Клод моне кувшинки описание: Описание картины «Кувшинки», Клод Моне

Клод Моне картина Кувшинки

TopKartin » Шедевры мирового искусства

• Автор: Клод Моне;
• Год: 1840—1926;
• Место нахождение: В музеях разных стран мира;
• Холст :  масло;
• Цена:
  • 19 июня 2007 года один экземпляр был продан в Лондоне за 18.5 мил. фунтов стерлингов;
  • 24 июня 2008 года другая картина из серии, «Пруд с кувшинками» продана за 41 миллион фунтов стерлингов;
  • 23 июня 2010 года «Кувшинки» 1906 года написания, были сняты с аукциона не достигнув ожидаемой цены продажи в 40 миллионов фунтов стерлингов, на торгах в “Кристис”, максимальная ставка была 29 миллионов;
  • В мае 2014 года, «Кувшинки» 1907 года написания были проданы за скромную сумму в 27 миллионов долларов.

Содержание

1. Автор «Кувшинок»
2. Ландшафтное искусство поклонника цветов
3. Водный сад Моне
4. Композиция полотна
5. Техника и приёмы исполнения
6. Впечатление
7. «Работаю с усердием»
8. Топ известных картин Клода Моне

«Кувшинки…» — это серия крупноформатных картин Клода Моне, содержащая более двухсот работ. Все они выполнены маслом на холсте. Одна из них, размером 200 х 200 см, написана в 1916 году и принадлежит токийскому Национальному музею Западного искусства. О ней и пойдёт речь, познакомимся с живописцем.

Автор «Кувшинок»

Оскар Клод Моне (1840-1926) – французский художник, стоявший у истоков импрессионизма, крупнейшего течения в мировом художественном искусстве, родиной которого стала Франция. Талант, упорство и искренняя вера, что наступает эпоха новой живописи, придали ему уверенности. Он отрёкся от старой школы живописи, желая учиться лишь у природы, полагаясь на собственные зрительные ощущения. Пейзаж, чаще всего у воды, главный жанр творчества Моне. Заряжаясь энергией от окружающей красоты и черпая в ней и самой природе вдохновение, Клод Моне создавал чудесные картины, отражающие впечатление счастливого человека, радующегося жизни. Часто, не удовлетворившись одним видом, ракурсом или освещением выбранного пейзажа, возвращался к нему не раз. Писал ли Моне кувшинки или тополя, сложенные стога или городские виды, он каждый раз находил что-то новое. Так появлялись знаменитые циклы картин.

Ландшафтное искусство поклонника цветов

Последние 43 года жизни – почти половину её – Моне провёл в Живерни, полюбившейся ему деревне в Верхней Нормандии. Когда-то художник обратил внимание на особое очарование этих мест просто из окна поезда. Переехал сюда с женой и детьми, сначала арендовал, а затем и выкупил дом с участком около 7,5 тысяч квадратных метров, и приступил к творчеству, на этот раз не только на холстах. С энтузиазмом и фантазией он начал обустраивать цветущий сад – именно живые цветы были предметом его страсти, такой же, как игра красок на полотнах. Моне обдумывал композиции, подбирал растения по высоте, оттенку лепестков и срокам цветения, сортировал, размножал, сеял, устанавливал подпорки, создавая бесконечную, меняющуюся, живую картину. Сад стал второй мастерской художника, его палитрой.

Водный сад Моне

Кувшинки “Водяные лилии” 1916 г

Особенно восхищал мастера, как и его гостей, рукотворный пруд с кувшинками, вырытый на притоке реки Эпт по проекту самого художника. Надо сказать, одним из увлечений Моне было японское искусство: дизайн, живопись, гравюры. Моне среди простых надводных конструкций построил Японский арочный мостик, насажал водяные и прочие цветущие растения – так называемый Водный сад оформил в японском стиле. Вокруг обустроил много аллей, тропинок, скамеек и укромных уголков – отсюда мастер рисовал пруд с лилиями. Можно представить, какое умиротворение и вдохновение испытывал здесь Клод Моне, «Рафаэль воды», по определению его приятеля художника Эдуарда Мане.

Композиция полотна

Блики, преломления и отсветы всегда интересовали Клода Моне. С годами на его картинах всё меньше реалистичных цветов, листвы, веток, всё больше их преломлённых, дрожащих в воде отражений. На токийском полотне Клода Моне белые кувшинки, жёлтые и красноватые лилии, их круглые сине-зелёные листья-плоты у краёв картины художником просто обрезаны. Нет линии горизонта, свисающих ветвей деревьев, прибрежного камыша – только пруд и водяные кувшинки. Этот приём создаёт у зрителя ощущение, что картина представляет собой лишь один «кадр» удивительно живописного водоёма, взглянув на который с любого ракурса, увидишь не менее завораживающий вид.

Техника и приёмы исполнения

Главные средства достижения художественного эффекта и выразительности в этом произведении – цвет и направление кисти. Овалы мокрых листьев художник выписывал, делая закруглённые мазки, лилии и кувшинки – по направлению лепестков и довольно щедро, не жалея красок – цветы становились объёмными, и даже будто тяжёлыми и влажными. Вертикальные мазки зелёного и синего цвета разных оттенков пересекают всё полотно, придавая водоёму таинственность и глубину, создавая ощущение, что видны толстые, чуть колышущиеся стебли водных растений. В местах их скопления художник применил фиолетовый и даже чёрный цвет – под сочной широкой листвой сгущаются тени и лучи солнца никогда сюда не заглядывают.

Впечатление

Картина Клода Моне «Кувшинки» очень декоративна – чудесная мозаика в приятных для глаза красках.  Больше того, она удивительно динамична, несмотря на, казалось бы, застывший «кадр» тихого в общем-то водоёма, никак не бушующего моря. Кисть мастера оживила картину: наполнила влагой, еле уловимым движением, стрекотанием сверчков и горловым пением лягушек. Так и хочется поймать взглядом рябь на воде от рыбки ли, стрекозы или лёгкого ветерка, вдохнуть тёплого и чуть влажного воздуха, да просто очутиться во Франции, в деревне Живерни, в саду великого Моне, месте его восторга, вдохновения и силы.

«Работаю с усердием»

Так писал в своём дневнике художник, когда его, словно одержимого, вновь и вновь влекло к любимому пруду. Первая серия работ предстала перед зрителями в 1909 году. Критика была в восторге. Позже серия большего формата, также изумившая публику. Шли годы, разрастались плакучие ивы, ирисы, колонии кувшинок и лилий, менялись времена года и погода.  В последние три десятилетия жизни Клод Моне сделал «Кувшинки, пейзажи воды» основной темой своих произведений, чем, по мнению Ромена Роллана, лауреата Нобелевской премии по литературе и соотечественника Моне, составил «славу страны и времени».

Смотрите также:

Понравилась статья, поделись с друзьями

Оцените автора

( 2 оценки, среднее 5 из 5 )

Клод Моне — «Кувшинки» | Великие художники

Сентябрь 11, 2012

„. ..Я погружен в работу. Эти пейзажи с водой и отражениями в ней стали моим наваждением” Моне, 11 августа 1908

Кувшинки, Закат солнца

1914-1918; 197х594 см
Музей Оранжери, Париж

„Сад Моне можно считать одним из его творений. С удивительной тонкостью художник света переделал природу таким образом, чтобы она помогала ему в творчестве, — писал Клемансо. — Сад был продолжением его мастерской”. Берта Моризо не случайно называла Моне «художником вод».

Больше всего Клод любит наблюдать пруд с водяными лилиями, смотреть на розовые и зеленоватые отблески на неподвижной воде, отображение деревьев и облаков, тени кувшинок, колыхание застилающих дно растений и тень перекинутого через пруд японского мостика.

С 1892 года водные пейзажи захватывают Моне, и он все чаще рисует пруд с кувшинками из собственного сада. В 1900 году в галерее Дюран-Рюэля были выставлены десять полотен серии «Пруд с кувшинками». Девять лет спустя та же галерея экспонировала уже сорок восемь картин серии «Кувшинки».

Пруд с кувшинками

1900; 89,5х100 см
Музей д’Орсэ, Париж

Но в 1911 году, после смерти второй жены, Моне прекращает работу. Он сломлен душевно и долгое время не пишет. Только после общения с Клемансо в 1914 году возвращается к мольберту. Моне начинает работу над серией монументальных «Декоративных панно с кувшинками».

Художник писал их в специально построенной для этой цели в Живерни просторной мастерской, где было организовано верхнее освещение.

В ноябре 1918 года, через несколько дней после окончания войны, Клемансо, которого французы называли «тигром» и «отцом победы», едет в Живерни. Уже известно, что Моне завещает своей стране серию «Декоративные панно с кувшинками», но они окажутся в музее только после смерти художника: при жизни Моне не хотел расставаться с главными, итоговыми работами своего творчества.

Моне считал этот дар своим вкладом в победу в войне 1914-1918 гг. После принятия решения о передаче «Кувшинок» начинаются поиски места, в котором мог быть размещен дар Моне. Выбор падает на парижский музей Оранжери, расположенный в садах Тюильри по соседству с Лувром. Открытие экспозиции состоится, когда Моне уже не будет в живых.

Перед смертью мастер из Живерни еще раз сформулирует определение импрессионизма: «Импрессионизм — это ощущение минуты… это вопрос инстинкта».

Великие художники, часть 2   11/09/2012 filoli.ru

• Клод Моне (титульная страница)
• Моне — импрессионист
• Жизнь Клода Моне в датах
• Моне в музеях мира

Творчество Моне

Завтрак на траве

Терраса в
Сен-Адрессе

Впечатление.
Восход солнца

Вокзал Сен-Лазар

Ла Маннепорт

Женщина с зонтиком

Стога

Собор в Руане

Темза в Лондоне

Поделиться ссылкой в социальных сетях

Великие произведения литературы II

19 мая 2017 г. UncategorizedNaveen Янв

Во время посещения Музея современного искусства я наткнулась на множество прекрасных произведений искусства. Многое из этого было трудно понять, но работа одного художника много раз привлекала мое внимание. Этим художником был Клод Моне. Клод Моне родился в 1840 году в Париже, Франция. В 1974 году после художественной выставки критик назвал стиль живописи Моне «Впечатление» оскорблением. Потому что это не было реализмом. Монат страдал от депрессии, болезней и бедности на протяжении всей своей жизни.

Картина, которую я выбрал, называется Агапантус (1914-1926). Является частью многих картин Моне, называемых «Водяные лилии». Они основаны на его наблюдениях за природой. Обычно они были из его сада. Агапантус — это растение родом из Африки, которое Моне много посадил в своем саду. Эта работа является прекрасным примером модернизма, потому что она меньше фокусируется на формах и больше на абстракции и технике. На картине трудно заметить какие-либо выдающиеся формы, но выделяются разные цвета. Также все абстрактно, поэтому трудно сказать, что это за картина. Цвета на картине помогают зрителям понять красоту картины. По цветам можно понять, что речь идет о природе. Также более светлые цвета могут быть связаны с цветами. Различные оттенки зеленого также проецируют траву и стебли растений. Части коричневого цвета изображают почву. На картине видно, что это какой-то сад или луг.

Эта картина привлекла меня своими цветами. Меня обычно привлекают картины, изображающие природу и ее красоту. Что мне интересно, так это то, что Моне страдал депрессией, но большая часть его работ связана с наблюдениями за природой. Природа означает мир, и, возможно, поэтому он проводил так много времени в своем саду. Количество времени, которое он провел в своем саду, могло быть временем, когда он мог подумать о своей жизни. Другая мысль заключается в том, что, поскольку он потерял любовь всей своей жизни, его картины могут быть отражением ее красоты или даже его любви к ней. Считается, что его депрессия была вызвана его потерей.

У меня есть вопрос о его работах: отражают ли его работы его чувства или то, на что он физически смотрел во время рисования? Я также хотел бы знать, какое значение имел для него этот многозначительный цветок?

19 мая 2017 г. Uncategorizeda.dimcevski

Что привлекло меня в этом великолепном произведении искусства, так это его размер. Это была самая большая картина, выставленная на 5-м этаже Музея современного искусства. Эта картина, состоящая из трех панно, написана французским импрессионистом Клодом Моне. Моне родился в 1840 году в Париже и умер в Живерни в возрасте восьмидесяти шести лет. Именно когда он жил в Живерни, он создал эту мирную картину, которую назвал 9.0025 Водяные лилии . Сады Моне являются источником его вдохновения. Его изображение водяных лилий на картине абстрактно. Вдохновение, для обслуживания которого требовалось шесть штатных садовников.

По словам Моне, цель Водяных лилий заключалась в том, чтобы показать «иллюзию бесконечной дыры, воды без горизонта или берега». Картина представляет собой наблюдение за его садом в Живерни. Она выполнена маслом на холсте в период 1914-1926 гг.

Моне был первым французским импрессионистом. Импрессионизм был художественным движением, которое не пользовалось популярностью среди французского истеблишмента. Они нарушили «правильный» способ рисования, используя не линии или контуры, а небольшие мазки кисти. Импрессионист делал акцент на точном отображении света и природы, часто в контексте времени. Когда я впервые сел, чтобы посмотреть на это могучее творение, я почувствовал его важность для человеческой души.

Это произведение искусства было выставлено в большой комнате, а две картины Моне меньшего размера стояли на противоположной стороне комнаты. Посреди комнаты было большое место, где можно было сидеть и смотреть на его великую работу. Я сел, а незнакомцы окружили меня с обоих концов. Мгновенно внутри начало расти спокойствие, и через несколько мгновений картина сумела отгородиться от внешнего мира. Музей современного искусства стал тихим в 3 часа дня в пятницу. Для меня невозможен переход от напряженного дня к спокойному за считанные секунды. Эта картина вселила в меня облегчение, смыла все заботы и потом на душе наступило спокойствие, которого я не чувствовала с лета.

Умиротворение исходило от масштаба картины, а также от того, что она имела смысл. Все что на картинке было связано. Поразительно, но до меня дошел слух, что, когда Моне писал картины в этот период, он терял зрение. Это заставляет меня задаться вопросом, сделал ли он картину такой большой, потому что не мог видеть детали.

19 мая 2017 г. Без рубрикиh.chang

Эта работа, которую я нашел в Музее современного искусства, называется «Картина с лучником» Василия Кандинского. Произведение было создано в 1909, в Германии. Василий Кандинский, также известный как Василий Кандинский, был русским художником и теоретиком искусства. Он был одним из пионеров абстрактного современного искусства и первым современным художником, нарисовавшим полностью абстрактное произведение. Кандинский был важной фигурой, последовавшей за движением экспрессионизма. В движении экспрессионизма важной темой было использование цвета и формы для создания художественного опыта, отражающего звук и эмоции публики.

Меня привлекло это произведение, потому что оно было эстетически приятным. Он привлек мое внимание с первого взгляда из-за своей цветовой гаммы и креативности. Все цвета в этой части настолько яркие, что трудно сказать, что происходит в этой части. Он использует множество ярких, но темных цветов, включая синий, оранжевый, красный, розовый, желтый и зеленый. Из-за его ярких красок и абстракции он пробудил во мне любопытство, и я потратил много времени, пытаясь понять, что происходит в произведении. После небольшого исследования я обнаружил, что действие этой пьесы происходит в его России, хотя в то время он жил в Германии. Слева вы видите мужчин в русской одежде, справа всадника с бантом. За ними деревья и дом. Все они кажутся на холмах или горах.

По этой картине видно, что Кандинский не пытается нарисовать реалистичную объективную сцену, а скорее пытается выразить эмоции/мысли. Он пытается добиться этого путем искажения, преувеличения и динамического применения своих цветов. Его стиль очень смелый, с большим количеством преувеличенных и покачивающихся мазков. Я думал, что то, что он пытался передать, было его эмоциональным состоянием негативных эмоций (из-за его темных цветов), таких как тревога и стресс. Я думаю, что он нарисовал обстановку России, хотя в то время жил в Германии, чтобы подчеркнуть идею полной абстракции. Поскольку экспрессионизм был целиком посвящен внутреннему состоянию и опыту художника, копирование с натуры только помешало бы этому процессу.

Я думаю, что меня интересует на картине, почему на картине изображены лучник, русские мужчины в одежде и дом? Что они означают/обозначают?

Ссылка: http://www.worldsbestpaintings.net/artistsandpaintings/painting/140/

19 мая 2017 г. Uncategorizedn.emon

Соборы Уолл-стрит

После похода в Метрополитен-музей это произведение искусства запомнилось мне больше всего. «Соборы Уолл-Стрит» (1939), как вы можете видеть на полу картины маслом, принадлежит Флорине Штеттхаймер (1871-1944). Стетхаймер был американским поэтом из Нью-Йорка. На этой картине Уолл-стрит рассматривается как неотъемлемая часть повседневной жизни жителя Нью-Йорка. Согласно описанию картины, «Уолл-стрит» состояла из финансовых лидеров, таких как Бернард Барух, Джон Д. Рокфеллер и Дж. П. Морган. Глядя на картинку, я вижу, что президент Франклин Д. Рузвельт находится прямо в центре памяти, и это может показать, насколько тесно политики того времени были связаны с крупным бизнесом, особенно с Нью-Йоркской фондовой биржей.

Я считаю, что эта работа представляет модернизм, потому что на самом деле это не то, как выглядит собор. Эта картина — попытка показать, насколько патриотичной пытается быть Нью-Йоркская фондовая биржа. Он пытается сделать образ отказа от молитвы Богу нормальным и, по сути, уступает «Собору Уолл-Стрит», что бы это ни было. На нем также изображена Армия Спасения, которая может представлять благотворительных и отзывчивых людей, которые посвящают свое время благому делу. Сзади большие буквы с надписью «банк, траст», я думаю, я мог бы увидеть слово «Ипотека» сзади с правой стороны вдоль одной из колонн, все американские флаги, американский индеец и сама Флорин Штетхаймер изображена, отдающая дань уважения. к статуе Джорджа Вашингтона, держа ленту с надписью «Джорджу Вашингтону из Флорины» на правой стороне картины. Все это на самом деле не в соборе, а в воображении Штетхаймер, и я полагаю, что она пытается показать, кому поклоняются очень немногие богатые люди.

Когда я искал картину, которая меня поразила, сначала было тяжело, потому что все было просто странно и не имело смысла, но когда я наткнулся на это, там было 5 похожих картин, и все они были очень детализированы и красивы. Чтение имени Барух в описании действительно привлекло мое внимание, и услышать, что название моей школы представлено, всегда приятно. У меня был один вопрос: почему у солдат лица красные, а у некоторых синие костюмы, а у других красные. Мне также было любопытно узнать, какие флаги, которые не были американскими, похожи на синий сзади.

-Нахайан Эмон

18 мая 2017 г. Без рубрикиh.kaur5

В Музее современного искусства представлено множество художественных шедевров. Одно творение, которое я анализировал, было «Водяные лилии » Клода Моне. Моне был одним из французских художников, положивших начало движению импрессионистской живописи, отвергнув традиционный подход. Импрессионизм состоит из картин, которые выражают отчетливое влияние цвета и света на природу и другие натюрморты. «Водяные лилии » — одна из самых длинных серий Клода Моне, состоящая примерно из 250 картин, написанных маслом в течение почти 12 лет (1914–1926). По словам самого Моне, произведения из этой серии должны были создать «иллюзию бесконечного целого, воды без горизонта и берега».

Изображение выше, у которого, похоже, не было определенного названия, кроме названия сериала, Водяные лилии , было продемонстрировано на трех больших панелях рядом. И, как объяснил сам Моне, из того, что он надеялся выразить в картине, был только видимый пруд с лилиями и ничего за его пределами; это была целая, бесконечная вода без берега в поле зрения. Из-за масляной пастели было трудно понять, что именно я вижу, но со временем передо мной стали появляться лилии. Светло-голубой цвет вокруг лилий также может создавать ощущение, что это может быть распустившееся цветочное дерево, отражающееся в воде, поскольку оно очень напоминает ясное небо, которое слегка проглядывает сквозь него. Хотя многие художники-импрессионисты предпочитают делать свои работы более яркими и живыми, воображая цвета, которые могут сделать пейзаж светлее, есть некоторые, которые демонстрируют темноту, как этот. Это кажется почти реальным без каких-либо дополнительных поворотов и, возможно, даже созданием холста, как это заметил Моне, который теперь думает об этом, это именно то, что изображают импрессионистские картины. В них нет ничего идеального, скорее все имеет недостатки, что и наблюдается в действительности.

Помимо того, что картина занимала много места на стене музея, картина имеет успокаивающую атмосферу, которая привлекает к ней внимание. Наряду с другими произведениями серии, глядя на это, наталкиваешь на мысли о природе и традиционном искусстве. К настоящему времени природа бесчисленное количество раз встречалась в различных художественных произведениях в качестве фона. Картины маслом, вообще, ремесла, которые в последнее время совершили прорыв. Традиционные картины подразумевали взгляд на мир через другую линзу, чтобы противодействовать примитивности. Я чувствую, что художники стремились показать, как именно они находят сложный смысл в чем-то столь простом. Такие картины, как Водяные лилии Серия действительно показывает, что такая простая вещь, как пруд с лилиями, может быть просто прудом с лилиями; что нет никакой скрытой интерпретации. Суть его в том, что искусство можно заставить вызывать эмоции удовольствия, а не глубокий анализ. Форма, которую принял Клод Моне, чтобы изобразить это, есть просто другой способ творчества.

Моне, Клод

17 мая 2017 г. Без рубрикиrs145957

Во время моего посещения Музея современного искусства одним произведением, которое привлекло мое внимание, было «Фальшивое зеркало» Рене Магритта. Работа была создана в 1928 году в Le Perreux-sur-Marne, небольшом пригороде Парижа, Франция, и называлась «Le Faux Miroir». Рене Магритт был бельгийским художником, который следовал движению сюрреализма в искусстве, в этом движении общей темой большинства его произведений было то, что зрители его произведений «задавались вопросом о своем восприятии реальности».

Работа, которую я выбрал, представляет собой изображение целого глаза, включая веки, с видом на прекрасное небо в качестве его радужной оболочки, которая на короткое время прерывается сплошным черным кругом в качестве зрачка. Маленькая деталь, которую легко упустить при первом взгляде, — это отсутствие ресниц, которое упускают из виду при изображении неба. В целом, описание произведения прямолинейно с тем, что вы видите, но его можно интерпретировать по-разному.

По отношению к модернизму аспект, показанный в этом произведении, является сюрреализмом. Намерение состоит в том, чтобы показать больше бессознательного, а не сознательной и рациональной стороны мышления. То, что Магритт показывает посредством воображения и экспериментов, уникально для повседневной жизни, поскольку оно ломает фундаментальный художественный стиль реализма. Эстетика работы воображаемая и творческая, которая изображается через глаз, представляющий собой зеркало неба.

Что привлекло мое внимание в этой картине, так это отражение в глазах, которое является главной достопримечательностью картины и фокусом путаницы. Обычно вы не ожидаете увидеть то, что видит глаз, но Магритт улавливает эту перспективу и воплощает ее в искусство, изображая инструмент (глаз) и вид (небо) в одном кадре. Для меня это означало разницу между тем, что мы на самом деле видим, и тем, как мы интерпретируем это по-разному. Это напомнило мне картину Магритта с изображением трубки, которую мы видели в классе, где технически это была не трубка, а изображение трубки. Использование вывода о том, что это не то, чем оно является на самом деле, помогает интерпретировать эту картину; хотя это глаз, на самом деле это не глаз, а то, что видит глаз. В некотором смысле все, что мы видим, отражается в наших глазах, что оправдывает название произведения Магритта «Ложное зеркало».

У меня вопрос, почему Магритт решил изобразить глаз именно так. Была ли целью Магритта подвергнуть сомнению анатомию глаза? Отсутствие ресниц на глазу тоже под вопросом.

17 мая 2017 г. UncategorizedJSylvor

– Как вы думаете, какое значение имеет титул Альенде? Что значит быть сделанным из глины? –

-Что происходит с Рольфом во время его встречи с Азусеной?

– Как вы думаете, почему Азусена становится символом трагедии, разворачивающейся в истории?

–Что вы думаете о визите президента на место катастрофы? Какой комментарий делает здесь Альенде?

–Как вы можете связать эту историю с собственным опытом стихийных бедствий или других бедствий? Есть ли в этой истории элементы, к которым вы можете относиться? Как?

17 мая 2017 г. Без рубрикиj.singh5

В Музее современного искусства мне показалась очень интересной работа «Спящая цыганка» Анри Руссо (1897). Анри Руссо (1844-1910) был французским художником, также известным как Ле Дуанье. На этой картине вы видите женщину, которая глубоко спит у своего кувшина, полного воды. Сеттинг — это то, что выглядит как пустыня и горы сзади. Лев приближается к женщине и приближается к ней, но не пожирает женщину из-за «эффекта лунного света». Как художник женщина на картине — ремесленница; как исследователь, у нее нет разумного социального положения. Потерянная в глубоком самоудержании, мечтающем об отдыхе, она опасно бессильна, а лев спокоен. Руссо деликатно играет яркостью на теле льва на картине. Руссо намеренно использовал различные социальные вещи для изображения смысла. Картину женщины, дремлющей под львом, можно узнать по-разному.

1. женщина говорит с матерью всех обществ и меньшинств, а лев говорит с подавляющими лидерами общества.
2. художественное творение показывает, что мы всегда являемся жертвами напряженности.
3. лев — всего лишь рискованное, способное существо, неправильно истолкованное без цели причинить вред женщине, но в основном заботящееся о ней.
4. Возможно, льва интересует ее образ жизни и ее слабость.
5. Быть может, странник говорит с каждым из нас, отдыхающих в ночи, не понимая, что грядет и чего стоит бояться.

Вполне возможно, что эта картинка демонстрирует, как мало мы можем время от времени контролировать свою жизнь. Я думаю, что существует моральный и надежный подход к смешиванию и использованию обществ, отличных от вашего, для создания всеобъемлющего сообщения, передающего ценности, переданные людям во всем мире. Огромная мысль здесь в том, что из одного-единственного шедевра можно извлечь множество смыслов и образов. Руссо использовал свою собственную точку зрения на различные общества, чтобы сделать картину, очень доступную для публики. Он поместил социальные мысли, картины и вещи в передовую картину, демонстрирующую солидарность образа жизни и слабость каждого отдельного человека, мало обращающего внимания на свои различия. «Спящая цыганка» — настоящий чемпион, устанавливающий стандарты в своем роде. Мне очень понравилось анализировать эту картину, так как в ней было так много разных значений, которые нельзя изобразить в уме, все, что вам нужно сделать, это мыслить нестандартно.

11 мая 2017 г. Uncategorizedp.ac

Работа, которая показалась мне очень интересной в музее MET, называется «Уникальные формы непрерывности в пространстве» Умберто Боччони 1913 года. Он является одним из самых влиятельных художников среди итальянских футуристов, художественного направления. Он погиб в возрасте тридцати трех лет, поддерживая современную технологическую концепцию. Он создал это произведение искусства за год до того, как разразилась Первая мировая война. Это одно из произведений футуризма. По сути, футуризм — это предсказание того, как будет выглядеть будущее с развитием технологий и индустриализацией. Художники-футуристы того времени практиковали эту идею во всех видах искусства, чтобы люди осознали свое видение через свои формы искусства, такие как живопись, скульптура, дизайн и многое другое.
Эта скульптура — одна из немногих работ Боччони. Эта неизвестная фигура сделана из бронзы. Его высота составляет около трех с половиной футов. Ему дано человекоподобное тело с тремя измерениями, прикрепленными крыльями в частях тела. Когда мы смотрим на скульптуру, мы видим, как одна нога выставлена ​​вперед, а другая назад, почти как человеческая поза при ходьбе. С разных ракурсов выглядит по-разному. Это дает нам представление о росте модернизма через искусство. Невероятно, как наши древние смогли предсказать, как мир будет выглядеть через пару десятилетий с помощью технологий. Это своего рода изображает концепцию, согласно которой человек будет постепенно различаться и превращаться в человека, подобного роботизированному объекту, который обладает большей силой и энергией, чем человек. Это прекрасный пример футуристического движения в модернизме благодаря его силе и способным качествам, которые могут развить современное общество.
Для меня это произведение искусства представляет собой значимую скульптуру, и любой, кто смотрит на него впервые, может догадаться, почему человек сделал это еще до появления технологий. Что мне больше всего понравилось в этой скульптуре, так это то, что ее видно со всех сторон и интересно, как в какой-то момент она выглядела более абстрактной, чем сама фигура. Я думаю, что это отличная идея художника донести свою концепцию до людей, превратив свою работу в произведение искусства, которое легко понять всем простым людям, которые умеют или не умеют читать и писать. Это дает нам чувство надежды на будущее и человеческую судьбу.

11 мая 2017 г. Без рубрикиJSylvor

– Почему рассказчик обращается к своему слушателю как «мой сын»?

– Рассказчик говорит нам, что «каждое новое поколение находит дерево дум, как будто оно родилось в момент их рождения и будет расти вместе с ними». Что вы об этом думаете?

– Каков взгляд этой истории на правительство нового независимого Судана? Каковы отношения между правительством и сельскими жителями?

–Объясните изменение точки зрения повествования в последних отрывках рассказа? Как это меняет наше собственное представление о тексте

Ежедневная арт-история: Водяные лилии Моне

«Возможно, я стал художником благодаря цветам».

Клод Моне родился как Оскар-Клод Моне 14 ноября 1840 года в Париже. Он был основоположником французской импрессионистской живописи и наиболее последовательным и плодовитым практиком философии движения выражения своего восприятия перед природой, особенно применительно к пленэрной пейзажной живописи. Термин «импрессионизм» происходит от названия его картины « Impression, Sunrise », которая экспонировалась в 1874 году на первой из независимых выставок, устроенных Моне и его соратниками в качестве альтернативы Парижскому салону.

Стремление Моне запечатлеть французскую сельскую местность привело его к тому, что он принял метод многократного рисования одной и той же сцены , чтобы запечатлеть смену света и смену времен года. С 1883 г. Моне жил в Живерни, где приобрел дом и имущество и начал масштабный проект по благоустройству .0177, в который вошли пруды с лилиями, которые станут сюжетами его самых известных работ.

В 1899 году он начал рисовать водяные лилии , сначала в вертикальных видах с японским мостом в качестве центрального элемента, а затем в серии крупномасштабных картин, которые должны были постоянно занимать его в течение следующих 20 лет его жизни. . (Википедия)

Серия «Водяные лилии или нимфеи» включает примерно 250 картин маслом . Сегодня мы наслаждаемся некоторыми шедеврами из этой серии.

«Мой сад — мой самый красивый шедевр».

Моне переехал в Живерни в 1883 году и жил там до своей смерти в 1926 году. На территории своего имущества он создал водный сад «для выращивания водных растений», над которым построил арочный мост в японском стиле. .

В 1899 году, когда сад созрел, художник сделал восемнадцать изображений мотива при разном освещении.

Клод Моне, Водяные лилии и японский мост, 1897–99
Художественный музей Принстонского университета

Окруженный пышной листвой мост виден здесь из самого пруда, среди искусного расположения тростника и ивовых листьев.

Клод Моне, Мост через пруд с кувшинками, 1899
Музей Метрополитен: https://museu.ms/museum/details/570/the-metropolitan-museum-of-art

Необычный для этой серии вертикальный формат картины выделяет кувшинки и их отражение в пруду.

«Все, что я заработал, ушло в эти сады».

Моне, страстный садовод, купил землю, намереваясь построить что-то «для удовольствия глаз, а также для мотивов для рисования».

В последние десятилетия своей жизни он почти исключительно рисовал созданный им сад с кувшинками. В саду было бесконечное множество мотивов, которые можно было наблюдать с разных точек зрения и с постоянно меняющейся игрой света и отражений на поверхности воды.

Клод Моне, Водяные лилии, 1905
Музей изящных искусств, Бостон: https://museu.ms/museum/details/586/museum-of-fine-arts-boston

Вот, подушечки лилии, разбросанные по картине, напоминают водную гладь, уходящую в пространство. Узор из света и тьмы под лилиями указывает на отражение в воде-небе и деревьях на дальнем берегу. Моне выставил сорок восемь таких «пейзажей с водой» в 1909 году. Очарованные тонким слиянием художником реальности и отражения, критики сравнили картины с поэзией и музыкой.

Клод Моне, Водяные лилии, 1906
Художественный институт Чикаго: https://museu.ms/museum/details/10101/the-art-institute-of-chicago
 
«Одно мгновение, одно аспект природы содержит все это», — сказал Клод Моне, имея в виду свои поздние шедевры, водные пейзажи, которые он создавал в своем доме в Живерни в период с 1897 года до своей смерти в 1926 году. Эти работы заменили разнообразные современные сюжеты, которые он писал с 1870-х годов. на протяжении 1890-х годов с единственным, вневременным мотивом — водяными лилиями. В центре этих картин был любимый цветочный сад художника, в котором были водный сад и небольшой пруд, перекинутый японским пешеходным мостом. В своей первой серии о кувшинках (1897–99), Моне нарисовал окружение пруда с его кувшинками, мостом и деревьями, аккуратно разделенными фиксированным горизонтом. Со временем художника все меньше и меньше занимало условное живописное пространство. К тому времени, когда он написал «Водяные лилии», которые происходят из его третьей группы этих работ, он вообще отказался от линии горизонта. В этом пространственно неоднозначном полотне художник смотрел вниз, сосредоточив внимание исключительно на поверхности пруда с его скоплением растений, плавающим среди отражений неба и деревьев. Таким образом, Моне создал образ горизонтальной поверхности на вертикальной. Четыре года спустя он еще больше вышел за условные рамки станковой живописи и начал создавать масштабные, единые композиции, сложные и густо нарисованные поверхности которых как бы сливаются с водой. — Вступление, Основное руководство, 2009 г., п. 232.

Клод Моне, Водяные лилии, ок. 1914–1917
Музей Почетного легиона: https://museu.ms/museum/details/531/legion-of-honor-museum

Клод Моне, Нимфеи, ок. 1915
Musée Marmottan Monet: https://museu. ms/museum/details/709/marmottan-monet-museum

Claude Monet, Water Lilly Pond, 1917/19
Художественный институт Чикаго: https:// museu.ms/museum/details/10101/the-art-institute-of-chicago

Во время Первой мировой войны, после нескольких лет бездействия из-за плохого здоровья и горя по поводу смерти второй жены, Клод Моне приступил к периоду напряженной работы. Построив большую студию и улучшив свой сад, он начал серию монументальных картин с водяными лилиями, которые позже предложил французскому государству. Наряду с этим проектом он написал сюиту из 19 полотен меньшего размера, в том числе и настоящее. Есть свидетельства — в том числе несколько фотографий художника, работающего в своем саду, — что Моне задумал эти картины на открытом воздухе, а затем переработал их в своей мастерской. Однако на этом последнем этапе его карьеры различие между наблюдением и памятью в его работе становится неосязаемым и, возможно, даже неуместным.

«Я ни на что не годен, кроме рисования и садоводства».

С возрастом и ухудшением зрения на художника обрушились его работы, которые потеряли почти всякое чувство формы и теперь называются « Абстрактный импрессионизм «. Сезанн однажды сказал, что Моне был «всего лишь глазом, но, боже мой, каким глазом». Моне умер 5 декабря 1926 года почти слепым. Известно, что он сказал, что «боится темноты больше, чем смерти». ( Newsfinder )

Картины выставлены в музеев по всему миру , в том числе Музей Мармоттана Моне и Музей Орсе в Париже, Метрополитен-музей в Нью-Йорке, Художественный институт Чикаго, Художественный музей Сент-Луиса, Художественный музей Нельсона-Аткинса в Канзас-Сити, штат Миссури, Художественный музей Карнеги, Национальный музей Уэльса, Музей изящных искусств в Нанте, Художественный музей Кливленда, Художественный музей Портленда и Орден Почетного легиона.

Клод Моне, Водяные лилии, 1919
Метрополитен-музей: https://museu.ms/museum/details/570/the-metropolitan-museum-of-art

Эта работа — одна из четырех картин с водяными лилиями, которые, в исключительных случаях, принадлежит Моне.