразу.

Джинсы: история создания и моды на вещи из денима

Слово «джинса» впервые вошло в обиход еще в XIX веке — так называли особую хлопковую ткань, используемую для пошива брюк. Вскоре оно стало применяться и для определения самого предмета гардероба. Привычные нам штаны из синей джинсы (сейчас мы называем этот материал денимом) изначально изготавливались во французском городе Ним. До сих пор неизвестно, является ли слово «деним» английским аналогом названия французской ткани, или же французы решили именовать так уже существующую вещь родом из Британии. Как бы то ни было, к XX веку джинсами стали повсеместно называть брюки из плотного хлопка и денима.

Самая узнаваемая в мире модель классических джинсов из темно-синего денима, с пятью карманами и фирменными клепками, была запатентована в 1873 году. Ее создатели — портной Джейкоб Дэвис и предприниматель из Сан-Франциско Ливай Стросс. Идея использовать для крепления медные заклепки особенно понравилась шахтерам и другим рабочим, которые часто жаловались, что карманы на брюках отрывались в самый неподходящий момент. Поначалу Стросс и Дэвис выпускали штаны в двух вариантах — из коричневой саржи и синего денима, однако благодаря выпущенной в 1890 году модели 501 именно цвет индиго стал культовым для джинсов. Со временем дизайн слегка поменялся: например, добавилась фирменная оранжевая двойная строчка, которая стала отличительным знаком Levi’s, в 1922 году появились шлевки для ремня, а в 1954-м пуговицы на ширинке заменила застежка-молния. Когда в 1890 году срок действия патента Стросса и Дэвиса истек, другие производители тут же начали штамповать собственные аналоги. В 1895 году на рынок вышла марка OshKosh B’Gosh, в 1904-м — Blue Bell (позднее переименованная в Wrangler), а в 1911-м — Lee Mercantile. Во время Первой мировой войны джинсовый комбинезон Union-Alls Lee стал основой униформы всех военных рабочих.

В 1920-е и 1930-е благодаря Голливуду этот предмет гардероба начал избавляться от своих утилитарных коннотаций. Спасибо за это стоит сказать художникам по костюмам, которые одели бравых ковбоев вроде героев Джона Уэйна и Гэри Купера в голубой деним. Этот образ пришелся по душе простым обывателям, которые искали идеальные «штаны выходного дня». «Случайные» фото таких селебрити, как Джинджер Роджерс и Кэрол Ломбард, одетых в джинсы, действовали на зрителей лучше всякой рекламы: еще бы, ведь даже звезды голубых экранов их носят! В 1930-е Vogue объявил джинсы горячим трендом в духе «вестерн-шик». В 1942 году американский дизайнер Клэр Маккарделл продала более 75 тысяч экземпляров своего платья с запáхом из денима.

Джон Уэйн в джинсах Levi’s, 1939; Гэри Купер, 1940

В 1950-е джинсы стали символом бунтарства и молодости, во многом за счет кинообразов Марлона Брандо и Джеймса Дина, которые были на тот момент ролевыми моделями для подростков. Дальше пришли звезды рок-н-ролла, буквально не вылезавшие из своих узких джинсов, за ними — хиппи и активисты, выступавшие с антивоенными протестами в 1960-х и ранних 1970-х годах. В то же время брюки из денима облюбовали феминистки второй волны — для них это был знак гендерного равноправия. В 1960-е джинсы окончательно закрепились как символ контркультуры — некоторые школы даже официально запрещали этот предмет одежды.

Джеймс Дин, 1955

Марлон Брандо в фильме «Трамвай «Желание», 1951

В конце 1970-х — начале 1980-х деним начал постепенно проникать в мир высокой моды. Так, культовые джинсы Buffalo 70 Fiorucci — суперузкие, черного цвета, дорогие и практически недоступные для простого смертного — абсолютно противоречили всему, с чем ассоциировался деним до этого. Они стали настоящим хитом на танцполе «Студии 54». В 1976 году Кельвин Кляйн стал первым дизайнером, решившимся показать голубые джинсы на подиуме. В 1979-м свою знаменитую модель представила Глория Вандербилт. Невероятный коммерческий успех дизайнерских джинсов проложил дорогу более дерзким маркетинг-приемам. Да, мы говорим, в частности, о провокационных рекламных кампаниях Calvin Klein 1980-х с Брук Шилдс и Guess с Клаудией Шиффер. К 1990-м годам такие гиганты модного мира, как Versace, Dolce & Gabbana и Dior, тоже запустили свои линейки денима.

Calvin Klein весна-лето 1976

Chanel осень-зима 1993

Почти каждая декада или субкультура последних ста лет сопровождалась определенной модой на джинсы: вспомните широкие «трубы», которые носили рэперы 1990-х, джинсы с очень низкой посадкой 2000-х, темно-синий деним, который облюбовали хипстеры и интеллектуалы, или современных адептов techwear, которые не мыслят жизни без японского селвиджа. Сегодня никого не удивляет, что дизайнеры показывают вариации на тему джинсов почти в каждой коллекции, равно как и обилие денима на любой вкус в каждом масс-маркете. «Всегда говорил, что жалею лишь об одном — что не я изобрел джинсы, — сказал Ив Сен-Лоран в интервью New York Magazine в ноябре 1983 года. — В них есть экспрессия, скромность, сексуальность, простота — все то, чем я бы хотел наделить свои вещи».

Одри Хепберн, 1967

Грейс Келли, 1956; Брижит Бардо, 1957; Мэрилин Монро, 1960

Подпишитесь и станьте на шаг ближе к профессионалам мира моды.

Одежда, которую носили в Древней Греции для детей

Греческая одежда

Древние греки не очень интересовались модой! Одежда, которую они носили, была простой и предназначалась для определенной цели. (Или несколько целей!) Хотя вы часто видите картины с греками, одетыми во все белое, считается, что их одежда на самом деле была очень красочной. На рисунках и резных фигурках из Древней Греции также изображена одежда с различными узорами.

Большая часть одежды шилась дома. Ткань, из которой шили одежду, также пряли и красили дома. Один и тот же кусок ткани можно было использовать для множества вещей. Его можно было использовать и как одежду, и как постельное белье. Одежда обычно представляла собой квадратный или прямоугольный кусок ткани, который можно было прикрепить булавками или ремнем по-разному. Эти одежды обычно делались из льна или шерсти. В Греции мягкий климат с очень жарким летом, поэтому чем проще их одежда, тем лучше.

Не было большой разницы в одежде, которую носили древние греки. Небольшие различия зависели от того, кто его носил и с какой целью. И мужчины, и женщины носили одежду, называемую туникой. Туники, которые носили мужчины, доходили до колен, а туники, которые носили женщины, доходили до их ног. Туника обычно завязывалась на талии.

Женщины носили тунику под названием пеплос. Пеплос представлял собой одежду в полный рост, которую можно было задрапировать и закрепить на плече разными способами.Женщины также носили одежду, называемую хитоном. Это будет носить поверх пеплоса. Хитон обычно был очень длинным и очень полным, его можно было стянуть или пришить к плечам. Оба этих предмета одежды обычно были достаточно длинными, чтобы их можно было натянуть на пояс. В результате получился мешочек под названием кольпос. Греческие женщины также иногда носили нижнее белье вокруг середины тела, называемое строфием.

Мужчины также носили хитон, но их обычно делали из более легкого материала.Это произошло потому, что мужчинам часто приходилось работать на открытом воздухе. Мужской хитон можно было накинуть на одно или оба плеча. Греческие мужчины часто носили хитон, накинутый на левое плечо, для верховой езды или другой активной деятельности.

И мужчины, и женщины носили одежду, называемую гиматом. Химатион был плащом, который надевали в холодную погоду. Как и другие греческие одежды, гиматион можно было использовать для других целей. Для солдат, находящихся вдали от дома, его можно было использовать как одеяло. У солдат была еще одна одежда — хламида.Это был просто большой прямоугольник из шерсти, который носили как плащ. Его особенно носили солдаты.

Вы можете быть удивлены, обнаружив, что греки обычно не носили обуви. Иногда они носят тапочки или другую обувь с мягкой подошвой, но обычно предпочитают ходить босиком. Сапоги или кожаные сандалии можно было надеть по особым случаям. В Древней Греции человек мог прожить всю жизнь без обуви!

Младенцы и маленькие дети в Греции могут вообще не носить никакой одежды!

Итак, если вы планируете одеться как человек из Древней Греции для маскарадной вечеринки, вот что вам понадобится:

Туника длиной до колен, если вы мужчина, полной длины, если вы женщина.
Пеплос и хитон, если вы женщина, и не забудьте связать их на талии.
Хитон, если вы мужчина, и накиньте его на левое плечо, если едете верхом!
Гимация, на случай, если на улице холодно.
И смело ходите босиком!

Вот и все: беглый взгляд на одежду древних греков. Это было не модно, но было функционально.

Одежда коренных американцев: история и факты — стенограмма видео и урока

Обзор

В этом уроке мы будем иметь дело со стилями одежды многих различных индейских культур, и нам важно помнить, что они не разделяли чувства паниндийской идентичности на протяжении большей части истории.Это были разные культуры, каждая со своим уникальным чувством моды, но мы можем начать с изучения некоторых общих черт на континенте.

Куда бы вы ни пошли, одежда во многом определялась климатом. В теплые месяцы большинство американских индейцев носили небольшую одежду, возможно, только простые короткие накидки, называемые набойкой , и кожаные туфли, называемые мокасинами , . Женщины носили немного больше, часто прикрытые платьем в полный рост, но часто не носили ничего, кроме юбки.В зимние месяцы люди надевали рубашки с длинными рукавами, пальто и мантии. Важно помнить, что, учитывая в основном кочевой характер большинства индейских сообществ, у большинства людей был только один комплект одежды.

Материалы

Один из самых четких способов различать виды одежды коренных американцев — это материалы. Вы должны знать, что это cotton . Хлопок впервые был одомашнен в центральной части Мексики, но примерно к 1200 году н.э. собирали урожай на юго-западе Америки.Как легкий, дышащий материал, хлопок высоко ценился культурами жаркого Юго-Запада и использовался для изготовления носков, юбок и леггинсов.

В районах, где не было климата для выращивания хлопка или которые не могли торговать с поселениями на юго-западе, были доступны другие растительные волокна. Народы Юго-Востока использовали кору тутового дерева, страны Северо-Запада использовали красное дерево, а некоторые на равнинах использовали полынь. Кора была очищена и измельчена в мягкое волокно, из которого были изготовлены леггинсы, платья, куртки и рубашки.Некоторые культуры, особенно на юго-западе, также пряли из растительных волокон сандалии.

Другим повсеместным материалом среди индейских народов была кожа животных. В частности, на Великих равнинах, где растительных волокон было мало, шкуры животных превращали в мягкий, похожий на замшу материал, который был прочным, теплым и долговечным. Затем ткань сшивали вместе с использованием сухожилий животных и игл дикобраза. Многие индейские народы также научились обрабатывать кожу, чтобы сделать ее водонепроницаемой, что было необходимо для сохранения тепла и сухости.Эта же идея является также причиной того, почему многие предметы одежды из шкуры животных покрыты бахромой ; конструкция помогает отводить воду от ткани, поэтому она быстрее высыхает.

Роли одежды

Имея в виду некоторые из этих материалов и стилей, нам необходимо рассмотреть, какую роль одежда играла в обществах коренных американцев. Только подумайте, как много для нас значит одежда сегодня; тогда это не было исключением. Предмет одежды был разработан не только из-за его полезности, но и для передачи важной информации о национальной и личной идентичности.Из какого племени вы пришли, к какой семье или клану принадлежали и какова была ваша личная история? Вся эта информация была закодирована в стиле вашей одежды и в том, как она была украшена.

Конечно, некоторая одежда имела особо важное значение. Церемониальные рубашки носили только во время религиозных ритуалов, танцев или войны. Эти рубашки были сделаны и украшены способами, имеющими глубокое духовное значение. Многие индейские культуры также использовали головные уборы в качестве важной формы церемониальной одежды.В этих важных головных уборах часто использовался один из самых ценных материалов, востребованных в Северной Америке: перья. Перья были очень ценным предметом, и в некоторых местах их носили только правители.

История одежды коренных американцев

Глядя на историю одежды коренных американцев, мы должны выделить по крайней мере три отдельных этапа. Во-первых, это предварительная фаза контакта, с которой мы в основном имели дело до сих пор. В одежде до прихода европейцев использовались местные материалы и методы по-разному.

После того, как европейцы прибыли в Северную Америку, сообщества коренных американцев начали использовать новые материалы и методы в своих проектах. Сюда входили такие вещи, как стеклянные бусы, шелковые или атласные ленты и даже металлические горшки, которые в некоторых восточных культурах носили как украшения и символы статуса. Конечно, появление таких вещей, как металлические швейные иглы, также было воспринято многими обществами как чрезвычайно полезный инструмент.

Третий этап охватывает конец XIX века и продолжается до наших дней и характеризуется как присвоением, так и возрождением.От кожаных курток с бахромой до рубашек с геометрическими узорами, вдохновленными навахо, — основное американское общество начало включать некоторые элементы эстетики коренных американцев в местную моду. Это присвоение было заметно в таких местах, как американский Запад, и продолжается по сей день.

В то же время мода была формой сопротивления и культурной преемственности для многих индейских обществ. Поддерживая церемониальную одежду, многие народы стараются передать свои традиции следующему поколению.Кроме того, с 1970-х годов новые волны дизайнеров одежды из числа коренных американцев постепенно завоевывают международную известность. Эти дизайнеры внедряют эстетические традиции своих культур в современную моду, внося своеобразный и уникальный вклад как в региональные, так и в глобальные стили.

Резюме урока

Давайте сделаем пару минут, чтобы повторить то, что мы узнали. Одежда и мода были важными составляющими индейского общества на протяжении тысячелетий и остаются таковыми по сей день.Традиционно большинство культур коренных американцев полагались на определенную комбинацию леггинсов; затворы , или простые короткие покрытия; и рубашка или куртка для мужчин, и леггинсы и платье в полный рост для женщин. Также носили кожаную обувь, известную как мокасины , .

Стили варьировались в зависимости от климата и доступных материалов, в том числе хлопка , который впервые был одомашнен в центральной Мексике, но собирался на юго-западе Америки примерно к 1200 году нашей эры.Материалы также будут включать волокна коры деревьев, шкуры животных и даже перья. Одежда из кожи животных часто покрывалась бахромой , дизайн которой помогает отводить воду от ткани, поэтому она быстрее сохнет. Эти стили адаптировались к появлению европейских материалов, инструментов и методов, а затем повлияли на несколько основных модных тенденций в Соединенных Штатах.

Сегодня многие известные индейские дизайнеры возвращают традиции своей культуры и с помощью новой моды.В Северной Америке долгая история моды, и она только продолжает развиваться.

самых модных музыкальных видеоклипов всех времен

Единственное, что может быть лучше отличной песни, — это отличная песня, дополненная короткометражным фильмом, который добавляет эмоциональной составляющей музыки. Затем еще одна вещь, которая может превратить эту отличную песню в настоящую CHOON, — это добавление большой моды, потому что вы тоже слышите своими глазами. (Вы понимаете, о чем я.) Вот 12 самых шикарно оформленных визуальных эффектов за всю историю.

Мисси Эллиотт, «Дождь (Supa Dupa Fly)»

Мы все виновны в неправильном использовании «культового», но это… это оно. В своем костюме с мешком для мусора и солнцезащитных очках со стразами Мисси доводит свою эстетику до предела. (Но это нормально, потому что костюм недостаточно накачан для Гинденбурга.) Также, Лил Ким.